proyectodenisova | ARTISTAS I EDICIÓN

ARTISTAS PARTICIPANTES

LUCÍA ORTÍZ MONSALVE

  • Venus de Hohle Fels, 40.000 A.C.

La Venus de Hohle Fels, fue hallada en 2008 en cuevas de Hohle Fels  en el valle del rio Achr en la Jura de Suabia cerca de Schelklingen (Baden-Wurtemberg, Alemania). Pertenece al paleolítico superior, datada entre 40.000 – 35.000 años A.C.  Realizada en Marfíl de mamut. Actualmente se encuentra en el Museo de Prehistoria de Blaubeuren en Alemania.

Esta estatuilla femenina, de unos seis centímetros de altura, fue tallada en marfil de mamut y se trata por tanto de la escultura humana más antigua que ha sido hallada. Muestra unos pechos muy desarrollados, el vientre hinchado, las caderas anchas y la vulva marcada, se asocian con expresiones de fertilidad. “La cabeza y las piernas no importan. Se trata de sexo, reproducción”, explicó el arqueólogo Nicholas Conard, quien dirigió el proyecto de excavación. La figurilla presenta un agujero en la minúscula cabeza para ensartarla en un cordel, probablemente para ser utilizada como amuleto, aunque aún se discute sobre su función originaria. En la cueva de Hohle Fels, en Schelklingen, se han encontrado otras figurillas que representan a animales, otra que representa un falo e incluso una flauta de hueso que constituye uno de los instrumentos musicales más antiguos del mundo. Todos estos hallazgos datan del Auriñaciense, cuando los humanos modernos se extendieron rápidamente por toda Europa, desplazando a los neandertales autóctonos.

Fuentes:

https://es.wikipedia.org/wiki/Venus_de_Hohle_Fels

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/estatuilla-voluptuosa_9629

https://www.bbc.com/mundo/cultura_sociedad/2009/05/090514_0346_escultura_nature_jg

ABRAHAM VÁZQUEZ

  • Collar de Variscita de Gavá 6200-5900 A.C.

Collar de variscita, época neolítica (6200-5900 a. C.). Yacimiento: Minas Prehistóricas de Gavà (Gavà)

Encontrado en la mina número 83 de las Minas Prehistóricas de Gavà. Está formado por 61 decenarios, de los que 42 son discoidales y 19 tienen forma de barril. Se encuentra expuesto en el Museo de Gavà

Una visita al Museu de Gavà siempre es recomendable. En una de las vitrinas se exhibe (sin ánimo de abrir desde aquí una discusión con los egiptólogos) el Tutankamon catalán. Es el ajuar mortuorio de una tumba neolítica local en apariencia no extraordinaria, pero el muerto fue enterrado con una talla de obsidiana de Cerdeña, puntas de sílex de Provenza y piezas de jadeíta de los Alpes, y un collar de cuentas de variscita, un tesoro para aquellos tiempos, que solo se comprende si se tiene en cuenta qué tenía para ofrecer al mundo aquella sociedad primitiva que creció alrededor de las minas de Can Tintoré.

La variscita, sin ser ni por asomo una piedra preciosa, tiene una hermosa historia detrás. Las minas de Can Tintoré fueron descubiertas, accidentalmente como siempre en estos casos, en 1972. Solo a partir de entonces se comenzó a comprender que Gavà jugó un importante papel durante buena parte del neolítico europeo.

Gavà hace 6000 años fue la cuna de la joyería del neolítico, durante un periodo de más de 1.000 años Gavà fue el mayor centro productor del mundo de joyas de variscita, un mineral escaso, pero que por su singular color verde fue la materia prima con la que se tallaron algunas de las joyas más hermosas de la prehistoria.

Las más estimadas son de color verde esmeralda” ,  estaba en Gavà. Es el yacimiento por referencia y más conocido de variscita por su gran explotación de este mineral ,  “ Se ha supuesto siempre que las decenas de abolorios encontrados en sepulturas neolíticas del Mediterráneo occidental fueron manufacturadas allí, junto a las minas de Can Tintoré.

El Centro de Investigación y Restauración de los Museos de Francia, con sede en el Louvre, analizo la composición química exacta de aquellos ancianos tesoros. El resultado de la investigación fue crucial, son de Gavà, fue en su tiempo … la 1ª construcción de una especie de Mercado Común Europeo del neolítico.

Fuentes:

http://www.patrimonigava.cat/

BEATRIZ BIAGI

  • Joyas de Pu-Abi, Reina de Ur, Capital Sumeria, 2.600 A.C 

Realizadas en oro, plata, lapizlázuli y cornalina.

El Cementerio Real de Ur fue descubierto por el arqueólogo Leonard Woolley en 1922 en Mesopotamia, la actual provincia de Dhi Qar (sur de Irak), gracias a una misión conjunta del museo Penn de Filadelfia y el British museum de Londres.

La principal tumba de dicho cementerio es la de la reina Pu-bi. Su cuerpo fue encontrado junto con su sello personal, en el que se lee su nombre y título, sin asociación a ningún rey, por lo que se deduce que ella era la reina-sacerdotiza soberana de la ciudad-estado sumeria de Ur. Su importancia y rango están remarcados por la suntuosidad de las piezas con las que ella y su séquito fueron enterrados: objetos, instrumentos musicales, artefactos y joyas de oro, plata, lapizlázuli, marfil y cornalina. Estos materiales eran importados desde Afganistan, la meseta iraní y la India, lo que comprueba la extensión de la red comercial e intercambios culturales de Sumeria, una de las primeras civilizaciones urbanas del mundo.

Los tesoros del Cementerio Real de Ur se encuentran actualmente en el Museo Penn de Filadelfia, EUA, British Museum de Londres y el Museo Nacional de Irak en Bagdad.

Las excavaciones del Cementerio Real de Ur se llevaron a cabo gracias a la misión conjunta del Penn Museum y el British Museum. La tumba principal es de la reina Pu-Abi. El poder Pu-Abi queda remarcado por la  suntuosidad del  asombroso ajuar funerario: artefactos y joyas de oro, plata, lapizlázuli, marfil y cornalina. Estos materiales fueron importados de lugares lejanos como la India y Afganistán, lo que comprueba la importancia de Sumeria, una de las primeras civilizaciones urbanas del mundo.

 

Referencia:

https://www.youtube.com/watch?v=4jwxUcoHL5Y&feature=emb_logo

 

Fotografía:

Objeto númreo B17711A.  Cortesía de http://www.penn.museum

Object B17711A Courtesy of the Penn Museum

Fuentes y Fotografía:

https://www.youtube.com/watch?v=4jwxUcoHL5Y&feature=emb_logo

Objeto númreo B17711A.  Cortesía de http://www.penn.museum

Object B17711A Courtesy of the Penn Museum

https://www.penn.museum/collections/object_images.php?irn=108736#image4

https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_1929-1017-130-a

https://www.penn.museum/collections/object_images.php?irn=108736#image4

https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_1929-1017-130-a

TERESA ANDRÉS BUENO

 

  • Diadema de Caravaca 2000 – 1500 A.C.
  • En 1925 un agricultor encontró de forma casual el más precioso hallazgo de la orfebrería argárica: la llamada “Diadema de Caravaca”, así conocida por haberse encontrado en el “Estrecho de la Encarnación”, del término municipal de Caravaca de la Cruz en Murcia, España.  En este caso no solo destaca por la novedad del material que es en oro (casi toda la joyería descubierta hasta entonces era de plata), sino porque a diferencia de las otras incluía una decoración de círculos concéntricos realizada con la técnica del puntillado.
  • Comenzaba a cobrar fuerza la teoría de una sociedad monárquica/aristocrática similar a las que entonces ya existían en Egipto y Oriente Medio.
  • Datada en la primera mital del II milenio A.C, 2000-1500 A.C, pertenece a la cultura argárica, realizada en oro con la técnica del martillado y puntillado, dimensiones: diámetro 17,70 cm, grosor 0,02 cm y un peso total de 44, 40 gramos.  En la actualidad se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional en Madrid, España.

Fuentes

http://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?Museo=MAN&txtSimpleSearch=Diadema%20de%20Caravaca

https://es.wikipedia.org/wiki/Diadema_de_Caravaca_de_la_Cruz

ANDREA MARÍA RÍOS

  • Pectoral de la Princesa Sit-Hathor- Yunet, Reino Medio, 1887-1878 A.C.

Pectoral con collar de Sith-athor-yunet con el nombre de Senwosret II, Período: Reino Medio, dinastía 12 reinado de Senwosret II, Fecha: ca. 1887-1878 A.C.
El pectoral esta elaborado en oro, cornalina, lapislázuli, turquesa, granate y el collar en oro, cornalina, lapislázuli, turquesa, feldespato verde. Fue excavado por Flinders Petrie en Lahun 1914 , es un pueblo de obreros en Fayum , Egipto . El Lahun se asocia con la Pirámide de Senusret II (en griego : Sesostris II ). EL pectoral se encuentra en exhibición en el Museo Metropolitano de Arte de NY. Está elaborado en técnica cloisonné con incrustaciones de 372 piezas de piedras semipreciosas cuidadosamente cortadas, todas perfectamente presentadas y perfectamente colocadas. Los signos jeroglíficos componen el diseño y en conjunto se puede leer: “El dios del sol naciente concede vida y dominio sobre todo lo que el sol rodea durante un millón cien mil años, es decir, la eternidad. Esencialmente, fue el rey quien se benefició de los poderes mágicos inherentes a las joyas que usaban las mujeres de su familia, lo que explica por qué su nombre, en lugar del de la princesa, aparece en los diseños.
Fuente:
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/544232
https://es.qaz.wiki/wiki/El_Lahun

PILAR TRILLO

 

  • Collar de Moscas o Moscas del valor de Reina Ahhotep 1570 – 1540 A.C.

La Reina Ahhotep, XVIII dinastia, ejerció de regente durante la minoría de edad del faraón Ahmosis y promovió la expulsión de los dirigentes hicsos.

El collar realizado en oro, tiene 3 moscas de 9 cm cada una. 

La mosca en el Antiguo Egipto tenía un valor profiláctico y protector. Durante la predinastía existían amuletos de piedra en forma de mosca y en numerosas pinturas cerámicas. Más tarde, con el Nuevo Imperio (1550-1070 a.C), aparece la Condecoración de la Orden de la mosca Dorada o la mosca del Dolor. Las moscas se llevaban colgadas al cuello.  Era la mayor condecoración que un faraón le daba a sus soldados más valientes. Normalmente se hacían en oro aunque se han encontrado otros en plata. El significado de la condecoración era que, así como la mosca picaba a los animales y por mucho que se insista en apartarla no se aparta «del campo de batalla» molestando hasta el final, los soldados atacaban a los enemigos sin descanso. Valor, fuerza, dominio, insistencia y tenacidad eran sus máximos atributos. De hecho, hubo un soldado de la época de Tutmosis I que recibió hasta 6 moscas por su valor. También aparecieron algunas moscas en las tumbas de varias esposas de Tutmosis III, aunque no se sabe el por qué.

Fuentes:

https://supercurioso.com/el–collar–de–la–moscas–en–egipto/

https://www.sinek.es/collar–moscasegipto/#:~:text=Estas%20condecoraciones%20militares%20hechas%20para,a%20los%20hi csos%20de%20Egipto.

https://es.wikipedia.org/wiki/Ahhotep

https://es.wikipedia.org/wiki/Auguste_Mariette

https://www2.uned.es/geo–1–historia–antigua–universal/EGIPTO%20HISTORIA/Reinas_1DXVIII.htm

https://www.youtube.com/watch?v=9dHOWdoQIGc&t=4199s

LLUÍS SOLANO GIFRE

  • Máscara funeraria de Tutankamon 1342 – 1324 A.C.

La máscara funeraria de Tutankamón, está construida en oro, obsidiana, lapislázuli, cuarzo, turquesa, cornalina y cristal. Y fue la única tumba descubierta no saqueada, hasta nuestros días. Con un peso total de 11 kg.
La máscara funeraria de Tutankamón, es sin duda, la pieza arqueología más conocida del antiguo Egipto. La tumba descubierta por Howard Carter el 28 de octubre de 1925 fue un hallazgo sin igual ya que la tumba se encontró intacta.

Tutankamón,1 llamado en vida Tutanjatón,a (c. 1342 – c. 1325 a. C.) fue un faraón del Antiguo Egipto, último monarca de su familia real en el final de la dinastía XVIII que gobernó entre 1334 y 1325 –según la cronología convencional del Imperio Nuevo de la Historia de Egipto–. Su padre era el faraón Akenatón, que se cree que estaba enterrado en la tumba KV55, mientras que su madre era la hermana de este, identificada como tal por una prueba de ADN realizada a una momia desconocida llamada La Dama Joven, que fue encontrada en la tumba KV35.2

Tutankamón accedió al trono con ocho o nueve años bajo la tutela del visir Ay, que finalmente sería su sucesor y probablemente también era pariente. Tutankamón contrajo matrimonio con su medio hermana Anjesenamón, con quien concibió dos hijas que murieron, la primera a los 5 o 6 meses de embarazo y la segunda poco después de nacer.3 Los nombres del faraón -Tutanjatón y Tutankamón- se cree que significan «imagen viviente de Atón» e «imagen viviente de Amón», aunque el reemplazo de Atón por Amón se hizo después de su muerte.

Tutankamón reinstauró la religión politeísta del Antiguo Egipto después de las reformas monoteístas de su padre, enriqueció y fue generoso con las órdenes de dos importantes cultos, entre ellos el de los sacerdotes de Amón, y comenzó a restaurar los monumentos antiguos dañados durante el anterior periodo amarniense. Trasladó los restos de su padre al Valle de los Reyes y movió la capital desde Ajetatón a Tebas. Sufría una discapacidad física por una deformidad en su pie izquierdo junto a una osteonecrosis que le obligaron a apoyarse en bastones, varios de los cuales fueron hallados en su tumba junto a armaduras y arcos, en cuyo uso debía estar instruido. Estaba aquejado de otros problemas de salud como escoliosis y había contraído malaria.

En 1922 Howard Carter descubrió su tumba casi intacta en el transcurso de unas excavaciones sufragadas por Lord Carnarvon,4 un hallazgo que captó la atención de la prensa de todo el mundo. El descubrimiento de este hipogeo con más de 5000 artefactos, entre ellos la máscara funeraria de Tutankamón, expuesta en el Museo Egipcio de El Cairo, despertó un renovado interés en el Antiguo Egipto. Las muertes poco tiempo después de varios de los implicados en el descubrimiento de su momia se han atribuido popularmente a la maldición del faraón. Desde el descubrimiento de su enterramiento se lo conoce también como «Rey Tut».

Parte de su enorme ajuar funerario ha viajado por todo el mundo despertando una expectación sin precedentes. El Consejo Supremo de Antigüedades de Egipto autorizó esas exposiciones desde 1962, cuando se celebró la primera en el museo del Louvre de París. Esas exhibiciones atrajeron millones de visitantes hasta 1979, aunque después no se celebró ninguna más hasta que se retomaron en el período 2005-2011, cuando además se incluyeron objetos de los predecesores de Tutankamón en la dinastía XVIII, como su padre Akenatón o la reina Hatshepsut.

Se encuentra en el Museo Egipcio del Cairo

Fuentes:

https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A1scara_funeraria_de_Tutankam%C3%B3n

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/mascara-tutankamon-se-exhibe-nuevo-museo-egipcio-cairo_9993

https://egiptologia.com/la-mascara-de-tutankhamon/

https://www.lacamaradelarte.com/2016/04/mascara-de-tutankamon.html

 

EDNA FELICIANO PRIETO

  • Gorguera de Gleninsheen, 800 – 700 A.C.

Edad del Bronce en Irlanda.

Descubierta en el 1932 en el condado de Clare en Irlanda, esta pieza representa uno de los grandes tesoros de la Era de Bronce en este país. Está compuesta por 5 piezas de fina lámina de oro: 2 pares de discos circulares montados uno sobre otro y un collar en forma creciente unido a ellos. Está realizada con las técnicas de cincelado, grabado y trabajo en alambre. Se encuentra en el Museo Nacional de Irlanda.

Fuentes:

https://studylib.es/doc/4540779/gu%C3%ADa-del-museo-nacional-de-irlanda-arqueolog%C3%ADa

https://efivern.blogspot.com/2012/08/historia1Irlanda.html

 

ANA RUÍZ

  • Colgante demonio Puzuzu, S.VIII – S.VII A.C.

Pazuzu es una estatua fabricada en bronce de 14,5 cm. de altura, datada aproximadamente entre los siglos VIII a.C. y VII a.C. (período comprendido entre los años 800 a.C. y 601 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico. Fue encontrada en Irak y desde 1872 forma parte de los fondos del Museo del Louvre de París, Ala Richelieu, sala 6, vitrina 4.

Su figura es hibrida, cuerpo humano desnudo con cuatro alas, cabeza canina con dos cuernos, pene serpentiforme, manos humanas, patas de ave de presa y cola de escorpión. Se muestra con la palma de la mano derecha hacia arriba, y la izquierda hacia abajo. Esta posición de las manos simboliza la vida y la muerte, o la creación y la destrucción.

Pazuzu es el rey de los demonios del viento y fantasmas Lilu, Lilitu y Ardat-lili fue conocido como Pazuzu, hijo de Hanpa en la mitología sumeria, asiria y acadia. Fue un dios demoniaco, documentado a partir del primer milenio precristiano. A su personalidad se le atribuye un doble aspecto maléfico y benéfico. Se le creyó propagador de epidemias, entre ellas, la malaria, pero también era invocado contra ellas. A veces aparecía asociado a su consorte y enemiga Lamasthu (demonio femenino que se alimentaba de recién nacidos y sus madres), siendo utilizado contra ella a las que obligaba a retirarse de sus víctimas. Se labraron infinidad de amuletos con su imagen o con su cabeza que se colgaban del cuello las mujeres encinta para protegerlas de la Lamasthu.
Para los sumerios, también representaba el viento del suroeste, que traía tormentas, y portador de la peste y las plagas, del delirio y de la fiebre.

Esta figura con la leyenda que la representa, fue utilizada como modelo para algunas escenas de la película de terror “El Exorcista” de 1973

CONJURO:

Oh Pazuzu, poderoso que atraviesas altas montañas, que resistes todos los vientos, viento iracundo que cuando se levanta es terrible, furioso propenso a la ira, que aparece furiosamente.
Asesino de las regiones del mundo, destructor de altas montañas, que agosta las tierras pantanosas, que secas sus cañaverales!
Él golpeó en el bosque, tiró sus árboles, entró en el jardín, hizo caer sus frutos, bajó al río, hizo caer hielo, golpeó al joven, lo tiró, golpeó contra la joven, deformó sus caderas.
Cuando tú soplas las regiones del mundo se tambalean.
Subió al desierto, hizo caer escarcha. ¡Oh dolor de cabeza de la humanidad, malestar de cabeza de la humanidad, enfermedad de la humanidad!
No entres en la casa en donde yo esté, no te acerques a la casa donde yo me aproxime.
¡Sé conjurado por Anu, Antu, Enlil y Ninlil, Ea y Damkina, Cielo e Infierno!

Fuentes:
Mitos de la antigua Mesopotamia. Héroes, dioses y seres fantásticos.-Federico Lara Peinado.
Editorial Dilema
https://www.louvre.fr/es
https://hablemosdemitologias.com/c-mitologia-sumeria/pazuzu/
http://kokita-eri-historiadelarte.blogspot.com/2019/07/pazuzu.html

PILAR AYMERICH

  • Las joyas de la Dama de Elche, Busto íbero siglos V-IV A.C.

Museo Nacional de Arqueología de Madrid, España

Es una escultura que esconde muchos misterios sobre su origen. Uno de los aspectos más llamativos de la Dama de Elche son las impresionantes joyas que luce que nos recuerdan el mundo fenicio-púnico

Sobre el vestido lleva  tres collares con colgantes: dos de ellos con pequeñas ánforas y uno con una especie de lengüetas, probablemente porta amuletos.

Esta preciosa imagen fue encontrada por casualidad en la finca La Alcudia (Elche)  provincia de Alicante, en 1897 por Manuel Campello, un niño de 14 años que llevaba agua a los obreros de la finca propiedad de Manuel Campello Antón.

La escultura de la Dama se enmarca en la época del ibérico pleno, período del siglo V al siglo IV a.C.  Fue ofrecida al Museo Arqueológico Nacional en España, el cual la rechazó y se vendió al Museo del Louvre de Paris. En el Louvre, por iniciativa de S. Reinach, la obra recibió el nombre de la Dama de Elche.

En 1939 se traslada al Castillo de Montauban (Toulouse). En 1941 se traslada al Museo del Prado.

La Dama de Elche permaneció en el Museo del Prado hasta el año 1971, cuando fue trasladada al Museo de Arqueología Nacional, en Madrid.

Fuentes:

ARANEGUI GASCÓ, Carmen: “La Dama de Elche y las otras damas ibéricas” en La Dama de Elche: figura y símbolo (folleto). Elche: Fundación Universitaria de Investigación Arqueológica La Alcudia de Elche. 2006.
OLMOS, Ricardo: “Y la Dama compuso su semblante” en La Dama de Elche: figura y símbolo (folleto). Elche: Fundación Universitaria de Investigación Arqueológica La Alcudia de Elche. 2006.
VV.AA. La Dama de Elche: figura y símbolo (folleto). Elche: Fundación Universitaria de Investigación Arqueológica La Alcudia de Elche. 2006.

ROSA SEMPERE

  • Peine Escita, escena de una batalla en oro, siglo V-IV A.C.

Peine representando una batalla, realizado en oro, pertenece a la cultura escita. en un principio fue un pueblo nómada hasta que se asentaron en la región de Belsk, Ucrania, donde se cree asentaron la capital escita en Gelonus, en cuyas restos arqueológicos se han encontrado talleres de artesanía y alfarería griega con los que tuvieron un gran intercambio cultural y económico.

Los escitas trabajaron una amplia variedad de materiales, tales como oro, madera, cuero, hueso, bronce, hierro, plata y oro blanco. Como nómadas, los escitas trabajaron en materiales decorativos para usar en sus caballos, tiendas y carretas y muchas de las piezas eran pequeñas para que fueran portables. Las piezas más tempranas reflejan las tradiciones asirias de estilo animal; mientras que muchas piezas del período posterior, especialmente en metal, fueron producidas por artesanos griegos que adaptaron estilos griegos en los gustos y en los motivos para el mercado escita y probablemente trabajaron en el territorio escita.

En los últimos años, los arqueólogos han hecho descubrimientos importantes en varios lugares de la zona. Así, se han hallado elementos decorativos que muestras bestias antropomórficas, motivos geométricos o animales. También se han descubierto alfombras de fieltro, así como herramientas y utensilios domésticos. La vestimenta encontrada por los arqueólogos también ha sido elaborado con bordados y diseños aplicados. Al parecer, la gente rica vestía prendas cubiertas de placas de oro en relieve.

Hallado en las cercanías del Rio Dnieper en la Región de Zaporozhye. Ucrania se encuentra en el Museo de Hermitage –San Petersburgo, Rusia.

Fuentes:

https://www.marqalicante.com/ermitage/peine.php

https://es.qaz.wiki/wiki/Scythian_art

 

ALEJANDRO CARRERO

  • El  Medallón de Eros, S. III-II A.C

También conocido como Medallón con el busto de Eros, es un medallón de oro, elaborado en la Antigua Grecia y que data del año 250 – 200 A. C., durante el llamado Período helenístico, El medallón representa a Eros que en la mitología griega era el dios primordial responsable de la atracción sexual, el amor y el sexo, venerado también como un dios de la fertilidad. En algunos mitos era hijo de Afrodita y Ares, pero según El banquete de Platón fue concebido por Poros (la abundancia) y Penia (la pobreza) en el cumpleaños de Afrodita. Esto explicaba los diferentes aspectos del amor.

El medallón se encuentra expuesto en el Museo del Louvre en París.

Fuentes de información del medallón:

http://kokita-eri-historiadelarte.blogspot.com/2019/09/medallon-de-eros.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Medallón_de_Eros 

https://sherryv99.tumblr.com/post/126718304081/medallón-de-eros-también-conocido-como-medallón 

LETICIA PALENZUELA GUTIÉRREZ

  • Collar Los Silos, S.III A.C. 

Collar guanche realizado en cuentas de barro cocido.

Hallado en 1959, Los Silos (Tenerife)
Museo Arqueológico de Tenerife. Organismo Autónomo de Museos y Centros del Excmo. Cabildo de Tenerife. (MUNA)
Cuentas de collar realizadas a mano pertenecientes a elementos de adorno personal, hallados frecuentemente en cuevas de enterramiento como parte del ajuar funerario. La mayoría de estas cuentas son de forma discoidal y están elaboradas con pastas de muy buena calidad, presentando algunas de ellas un intenso pulimento. Al tratarse de islas los pobladores originarios de este territorio no tenían acceso a otros materiales para crear sus objetos ornamentales adaptándose a aquellos que podían encontrar y fabricar con sus propias manos.
La pieza pertenece al Museo Arqueológico de Tenerife. Organismo Autónomo de Museos y Centros del Excmo. Cabildo de Tenerife. Fue cedida al Museo Arqueológico Nacional para formar parte de la exposición El poder del pasado. 150 años de arqueología en España celebrada entre 2017 y 2018. La imagen que se acompaña pertenece al catálogo que se editó con motivo de la exposición.
Bibliografía y fuentes:
Catálogo de la exposición “El poder del pasado. 150 años de arqueología en España”. 2018. Gonzalo Ruiz Zapatero. Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

Fuentes:

https://www.museosdetenerife.org/muna-museo-de-naturaleza-y-arqueologia/sabias-que-las-cuentas-de-collar-realizadas-en-barro-cocido-representan-un-elemento-cultural-aborigen-muy-caracteristico-de-la-isla-de-tenerife/ 

https://www.museosdetenerife.org/muna-museo-de-naturaleza-y-arqueologia/tras-el-cristal-collar-guanche/ 

https://www3.gobiernodecanarias.org/medusa/wiki/index.php?title=Adornos_y_accesorios_de_los_antiguos_canarios 

https://www3.gobiernodecanarias.org/medusa/wiki/index.php?title=Adornos_y_accesorios_de_los_antiguos_canarios 

https://www.museosdetenerife.org/assets/downloads/publication-2b6825ee9d.pdf 

https://www.eldiario.es/canariasahora/sociedad/arqueologia-collar-guanche-museo-de-la-naturaleza-y-el-hombre-santa-cruz-de-tenerife_1_4994741.html 

https://es.wikipedia.org/wiki/Abor%C3%ADgenes_canarios

https://www.youtube.com/watch?v=4spacinaglA

https://www.rtve.es/rtve/20201116/2-estrena-documental-momias-guanches/2056608.shtml

GABRIELA AVELAR

 

  • Amphoriskos griego, Siglo III-II a.C.

Periodo Helenístico

Las amphoras en miniatura fueron un tipo de decoración popular para collares y aretes en los siglos III y II a.C. Forman algunas de las piezas de joyería helenística más atractivas y finamente trabajadas.

La pieza presentada realizada en cuarzo y oro, esta compuesta de un cuerpo alargado tallado en cuarzo inclinado suavemente hacia la base puntiaguda con un cuello cilíndrico, con elegantes asas gemelas, cadenas de oro unidas a ambas asas y un tapón de oro abovedado, todo unido a un bucle de suspensión dorado con terminales de cable trenzado. Mide 8.2cm de alto.

La palabra “amphoriskos”, en griego para “amphora pequeña”, se refiere a la forma de este objeto, una versión en miniatura de los recipientes de metal o cerámica de dos asas que contenían aceite o vino. En este caso el amphoriskos cumple la función de transportar ungüentos, aceites o perfumes, los cuales eran generalmente importados de tierras exóticas, hecho que encarecía el producto. Su pequeño diámetro hace que sea fácil de taponar con un trozo de corcho, esponja o a veces una tapadera.

Se encontraba en la colección Gawain McKinley, adquirido en 1996 antes de ser subastado por Christie’s en 2010.

FUENTES:

-Metropolitan Museum of Art. 2000. “One Hundred Thirtieth Annual Report of the Trustees for the Fiscal Year July 1, 1999 through June 30, 2000.” Annual Report of the Trustees of the Metropolitan Museum of Art, 130: p. 18.

https://www.artic.edu/artworks/67448/amphoriskos-container-for-oil

https://www.jbagot.art/obra/anforisco-2

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/256890?searchField=All&sortBy=Relevance&ft=pendant+amphora&offset=0&rpp=80&pos=1

https://www.christies.com/lot/lot-5358399

TANIA MARZUCA

  • Intaglio Romano “Eneas y su familia huyendo de Troya” talla del año 20 A.C.

La gema, una cornalina tallada,  captura el momento en que Eneas, hijo del príncipe troyano Anquises y la diosa Venus, escapa con su familia de Troya al final de la Guerra de Troya. Eneas sube los escalones hasta un barco que espera, con su padre sobre su brazo derecho y su hijo, Ascanio, sosteniendo su mano izquierda. Eneas lleva un corsé pero ninguna otra armadura; su padre viste túnica con un manto sobre la cabeza. Ascanio, que se muestra justo en el momento de salir de las puertas de la ciudad, usa un gorro frigio, un quitón y una capa mientras sostiene un pedum (un palo arrojadizo de cazador) sobre su hombro izquierdo. Anchises sostiene una caja cilíndrica con un patrón en X en el lateral. Detrás de ellos, los muros de Troya se levantan, y un soldado griego con cascos con cresta mira hacia ellos desde las almenas mientras sostiene una antorcha encendida en alto en su brazo derecho levantado, una lanza en posición vertical en el izquierdo. Tres troyanos los esperan en el barco, todos con gorros frigios: uno maneja el timón, otro el aparejo todavía enrollado del barco y el tercero levanta una trompeta u otro objeto en forma de cuerno. Sobre ellos, una sola estrella.

– 1965 Giorgio Sangiorgi, italiano, 1886-1965, por herencia a su hijo Sergio Sangiorgi, 1965.

1965-2015 Sergio Sangiorgi, por herencia a sus herederos, 2015.

2015-2019 Herederos de Sergio Sangiorgi [vendida, Christie’s, Nueva York, Piezas maestras en Miniatura: Antiguas Gemas Grabadas Anteriormente en la Colección G. Sangiorgi, 29 de abril de 2019, lote 30, al Museo J. Paul Getty.]

En la actualidad se encuentra en el Museo J. Paul Getty, Colección Villa, Malibu, California; Declaración de derechos: Sin derechos de autor – Estados Unidos

Los romanos fueron expertos en el tallado de gemas que montaban posteriormente en anillos, colgantes, pendientes, era común entre los soldados entregar a la familia una gema tallada con su rostro por si no volvían de la guerra para que se pudieran acordar de ellos.

Fuentes 

https://www.getty.edu/art/collection/objects/336770/unknown-maker-intaglio-with-scene-of-aeneas-and-his-family-escaping-from-troy-roman-about-20-bc/?dz=0.5000,0.5273,0.53

https://youtu.be/xgTpGASqrKY

https://youtu.be/rmQR-8yaLTw

https://mymodernmet.com/es/historia-camafeos/

https://www.instagram.com/lizworks/

JÚLIA ORTEGA CANALDA

  • Colgante Tintinnabutum Sasamón S. I D.C.

    El Tintinnabulum de Sasamón fue hallado en el primer tercio del s.XX en Segisamum, en el actual Sesamón, pueblo de la provincia de Burgos. Y pasó a la colección privada de Darío Chicote, de Valladolid, donde fue estudiada por Pérez Barradas, que fue el primero en publicarla entre 1933-1935. Posteriormente ésta colección fue vendida, y el falo de Sasamón pasó al Museo Arqueológico de Barcelona donde se conserva en la actualidad según J.M. Martínez Santa- Olalla. Se dice que existe una réplica en el Museo de Burgos, donde se encuentran otros objetos del tesoro de Sasamón.

 

En un principio a este tipo de figuras se les dio una procedencia Alejandrina, hoy no se les tiene por tal. De Hispania se conservan las halladas en Mérida y Sasamón en muy buen estado de conservación, y con bastantes similitudes a los ejemplares que se encontraron en Pompeya y Herculano.

 

Se trata de un amuleto un tanto peculiar; representa un falo múltiple, erecto, realizado en bronce, de 14cm. de longitud, terminado en los cuartos traseros de un perro, con un segundo falo entre las piernas y un tercero en el rabo. Cabe destacar la figura de una ménade desnuda que cabalga el falo de manera triunfante, coronándolo del laurel que espera a los vencedores. En su moño encontramos una anilla donde pasaba la cadena o cuerda de sujeción. En las patas encontramos dos perforaciones, con dos anillas pasadas de ellas cuelgan unas cadenitas con unas campanillas. Estas, de forma piramidal en sus orígenes, indicaban la esencia etérea de la divinidad y servían de hechizo contra los demonios. Parece que el sonido metálico era especialmente efectivo para ahuyentar embrujos y toda clase de efectos perniciosos sobre el animal que los portaba o la estancia de la que pendían. Estos amuletos solían estar en la entrada de una tienda o de una casa. Colgados del techo y junto a la puerta servían para alejar a los malos espíritus y atraer la buena suerte.

 

PAOLA DUQUE

  • Pectoral Quimbaya, período medio año 1 a 700 D.C.

Este gran pectoral con forma de hombre jaguar, fue encontrado en Carcalá, Quindio, Colombia, y actualmente se encuentra en el Museo del Oro del Colombia (Número O06029). Elaborado por un experimentado orfebre mediante la técnica de la fundición a la cera perdida en una tumbaga –aleación de oro y cobre– de color rojizo debido a su alto contenido de cobre. Los diseños calados en el cuerpo y el tocado de la figura fueron finamente recortados en la cera antes del vaciado.
La pieza muestra una imponente figura antropomozoomorfa con las extremidades desplegadas lateralmente, de estilo esquemático, que se destaca por su simetría, formas rectilíneas y equilibrio de las proporciones. Personifica probablemente un hombre-jaguar, según lo sugieren los calados en el cuerpo que parecieran simular las manchas de la piel, la boca prominente exhibiendo los dientes y la postura abierta del cuerpo como si estuviera echado sobre su vientre. El rostro, de aire humano, presenta dos bandas longitudinales de pintura facial que atraviesan los ojos.
La filiación cultural de este pectoral ha sido siempre problemática para los arqueólogos, pues en él se combinan tanto elementos de la orfebrería del estilo Tolima del valle medio del Magdalena como de la Quimbaya del periodo Temprano del Cauca Medio. La forma de la figura es claramente del primer estilo, mientras la tecnología de elaboración remite a la segunda. La pieza fue encontrada a comienzos del siglo XX, por buscadores de tesoros, en una tumba de un cementerio de élite en las montañas del Quindío sobre la Cordillera Central colombiana, en la región del Cauca medio.

La cultura Quimbaya comienza su historia en el 500 A.C y se prolonga hasta el 1600 D.C. Pasando por tres periodos diferenciados, el período temprano o clásico, medio y tardío a lo largo de los cuales desarrollaron una gran cantidad de piezas de orfebrería.
Fuentes:
* https://artsandculture.google.com/asset/pectoral-en-forma-de-hombre-jaguar-magdalena-medio-tolima-per%C3%ADodo-medio/IgEwXvGh2U882A?hl=es

https://enciclopedia.banrepcultural.org/index.php/Quimbaya

https://www.caracteristicas.co/cultura-quimbaya/ 

MELANIELANDOVA JOYAS

  • Pendientes Crótalos, romanos Siglo III – IV D.C.
  • Pendiente tipo Crotalia, hecho en oro, perlas, granates y vidrio.  Era utilizado por las mujeres de la antigua Roma.  Siglo III-IV D.C. Se encuentran en un excepcional estado de conservación.  Su estructura se divide en tres partes, que se confifura con un rosetón de trabajo calado, lobulado al exterior, con perla central y seis granates en posición radiada, con descubiertos del peltas en los huecos libres.  El segundo cuerpo es horizontal, de nuevo con estructura calada, del que penden cuatro cuerpos sujetos a una argolla soldada.  Se trata de sendas piezas simétricas, con engaste lonsange de granate y perla ensartada al final. 
  • Esta tipología de pendientes era bien conocida en Roma, denominados “crótalos”-crotalia- por el ruido que hacían los vástagos finales similar al que reproducia este instrumento musical.  Así dice Plinio en su Historia Natural al hablar de las perlas “Es un honor para las mujeres llevarlas en los dedos o bien por parejas o por tríos en las orejas ….ya que cuando las llevan así, les llaman crótalos, como si se regodearan incluso por el mismo entrechocar y sonar de las perlas” (Libro IX, 114).
  • La pareja de crótalos ingresaron en el Museo Romano de Mérida, España, en 2001, tras la compra por el Estado de la colección privada de Luis Quirós, conformada por interesantes piezas arqueológicas procedentes del solar emeritense.

Fuentes

https://www.amigosmuseoromano.es/pendientes-crotalos/

JESÚS VÁZQUEZ PAVÓN

 

  • Anillo Arquitectónico Merovingio. Mediados siglo VI D. C.

Anillo hallado en una excavación arqueológica en el norte de Francia. Perteneciente a la dinastía Merovingia. Fue una familia de estirpe germánica que gobernó la actual Francia, Bélgica, una parte de Alemania y de Suiza, desde mediados del siglo V hasta el año 751, cuando el último rey Merovingio Childerico III fue destituido por Pipino el Breve, de la dinastía carolingia.

Está realizado en oro y granate. La elección de esta piedra no es casualidad. El granate es la gema usada por excelencia en la dinastía Merovingia.

Este tipo de anillos arquitectónicos, tienen formas muy similares a los primeros baptisterios medievales. Con estas joyas las mujeres merovingias querían mostrar que se habían convertido al cristianismo. Buscaban imitar el lugar donde habían sido bautizadas. Aunque ninguno de ellos llevaba una inscripción o un motivo claramente cristiano como suelen ser las cruces, los peces o las aves, muchos autores consideran que sí tenían la función de subrayar la adhesión a esta religión.

Actualmente se encuentra expuesto en “The Metropolitan Museum of Art” de Nueva York.

Origen: Francia.
Fecha: Segunda mitad del siglo VI dC.
Material: Oro y granate.
Museo: The Metropolitan Museum of Art, New York.

Fuentes:
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/661705?searchField=All&sortBy=Relevance&what=Gold&ft=Architecture&offset=80&rpp=20&pos=86

Imagen: Richard Goodbody, Inc.

https://es.wikipedia.org/wiki/DinastADa_merovingia

http://www.laracasanovas.com/blog/de-los-anillos-de-boda-judios-a-los-monumentos-de-barcelona-y-madrid/

WILLIAM MENTADO

  • Fibula Merovingia siglo VI D.C

    Realizado en plata, cloisonné y filigrana con granates, amatistas y cristal de colores.  Los granates decoran los ojos del águila y los peces esmaltados con la técnica del cloisonné, que consiste en dividir la superficie con paredes de metal donde en cada hueco se posiciona el esmalte evitando que se toquen los colores.

    Los broches o figuras se hicieron populares entre las tropas romanas durante sus campañas, esta influencia la adoptaron muchos pueblos con los que se cruzaron como los Barbaros, cuyos metalúrgicos desarrollaron la técnica añadiendo gemas, complejas filigranas y esmaltes. En la parte superior vemos la cabeza de un águila, símbolo del imperio romano, fue adoptado por las connotaciones de estatus y poder.

    La función de las Fibulas era para atar y sujetar la ropa, estos objetos eran caros de fabricar y se creaban en exclusiva para sus dueños que eran enterrados con ellas.

    La dinastía merovingia fue una familia de estirpe germánica que gobernó la actual Francia, Bélgica, una parte de Alemania y de Suiza, desde mediados del siglo V hasta el año 751, cuando el último rey merovingio Childerico III fue destituido por Pipino el Breve, de la dinastía carolingia.

    Los merovingios eran descendientes de Meroveo, un jefe militar franco. Este era el fundador de la dinastía y también le dio su nombre.

    Se encuentra en el Musée des Antiquities Nationales, Saint-Germain-en-Laye

    Fuentes:

    https://www.Musée de Antiquities Nationales, Saint-Germain-en-laye
    https://www.metmuseum.org/search-results#!/search?q=merovingian%20looped%20fibulae

    https://musee-archeologienationale.fr/

    https://sites.google.com/site/adairarthistory/iii-early-europe-and-colonial-americas/53-merovingian-looped-fibulae

    Fibulae

    https://www.oxfordartonline.com/groveart/view/10.1093/gao/9781884446054.001.0001/oao-9781884446054-e-7000056961?mediaType=Image

    https://sdhc.instructure.com/courses/12974/pages/merovingian-looped-fibulae

    https://es.m.wikipedia.org/wiki/F%C3%ADbula

    https://es.m.wikipedia.org/wiki/Dinast%C3%ADa_merovingia

    https://es.m.wikipedia.org/wiki/Reino_de_los_francos_en_la_%C3%A9poca_merovingia

SOFÍA BETECH TAWIL

  • Brazalete Bizantino S.VI -VIII D.C.

Brazalete del Periodo Bizantino. – Elaborado entre el 500–700 DC
Realizado probablemente en Constantinopla
Los materiales del brazalete son Oro, plata, perla, amatista, zafiro, ópalo, vidrio, cuarzo,esmeralda
Dimensiones:
Total: 1 7/16 x 3 1/4 pulg. (3,7 x 8,2 cm)
Correa: 15/16 x 7 7/8 pulg. (2,4 x 20 cm)
Bisel: 1 5/16 pulg. (3,4 cm)
Se encuentra en el Museo Metropolitano de NY (cat. 17.190.1670).
Esta pulsera elaboradamente decorada tiene exteriores ricamente enjoyados y patrones opus interrasiles finamente detallados en sus interiores. La luminosa belleza de las perlas era muy apreciada en el mundo bizantino.
La Orfebrería Bizantina conservó las tradicionales técnicas y estilos romanos, y a partir de allí se implementaron nuevas técnicas, marcando una gran influencia en la Edad Media.

Fuentes:
www.metropolitanmuseum.org/art

LISI FRACCHIA

  • La Corona de Recesvinto, arte visigodo s.VII D.C.

La corona de Recesvinto es una obra de orfebrería visigoda del siglo VII mandada a realizar por el rey Recesvinto. Fue confeccionada por el taller de la Corte de Toledo y en su realización se empleó oro, granates, zafiros y perlas. Se emplea la técnica de granatesincrustados, que fue la preferida por los pueblos germánicos. Las letras de la corona están ejecutadas con alvéolos de oro donde se han incrustado granates tallados en el hueco. En la corona votiva de Recesvinto, estas letras colgantes dicen en latín lo siguiente: RECCESVINTVS REX OFFERET (El rey Recesvinto la ofreció). El estudio gemológico de Juan S. Cozar y Cristina Sapalski reveló que contiene 243 zafiros azules, cuyas características los hacen procedentes de la antigua Ceilán, hoy Sri Lanka, 3 cordieritasazules o iolitas, 14 esmeraldas, 1aguamarina, 2adulariaso piedras de luna, 21 cuarzos amatista, 9 cuarzos hialinos, 6 calcedonias azuladas, 169 perlas, 154 piezas de nácar, 56 vidrios artificiales verdes, 26 vidrios artificiales azules, 2 pardo-anaranjados, 26 de color indefinido, 1 rojo y muchas piezas diminutas de granate piropo-almandino. Dimensiones: 20,6 x 20,6 x 80cm.

Forma parte del llamado tesoro de Guarrazar descubierto en 1858 en la localidad de Guadamur, provincia de Toledo, España y se encuentra expuesta en el Museo Arqueológico Nacional (España)

Fuentes:

http://www.man.es/man/coleccion/catalogo-cronologico/edad-media/guarrazar.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Corona_de_Recesvinto

MARÍA BRINGAS

  • K’inich Janaab’ Pakal 615 – 683 D.C. (s.VII)
  • K’inich Janaab’ Pakal, dirigió la ciudad de Palenque, en Chiapas, entre 615 y 683 d.C. Máscara de mosaico elaborada en jade, concha y obsidiana. Formaba parte del ajuar funerario del gobernante de Palenque. Palenque fue junto con Tikal y Calakmul una de las ciudades más poderosas del Clásico Maya, sede de una de las dinastías más notables a la que pertenece Pakal, cuya tumba fue descubierta en 1952 por el arqueólogo Alberto Ruz L’Huillier
  • La máscara muestra rasgos de un personaje joven con deformación craneal e incisivos limados en forma de T o “ik” . Representa al dios Joven del Maíz, a quien se relaciona con los gobernantes como metáfora del sustento y bienestar para la comunidad, pero también como promesa de su renacimiento. La máscara está integrada por cerca de 340 teselas de jadeíta, mientras que los ojos son aplicaciones de concha y obsidiana.
  • Actualmente la pieza se encuentra en el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México.
  • La fotografía mostrada es propia realizada en el propio Museo.
    Fuentes
    https://www.inah.gob.mx/zonas/163-zona-arqueologica-palenque
    https://www.inah.gob.mx/foto-del-dia/6014-foto-del-dia-mascara-de-pakal 

www.inah.gob.mx 

 

LETICIA SALGADO

  • Tz’ Akbu Ajaw Pectoral de la Reina Roja de Palenque, S. VII D.C.

Tz’ Akbu Ajaw, La Reina Roja de Palenque

Conjunto funerario de la Reina Roja del Siglo VII sepultada en el templo XIII de Palenque fue Esposa de Pakal I. 

En 1994 se descubrió en un templo de la ciudad maya de Palenque el sepulcro de una princesa del siglo VII impregnado de cinabrio, es por ello que se le llamó la Reina Roja por el color de este material. Un arqueólogo observa el interior del monumental sarcófago que contenía los restos de la Reina Roja, sepultada en el templo XIII de Palenque. La Reina Roja fue enterrada con una diadema de jade, una máscara de malaquita, un cinturón con una máscara de jade, collares y pectoral, pulseras, tobilleras, perlas, agujas de hueso, navajitas de obsidiana y conchas. En el lujoso ajuar funerario de la Reina Roja destacaba su magnífica máscara funeraria. Esta pieza, que se halló completamente fragmentada compuesta por 119 fragmentos de malaquita, dos láminas de obsidiana hacían las veces de pupilas, y cuatro piezas de jade imitaban a los iris,  restaurada por Alfonso Cruz, cubrió el rostro de la soberana y estaba hecha de malaquita, tal vez procedente de la cueva Santa Fe, situada en los límites de los estados de Tabasco y Chiapas. En la tumba se halló otra máscara más pequeña, realizada con jade, que adornaba una especie de cetro o cinturón. La pequeña máscara de jade se componía de 106 fragmentos de este material y dos placas de obsidiana, concha marina de la cual surge una figurita humana, descubierta en el templo XIII de Palenque.

Las labores de restauración del k’ub o pectoral de la Reina Roja, partieron del registro fotográfico de los objetos que en 1994 aparecieron sobre el tórax del personaje: 172 cuentas de jadeíta, cuatro navajillas de obsidiana, cinco conchas de nácar, dos perlas y una aguja de hueso.

El arqueólogo Arnoldo González y el restaurador Constantino Armendáriz explican que por su cantidad, forma y tamaño, las cuentas debieron estar sujetas a un soporte de tela y se ubicaron solamente en la parte frontal del cuerpo, pues 90 por ciento de ellas aparecieron en la primera capa de deposición. El k’ub era una capa que cubría una superficie continua, las cuentas de mayores dimensiones se ubicaban a lo largo de las orillas delimitando entre siete y nueve hiladas.

Los objetos más importantes del mismo eran dos emblemas de la realeza: una pequeña concha esgrafiada y un rosetón con los rasgos sobresalientes de un mono araña. Juntos formaban un medallón con la representación del dios Sol que debería ir en la parte inferior del tórax y sujeto al pectoral.

Cada cuenta fue pesada y medida. Armendáriz trazó un dibujo de forma radial para ver si guardaban un patrón entre sí —la mayoría son de forma discoidal con una perforación al centro—, capa tras capa, descartando que tuvieran una doble faz. Para unirlas como lo estuvieron alguna vez sobre el pecho y los hombros de la Reina Roja, se utilizó un textil y adhesivos que no hacen reacción con los materiales líticos.

Al lado del templo XIII, donde se descubrió la tumba de la Reina Roja esta la cripta donde fue enterrado Pakal I, en uno de los principales edificios de Palenque.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Palenque en Chiapas, México.

Fuentes:

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/misteriosa-tumba-maya-reina-roja-palenque_11262/7

https://www.inah.gob.mx/boletines/2533-tumba-de-la-reina-roja-de-palenque

https://www.inah.gob.mx/boletines/6841-por-vez-primera-exhiben-integro-el-ajuar-funerario-de-la-reina-roja-de-palenque

 

HELENCA MARTÍNEZ

  • Broche de Tara 720 D.C. (s.VIII)
  • Broche de Tara es la denominación historiográfica de un broche de estilo hiberno-sajón datado en torno al año 720 DC y considerado como una de las más importantes piezas halladas de la cultura celta irlandesa. Tiene una longitud de 22 cm, pesa 224 gramos, realizado en plata dorada, cobre, oro, ámbar y cristal. Se encuentra expuesto de forma permanente en el Museo Nacional de Irlanda de Dublín.
  • El broche fue hallado por una campesina en agosto del año 1850 en la playa de Bettystown (cercana a la localidad de Laytown, Condado de Meath). Lo vendió a un anticuario que pasó a denominarlo “Broche de Tara”, debido a que a unos 29 kilómetros del lugar en donde fue hallado se asienta el importante sitio arqueológico llamado Colina de Tara, centro muy importante para numerosas culturas de la antigüedad en Irlanda.
  • El broche fue encargado casi con toda seguridad por un personaje de clase alta, con una función más ostentatoria que no la habitual de unir la ropa.
  • Bibliografía

https://es.wikipedia.org/wiki/Broche_de_Tara
https://www.museum.ie/en-ie/home

GIGI MIZRAHI

  • Joyas Rey Kan-Xul Panel Maya – Chiapas 722

La estela está hecha en bajo relieve y podemos ver al rey Kan-Xul, adornado con varias piezas de joyería muy interesantes como el tocado, los pendientes y el pectoral, que además de ser ornamentos, las usaba para aparentar ser un Dios y tomar de ellas la energía celestial para gobernar a su pueblo.

Panel o “estela maya”, que es parte de la colección del Museo Dumbarton Oaks en Washington DC., un Instituto de investigación de Harvard, creado por Robert y Mildred Bliss, coleccionistas de arte principalmente Bizantino y Maya. Se encontró en Palenque, Chiapas, México, y se calcula que es del Año 722, período clásico tardío.

La cultura Maya, fue una civilización muy avanzada culturalmente, que inventó un sistema complejo de escritura, desarrolló conocimiento propio en materia artística, arquitectónica, astronómica y ecológica y hasta se le atribuye la invención del cero. Fueron un conjunto de pueblos precolombinos, que gobernaron Mesoamérica (Sur de Mexico, Belice, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua y Costa Rica), por 18 siglos, desde el Preclásico 2000 a.C. hasta la conquista de América.  Sus símbolos son apasionantes y han sido una fuente de inspiración para muchos creadores fortaleciendo y manteniendo la identidad mexicana.

Fuentes:

https://images.app.goo.gl/nctJB3mVqUuoohRv5

https://pueblosoriginarios.com/biografias/palenque_13.html

Libro “The blood of kings, Dinasty and Ritual in Mayan Art” escrito por Linda Schele y Mary Ellen Miller, editado por George Braziller, Inc.,New York en asociación con el Kimbell Art Museum, Fort Worth

LILO PALMA

 

  • El Talisman de Carlo Magno – 800-814 D.C (S.IX)

El Talismán de Carlomagno
Año 800-814 D.C.
Perteneciente a la Joyería del imperio Carolingio
La Pieza está realizada en oro con 23 perlas, 8 esmeraldas, 8 Granates, 3 amatistas y 5 zafiros. Contiene un trocito de la Santa Espina. Fue encontrado en el cuerpo de Carlomagno en 1166, cuando exhumaron su cuerpo. Esta guardado desde 1919 en el Palacio de Tau, cerca de REIMS.

Fuentes:

https://es.wikipedia.org/wiki/Orfebrer%C3%ADa_carolingia

http://historiadelajoyeria.blogspot.com/2017/10/joyeria-del-imperio-carolingio.html

https://es.qaz.wiki/wiki/Talisman_of_Charlemagne

 

BELLA ATTIE SUTTON

  • Broche Otoniano S.X-XI D.C.

Broche Otoniano
Fecha: 970-1030 ac
Lugar: Probablemente del Norte de Italia
Descripción: Broche con la forma de estrella es decorado con formas arquitectónicas en miniatura hecho con oro fino, filigrana y granulación.
Además del oro tiene perlas, cristal y esmalte.

La dinastía sajona u otoniana fue una familia nobiliaria de Alemania (Germania) durante los siglos IX-XI, algunos de cuyos miembros fueron reyes de Alemania y emperadores. Son llamados otónidas por los tres emperadores llamados Otón, y “dinastía sajona” porque sus inicios empiezan en las tierras de Sajonia. También se denominan Liudolfinger, por su origen familiar, al ser descendientes del caudillo sajón Liudolfo.

El arte otoniano es un estilo en el arte prerrománico germano, que abarca también algunas obras de los Países Bajos, el norte de Italia y el este de Francia. Fue nombrado por el historiador de arte Hubert Janitschek por la dinastía otoniana que gobernó Alemania y el norte de Italia entre 919 y 1024, bajo los reyes Enrique I el Pajarero, Otón I, Otón II, Otón III y Enrique II.
Exhibido en el Metropolitan Museum of New York.
Accession Number: 17.191.7

Fuentes:

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/465119

https://es.wikipedia.org/wiki/Dinast%C3%ADa_sajona

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_otoniano

DORI FERNÁNDEZ NÚÑEZ

  • Reloj Anular – S. XI 

El reloj anular es un tipo de reloj de sol fundamentado en la medida del tiempo por la evolución de la altura del sol. Es conocido como reloj «anular» o benedictino y fue creado por un monje de esa orden en el siglo XI. A él se atribuye el primer reloj anular solar. Se trata de un reloj solar portátil por su reducido tamaño, tiene forma externa de anillo con una pequeña argolla que permite ser suspendido y orientarse directamente al sol. Este tipo de instrumentos se construye en metal. La escala horaria de este reloj se encuentra en el intradós del anillo que al orientarse al sol un pequeño orificio permite iluminar un diminuto punto luminoso sobre dicha escala, indicando la hora. Fue un instrumento muy popular en los siglos XVII y XVIII siendo elaborado por muchos constructores de instrumentos científicos. Según cuentan los joyeros actuales, en 1152 Leonor de Aquitania regaló un reloj anular al Rey Enrique II de Inglaterra, el anillo tenía incrustaciones de diamantes y llevaba la inscripción «carpe diem».
Se encuentra en el museo naval de Madrid y otros ejemplares en museos como el Royal Museum Greenwich o el British Museum.
Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Reloj_anular
http://www.noal.es/index244.htm
MANUAL para construir toda especie de RELOJES DE SOL D.J. DE ARFE. EDICIÓN FACSÍMIL Editorial MAXTOR

CARMELA MAELLAS

  • Astrolabio planisférico S. XIII

La palabra astrolabio procede etimológicamente del griego y puede traducirse como «buscador de estrellas»

Este astrolabio pertenece a la colección de los Medici, realizado en cobre dorado y plata, con un diametro de 98 mm. En la actualidad se encuentra en el Museo Galileo.

Es un antiguo instrumento que permite determinar la posición y altura de una estrella y así se deduce la hora y la latitud en la que te encuentras. El astrolabio sólo sirve para una latitud en concreto.

Los orígenes del astrolabio están envueltos en un misterio, se cree según escribió Hiparco en el siglo II a. C. y parece que el instrumento era ya conocido en el siglo I d. C.Se atribuye la invención del instrumento al renombrado astrónomo Ptolomeo (siglo II d.C.) quien, al montar en un burro y meditar sobre su globo celeste, dejó caer el globo. La bestia lo pisó y el resultado fue la esfera celeste en dos dimensiones.

Este pequeño astrolabio se compone de tres tímpanos: dos son para las latitudes 41 ° / 42 ° y 43 ° / 44 ° (correspondientes a las regiones entre Castilla y Provenza); el tercero no está graduado. Hay una rete y una alidade. La rete tiene veintidós tachuelas de plata que representan las estrellas fijas. La extremidad del cuerpo se divide en 360 °. En el punto de conexión que coincide a los 115 ° hay una grieta que se extiende a lo largo de la parte posterior. Los números y las palabras están grabados con caracteres góticos. Aunque no se sabe la fecha de creación del instrumento sugieren que data del siglo XIII.

Partes:
– Alidade ( La pequeña varilla giratoria )-
Espalda ( Lado del astrolabio planisférico opuesto al hueco de la madre, tímpano y rete. En su centro se articula la alidada , cuyo borde se desliza sobre un juego de escalas circulares graduadas grabadas en la materia.)
– Extremidad (Borde elevado de la materia del astrolabio, teniendo una escala dividida en 360 °. La extremidad es la referencia contra la que se gira la rete en el proceso de cálculo para que el astrolabio planisférico simule la apariencia del cielo en un día determinado a una hora específica. A la inversa, la extremidad se puede configurar a partir de la observación de la altitud de un cuerpo celeste en el horizonte. En ese caso, la extremidad indicará un ángulo que, gracias a la escala horaria del dorso, se puede convertir en la hora del día o de la noche.)
– Mater ( Cuerpo del astrolabio planisférico (o astrolabio universal ). Es una placa circular delgada, con un agujero en el centro. Tiene un borde más grueso, elevado y graduado, llamado extremidad . El hueco de la madre sostiene el tímpano y la rete giratoria. La parte superior de la madre lleva un anillo articulado, llamado trono . Al deslizar el pulgar en el anillo, se eleva el instrumento de modo que su peso y diseño simétrico lo mantenga perpendicular al suelo. En el dorso de la mater están grabadas varias escamas circulares, entre las que merecen mención las siguientes:
– Escala graduada. Dividido en 360 ° con una subdivisión en cuatro cuadrantes de 90 °. Indica la distancia cenital o la altitud del cuerpo celeste al que se dirige la alidada;
– Escala de calendario. Dividido en meses y días; a veces combinado con un calendario zodiacal correspondiente, subdividido en 12 signos de 30 ° cada uno. Determina la posición del Sol en la eclíptica en el día seleccionado;
– Escala horaria, dividida en veinticuatro horas iguales (o equinocciales).
En los astrolabios planisféricos utilizados para la agrimensura, la parte posterior del mater también lleva el cuadrado de sombra .)
– Rete ( La rete (del latín aràneam = telaraña) es la parte más característica del astrolabio planisférico )- tímpano ( Placa fina de latón insertada en la materia del astrolabio planisférico. Lleva la cuadrícula de coordenadas altazimutales mostradas en proyección estereográfica polar para la latitud de la localidad de observación específica.).
-Fondo: – Estrellas fijas – latitud

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Astrolabio
https://catalogue.museogalileo.it/object/PlaneAstrolabe_n04.html
https://www.omnia.ie/index.php?navigation_function=2&navigation_item=2Furn_imss_image_017824&repid=1
https://catalogue.museogalileo.it/gallery/PlaneAstrolabeInv1107.html

MARY ANNE UNDERWOOD

  • Pectoral de Yanhuitlan – 1200-1521 D.C. (S.XIII-XVI)

Parte del tesoro de la tumba #7 del centro ceremonial Monte Alban, Oaxaca MEXICO descubierto en 1932 por el arqueólogo Alfonso Caso.
Fundido en oro con la técnica de cera perdida. Con incrustaciones de teselas de turquesa. Mide 7.7cm de alto, 8.3cm de ancho y pesa 46 gr. Se le atribuye al pueblo viejo de Yanhuitlan, Oaxaca Posclasico tardío (1200-1521 d.C.)
Actualmente en el Museo Nacional de Antropología.
El pectoral muestra al centro la alternancia del oro y la turquesa para formar las grecas del colgante, que representa un escudo militar a escala menor, tenían un alto valor simbólico, el oro el divino desecho del sol y la piedra el cielo y el agua. Del escudo penden once cascabeles en su parte inferior, a los costados se distinguen cuatro flechas atravesadas señalando el carácter bélico de la pieza.
Esta pieza recibió una distinción especial al ser elegida por el presidente de Mexico Miguel Alemán Valdés en 1947 como regalo de bodas a la entonces princesa Isabel II de Inglaterra (una reproducción).
Y también fue una de las más de cien piezas del botín del robo del siglo al Museo Nacional de Antropología en 1985. Siendo recuperada cuatro años después sin daño alguno.
La fotografía es del libro MIXTECOS Nuu Dzahui Señores de la lluvia SHCP 2018 autores varios.
Libro publicado para la exhibición del mismo nombre que se presentó en la Galería de Palacio Nacional de México en 2018.
Fuentes:

https://lugares.inah.gob.mx/es/museos-inah/museo/museo-piezas/7456-7456-pectoral-de-yanhuitl%c3%a1n.html?lugar_id=471

https://www.lifeder.com/arte-mixteca/

https://www.mexicodesconocido.com.mx/las-5-piezas-mas-valiosas-del-museo-nacional-de-antropologia.html

https://www.laopinion.net/asi-fue-el-robo-al-museo-nacional-de-antropologia/

https://royal-magazin.de/turquoise-pectoral-badge-of-yanhuitlan-royal-wedding-gift-of-the-citizens-of-mexico-queen-elizabeth-ii/

CLAUDIA ROA

  • Pectoral de Ichcatiopan 1200 – 1519 D.C

Ichcatiopan, Guerrero, México

Estilo Mixteco o Azteca

Fabricado en Oro y Jade

Medidas generales: 8.0 x 7.2 cms.

Este inusual pectoral comprende una pieza de jade tallado en forma de sección transversal de una concha espiralada (caracol) , enmarcado por un delicado trabajo en oro con pequeños cascabeles colgantes. El símbolo de la caracola cortada y que representa la joya del viento usada como pectoral,  fue una joya usada por el Dios Quetzalcóatl (Serpiente emplumada), nombre náhuatl del dios de los vientos y la lluvia y el creador del mundo y la humanidad.

Esta joya pudo haber sido usada por un sacerdote o por algún personaje representante de Quetzalcóatl durante alguna ceremonia.

El pectoral pudo haber sido encontrado junto con un juego de ornamentos de oreja fabricados en obsidiana (1990.191)

Regalo de James C. Gruener en memoria de su esposa, Florence Crowell Gruener 1983.190

Conocidos por su exquisito trabajo manual, este pectoral es un raro ejemplo del trabajo de piezas en oro de la cultura Mixteca, destruidas en su mayoría durante la conquista española a México.

En la actualidad se encuentra expuesto en The Cleveland Museum of Art, Cleveland, OH

HISTORIAL DE EXPOSICIÓN

?-1966 (André Emmerich, Inc., New York, NY, 1966, sold to James C. and Florence C. Gruener)

1966-1983 James C. Gruener [1903-1990], Cleveland, OH, given to the Cleveland Museum of Art

1983- The Cleveland Museum of Art, Cleveland, OH

Fuente:  clevelandart.org

 

FRANCISCO SÁNCHEZ SAHAGÚN

 

  • Yacapapálotl o Nariguera mariposa, 1250 – 1521 D.C.

Realizada en oro laminado y repujado, pertenece al periodo postclásico tardío de la cultura azteca. 

Esta hermosa pieza fue encontrada a principios del siglo 20 enterrada frente al Templo Mayor de Tenochtitlan. Esta pieza fue hecha de oro laminado y trabajada utilizando la técnica de relieve para representar una decoración en forma de mariposa estilizada con las alas extendidas. Los agujeros probablemente se utilizaron para sujetar esta pieza a alguna imagen sagrada. Ha sido identificada como el “ornamento de la nariz de mariposa” (yacapapálotl), emblema de Xochiquétzal, joven diosa de las flores, sensualidad y patrona de los plateros, pintores, escultores y tejedores de plumas. La mariposa, por sí sola, tuvo diferentes significados simbólicos en el México prehispánico, entre los que destaca la representación de las almas de los guerreros caídos; por lo tanto, Xochiquétzal está relacionada con este concepto ya que fue la primera mujer que murió en la guerra.

Se encuentra en el Museo Nacional de Antropología de México.

Fuentes:

https://mna.inah.gob.mx/colecciones_detalle.php?id=2737&sala=6&pg=23

https://www.facebook.com/MuseoNacionaldeAntropologiaOficial/posts/2200646196636663/

Arqueóloga. Bertina Olmedo Vera

GABRIELA SÁNCHEZ Y ARTEMISA RAMÍREZ

 

  • Colgante “craneo descarnado” 1250 – 1521 D.C.

Periodo posclásico tardío (1250 al 1521 d.c.). Pertenece a la cultura Mexica, ornamento realizado en oro, a la cera perdida, oro laminado y oro repujado.
Fuentes:

Enlace Externo: Instituto Nacional de Antropología e Historia, digitalización de las colecciones Arqueológicas del Museo de Antropología. CONACULTA-CANON-MNA.
Fuente: Carlos H. Aguilar, Beatriz Barba, Román Piña. (1989). Orfebrería Prehispánica. Ciudad de México: Corporación Industrial Sanluis. 145.

http://www.mna.inah.gob.mx

https://mna.inah.gob.mx/colecciones_detalle.php?id=69344&sala=7&pg=18

https://mna.inah.gob.mx/detalle_huella.php?pl=La_Orfebreria_Mixteca

https://museoamparo.com/colecciones/pieza/631/collar-de-craneos

FLORA MARÍA SÁNCHEZ

  • Pectoral Juego de Pelota S. XIV

Pectoral formado por varias secciones fundidas y unidas entre sí por argollas de oro, une a su belleza y exquisito trabajo de orfebrería, el interés científico que poseen los jeroglíficos que contiene y es una muestra de cómo una concepcion abstracta, cosmogónica y religiosa de los antiguos mixtecos, se puede expresar plásticamente, con el bello lenguaje simbólico de esta pequeña obra maestra.
En la primera sección de este pectoral aparece representado un tlachtli o juego de pelota. En este juego de pelota hay dos dioses. Uno lleva en el tocado la venda de chalchihuites rematada con el pájaro estilizado, que es característica de los dioses solares y del fuego, mientras que el otro lleva una máscara bucal en forma de mandíbula descarnada. Ambos tienen en las manos pelotas de hule, y en medio de ellos se ve un cráneo humano. A ambos lados de las paredes del tlachtli, en el lugar en que generalmente se ven los anillos de piedra por los que se hacía pasar la pelota, encontramos dos cabezas de serpiente. A esta pieza debe interpretársele como la lucha entre el día y la noche, la vida y la muerte, desarrollándose en un cielo en movimiento, entre la deidad Tonacatecuhtli, creador, y Mictlantecuhtli, señor del inframundo y de los muertos.
La segunda sección está constituida por el disco solar rodeado de una corriente de sangre y con un cráneo en el centro. El cráneo y la sangre son el alimento de Tonatiuh, el sol.
La tercera sección está formada por un cuadrado dentro del que aparece un cuchillo de pedernal vivo, con ojos y mandíbulas paea beber la sangre y del que salen llamas. El cuchillo de pedernal es una representación de la luna.
En la cuarta sección del pectoral vemos una figura con la boca muy abierta que representa a Tlaltecuhtli “el señor de la tierra”, que aparece como una figura fantástica, con la boca armada de dientes y las manos y pies de garras.
Debajo de esta sección cuelgan cuatro rosetas terminadas en plumas, y unidas por medio de argollas a cascabeles esféricos que a su vez están unidos a cuatro largos cascabeles que rematan este bellísimo pectoral. El número cuatro es constante pata todo lo religioso en Mesoamérica y, en este caso, probablemente se refiere a los puntos cardinales donde se desarrolla este profundo drama.
Las representaciones que aparecen de arriba abajo, significan, en consecuencia, el cielo y las estrellas, el sol, la luna y la tierra, es decir el orden del universo.
Mide: 21.9 cm de largo x 5 cm de ancho
Pesa: 63.8 gr de oro
Cultura Mixteca. Período posclásico
Tesoro de Monte Albán
La célebre tumba 7 de Monte Albán s. XIV, descubierta por el arqueólogo Alfonso Caso el 9 de enero de 1932.
Museo de las Culturas de Oaxaca/Ex Convento de Santo Domingo de Guzmán

Fuentes:


https://arqueologiamexicana.mx/mexico-antiguo/el-tesoro-de-monte-alban-oro-pequenos-pectorales

https://mediateca.inah.gob.mx/repositorio/islandora/object/objetoprehispanico%3A1564

http://sic.gob.mx/ficha.php?table=museo&table_id=105

Ahuja O., G. (1989). Orfebrería prehispánica. Corporación Industrial Sanluis.

ILEANA ROJAS VALADES

  • Anillo “Águila” 1200 – 1521 D.C.

Anillo de oro que representa el águila que cae. dos cascabeles y del pico rematado con plumas con cinco cascabeles pendientes. Primoroso ejemplar del empleo de hilos y bolitas de cera para elaborar la decoración al hacer el modelo. Dentro de la cabeza y el cuerpo del águila todavía hay los pequeños núcleos secundarios.

Los anillos son las piezas que requieren de un mayor conocimiento orfebre debido a que se utilizan diferentes moldes en su manufactura. En esta pieza, el águila, evoca al Sol descendente que sostiene con su pico un escudo con los rumbos del Universo.

Cultura: Mixteca

Contexto: Tumba II, Zaachila, Oaxaca

Periodo: Posclásico Tardío (1200-1521 d. C.)

Alto: 5.8 cm

Ancho: 2.3 cm

Fuentes:

https://mna.inah.gob.mx/detalle_huella.php?pl=La_Orfebreria_Mixteca

 

MARIANA BARRANCO REYES

  • Pectoral de Monte Alban 1250 – 1521 D.C.

Esta espléndida pieza de oro 1250 – 1521 d.C fue encontrada en la antigua ciudad de Monte Albán, en la actual Oaxaca, México, y sería la representación de un alto dignatario mixteco que realizó una reforma calendárica

Según los investigadores, el pectoral podría representar al Señor Lagarto. Se sabe que este personaje realizó una reforma calendárica con la que guarda relación esta joya, también conocida con el nombre de Pectoral de los Años. En los hombros hay dos cuadrados con símbolos que corresponden a dos calendarios distintos.

El tesoro de la Tumba 7 fue descubierto por el arqueólogo Alfonso Caso, en 1932, y han sido restaurados en tres oportunidades: en su hallazgo hace casi 90 años, en 1994 y actualmente, en un estudio que «engloba el estudio, registro, restauración y conservación preventiva del acervo», dice el INAH.

Estos tesoros actualmente están expuestos en la sala III, conocida como Tumba 7, del Museo de las Culturas de Oaxaca.

Fuentes:

FOTO: Oliver Santana / Raíces

Jansen, Maarten, “El oro en la Tumba 7 de Monte Albán. Contexto y significado”, Arqueología Mexicana núm. 144, pp. 51-57. https://arqueologiamexicana.mx/mexico-antiguo/comunicacion-con-los-muertos-en-la-tumba-7-de-monte-alban-oaxaca

Isabel Bueno “Pectoral del Monte Alban” , 24 de diciembre de 2018 , Revista National Geographic https://historia.nationalgeographic.com.es/a/pectoral-monte-alban_13635

https://www.mexicodesconocido.com.mx/el-descubrimiento-de-la-tumba-7-en-monte-alban.html

https://www.nialoko.org/museumofoaxaca/sala-iii-tesoro-la-tumba-7-monte-alban-1250-1521-d-c/

https://cnnespanol.cnn.com/2019/09/13/monte-alban-tumba-7-oaxaca-mexico-asi-conservan-tesoros-oro-jade-piedras-preciosas/

SAMUEL BURSTEIN

  • Anillo de Boda Judío, Tesoro de Colmar S.XIV

Anillo ceremonial judío realizado en oro y esmalte con la inscripción “Mazel Tov” que significa Buena Suerte en hebreo.

Fueron los judíos en sus ceremonias matrimoniales los primeros en utilizar estos anillos arquitectónicos que representaban el templo de Salomon, que además podían incluir mensajes o incluso miniaturas de la Torá.  Este tipo de anillos fueron adoptados después por los Merovingios, incluyendo por tanto dentro de la tradición cristiana el uso de estos anillos arquitectónicos para representar el lugar donde se tomaba bautismo o la boda.  En el caso de los merovingios si incluyeron gemas en estos anillos siendo sobre todo granates ya que habían elegido a esta gema como representante de su reinado.

Este tipo de piezas ceremoniales se transmitían de generación en generación.  Se usaban solo en la ceremonia para luego utilizar otro tipo de anillos más sencillos en la vida diaria.  

De los más antiguos que se tiene constancia son los encontrados en el llamado Tesoro de Colmar (Francia), al que pertenece este anillo,  y en el Tesoro de Erfurt (Alemania) que se encontraron con monedas acuñadas pertenecientes a la época donde en Europa asolaba la epidemia de peste negra que se inició en Sicilia en 1347.  Se acusó a los judíos de provocar esta peste obligándolos a huir de sus casas, en esta huida enterraron sus objetos de valor pensando que pronto volverían, sin embargo no fué así, permaneciendo en este caso oculto más de 500 años en una casa de Colmar hasta que en 1867 en una renovación de la vivienda el propietario descubre entonces el ahora conocido como Tesoro de Colmar.  El Museo de Cluny de Paris estuvo encargado del Tesoro hasta la segunda Guerra Mundial luego se cedieron hasta enero del 2020 al MET de Nueva York donde se presentó la colección en un espacio “The Cloister”  dedicado a la Edad Media donde se han concentrado piezas de gran interés de este periodo histórico.

Fuentes: 

https://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2019/colmar-treasure-medieval-jewish-legacy

https://store.metmuseum.org/the-colmar-treasure-a-medieval-jewish-legacy-80050656?utm_source=mainmuseum&utm_medium=metmuseum.org&utm_campaign=colmartreasure-80050656

https://diariojudio.com/ticker/un-tesoro-judio-que-permanecio-escondido-cinco-siglos-llega-al-met-de-nueva-york/304007/

https://www.rtve.es/noticias/20190723/tesoro-judio-permanecio-escondido-cinco-siglos-llega-met-nueva-york/1975962.shtml

ALVARO LARROSA FUREST

  • Brazalete del Tesoro de Bentarique 1492 D.C. (S.XV)

Brazalete perteneciente al Tesoro de Bentarique (Almería),  compuesto en total por dos ajorcas ó brazaletes repujados,  Las ajorcas o brazaletes, de gran volumen, no son de oro macizo: están formadas por dos láminas que envuelven un núcleo de pasta ligera. A finales del siglo XIX, en 1896,  fue encontrado este tesoro de procedencia nazarita en un campo de cultivo de Bentarique, muy cerca de Laujar de Andarax dentro de una vasija de barro,  a dónde fue a parar la corte de Boabdil tras la entrega de Granada, se considera la clásica, se trata de una clásica ocultación de bienes en la huida de Granada ante la inminente llegada del ejercito cristiano en 1492. Su posterior propietaria lo vendió al Estado en 1922 por 35.000 pesetas. Se puede ver en el Museo Arqueológico de Madrid.
Este tipo de joyas de gran valor eran utilizadas para las pedidas de mano entre princesas o mujeres de la nobleza del último reino de Granada.  Para su fabricación, el anónimo orfebre utilizó el procedimiento que se empleaba para acuñar moneda. Está formado por dos finísimas láminas de oro; la pestaña de la interior se halla rebatida y sin indicios de soldadura sobre la exterior, la única adornada. Los dos revisten la pasta resinosa o mastic, que va en medio y es de cal o almizteca, según sabemos por las Ordenanzas de Orfebrería de Granada de 1538. Sobre ella fue moldeado el brazalete para conferirle la forma circular y de convexidad pronunciada. En la decoración, repujada, alternan una especie de medallones y nudos de ocho lazos entre vástagos enroscados y curvas, con hojas tangentes en los ápices.

A los lados se disponen varias líneas paralelas e incisas de distinta anchura, las interiores con curvas de puntos. 

Fuentes:
http://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?Museo=MAN&txtSimpleSearch=Bentarique&simpleSearch=0&hipertextSearch=1&search=simple&MuseumsSearch=MAN%7C&MuseumsRolSearch=9&listaMuseos=%5BMuseo%20Arqueol%F3gico%20Nacional%5D

http://www.adurcal.com/enlaces/mancomunidad/guia/lecrin/mondujar/paseo/tesoro/bentarique.htm

http://legadonazari.blogspot.com/2019/08/museo-arqueologico-nacional-madrid-el.html

CAROLINA CASTELÁN ARELLANO

  • Penacho de Moctezuma, S. XVI

Data del siglo XVI y fue hecho por los habilidosos artesanos amantecas mexicas que se dedicaban a confeccionar espléndidos ornamentos y atavíos con plumas preciosas. Pieza capital del arte plumaria se encuentra actualmente en el Museo etnográfico de Viena, Austria, donde ha sido cuidadosamente restaurado y conservado. El llamado Penacho de Moctezuma, en recientes investigaciones se le ha señalado como el tocado del Dios Quetzalcóatl a partir de representaciones en el códice Magliabecchi. Tiene una altura de 116 cm y un diámetro de 175 cm. La base del penacho está constituida por plumas azules de “xiuhtototl” (cotinga), ornamentadas con tejuelos de oro en dos hiladas dispuestas en media luna y encima de éstos otros veinte en forma de torrecillas. Inmediatamente después viene una franja de plumas de cuclillo marrón todas estas enmarcadas con tejuelos de oro. Finalmente, el penacho ostenta una hilada de plumas verdes de quetzal de las cuales las más largas miden 55 cm. 

Fuentes:

El Arte Plumaria en México, Cándida Fernández de Calderón, Alberto Sarmiento, Fomento Cultural Banamex, 1993

https://es.wikipedia.org/wiki/Penacho_de_Moctezuma

https://www.bbc.com/mundo/noticias-54534222

https://www.milenio.com/cultura/penacho-de-moctezuma-historia-datos-y-linea-del-tiempo

ASUN TORRAS

  • Colgante Miniatura pintado, S. XVI  

“Hombre desconocido sobre un fondo en llamas”

Obra de Nicholas Hilliard

1588, Victoria and Albert Museum, Londres 

Obra del Orfebre y retratista inglés Nicholas Hilliard, conocido sobre todo por sus retratos en miniatura.

Cómo miniatura nos referimos a un retrato pequeño, transportable. Ocuparon un lugar fundamental en la sociedad tanto por ostentación y expresión de riqueza y lujo y también como símbolo de cercanía

Los retratos en miniatura se desarrollaron a partir de las técnicas de las miniaturas en manuscritos iluminados y fueron populares entre las elites del siglo XVI, principalmente en Inglaterra y Francia.

Estos retratos a veces estaban lujosamente enmarcados dentro de medallones y colgantes, con frecuencia en un medallón ovalado

Estos delicados retratos se realizaban a la témpera con finísimos pinceles, en pergamino encolado. También se usaban diversas técnicas pictóricas como óleo sobre cobre, estaño, esmalte o marfil, aguadas sobre pergamino.

 

Fuentes

 

Sobre miniaturas  

https://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_en_miniatura#Per%C3%ADodo_temprano

Nicholas Hilliard : 

https://es.wikipedia.org/wiki/Nicholas_Hilliar

https://ensondeluz.com/2016/12/25/miniaturas-de-los-siglos-xvi-y-xvii-en-inglaterra-fisionomias-xxvi/

 

 

BÁRBARA TUTIFRUTI

  • Dije en forma de mano S.XVII

“Dije en forma de una mano” – Creada durante la primera mitad del siglo XVII, probablemente de origen español. Se trata de cuarzo hialino tallado en forma de puño cerrado con oro esmaltado y esmeraldas. Esta pieza formó parte de la colección de “Jack and Belle Linksy (1982)”.

Esta pieza se estima haber sido creada en la península Ibérica entre 1600 y 1800, periodo que marca un giro significativo en la marea de fortunas para la Península Ibérica. La derrota inglesa de la Armada Española en 1588 es el primero de varios golpes debilitantes a la autoridad española sufridos por el país en la guerra en la que abunda en este periodo. Sin embargo, la vida artística de España florece, y los siglos XVII y XVIII producen los mayores maestros de la escuela española.

Fotografía y texto de:

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/207270.

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/207270?searchField=All&sortBy=Relevance&ft=spanish+pendant+in+quartz+gold+and+emanel&offset=0&rpp=20&pos=9

https://elblogdelcoleccionistaeclectico.com/2015/11/16/higa-un-dije-cargado-de-magia-y-simbolismo/

Esta pieza actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Nueva York, EUA.

JUAN PACHECO

  • Corona Imperial, Dinastia Ming 1600 D.C. (S.XVII)

La corona tejida en hilo de oro muestra dos dragones formados con alambre de oro dorado que se oponen entre sí y se enfrentan a una perla llameante del conocimiento. La perla consiste en una cuenta de vidrio fundido de color verde esmeralda que emula al jade. También hay dos alas que consisten en una malla de alambre de oro dorado unida a la parte posterior de la corona.
La época histórica a la que pertenece es la
dinastía Ming, penúltima dinastía de China, que gobernó entre los años 1368 y 1644, tras la caída de la dinastía mongol Yuan.
El año de realización de la corona dorada del Emperador Wanli está datada en el 1600 D.C. Fabricada por maestros orfebres chinos se localiza en 1960 en el Mausoleo Dingling del Emperador Wanli cerca de Beijing, proviene del ataúd del emperador Wanli.
Realizado en Alambre de malla de oro dorado, sus medidas son Alto: 16,5 pulgadas (41,74 cm)
Ancho: 8 pulgadas (20,24 cm)
En la actualidad la Corona del emperador Wanli, se ecuentra en el Museo Dingling está ubicado en el condado de Changping, al pie de las montañas Yanshan, en las afueras de Beijing.

Fuentes:

<http://www.mingtombs.com/jqyl/dl/ >
visita virtual del museo: < http://www.mingtombs.com/sslx/3g/changl/ >
Fuente de la fotografía:
<https://bernsteinjadeart.com/works-of-art/imperial-gilt-gold-mesh-crown-of-the-ming-dynasty > 
Garrett, Valery M. (1994) Chinese Clothing: An Illustrated Guide. Published by Oxford University Press, New York

FABRIZIO RIVA

  • Corona Lombarda  (S.XVII)

La Corona Lombarda es un accesorio femenino utilizado en la historia italiana para adornar la cabeza. Su característica forma de abanico conformaba una aureola sobre la joven que la llevaba, similar a la de las Vírgenes.
Es un accesorio muy utilizado en Lombardía, Italia que sigue formando parte del traje regional de las zonas de Lecco, Varese y Brianza. Durante mucho tiempo sólo se conoció en Italia como peinado popular y de ahí viene su nombre oficial de “guazza”, que en el dialecto original significaba “entramado”.
Este tipo de corona corona entró en uso común alrededor del siglo XVII, permaneciendo hasta principios del siglo XX.
La versión del siglo XVII es la más famosa, gracias a Alessandro Manzoni, que la inmortalizó en una prosa de su obra literaria “Los Novios”.
La corona Lombarda tiene configuración muy especial. Está compuesta por muchas horquillas de longitud variable entre 10 y 20 cm, dispuestas en abanico o semicírculo. Además de estas horquillas, las mujeres llevaban hasta seis horquillas decoradas en la parte inferior del peinado, que se obtenían vaciando plata u otro metal fundido en moldes de hueso de sepia, notoriamente resistente al calor. Estas se decoraban de forma refinada se y diferenciaban de las otras, que tenían forma plana o de cuchara. 

Fuentes:
http://www.museocuggiono.it/

SOFIA NOUSAIRI BUCAY

  • Colgante con pelo de María Antonieta de Francia y Navarra 1755 – 1793 D.C. (S.XVIII)

MEDALLON COLGANTE DE MARIA ANTONIETA, REINA DE FRANCIA Y NAVARRA
Finales del siglo XVIII- principios del XIX
Pertenece a la época de la Revolución Francesa.
Actualmente se encuentra en The British Museum , Londres.

DESCRIPCION:

Medallón colgante en forma de corazón con un mechón de pelo ( de Maria Antonieta), engastado bajo vidrio o cristal de roca con una tarjeta inscrita y montado en un engaste de filigrana de oro. Un pequeño candado dorado está suspendido de la base con una llave en una cadena unida al lazo de suspensión, a menudo representaban pequeñas joyas sentimentales que funcionaban como relicarios. María Antonieta vivió entre 1755 y 1793 cuando murió decapitada.  Ella misma le dió un mechón de pelo a Lady Abercorn, está a su vez se lo dió a su hermana Lady  Julia Lockwood y se lo pasa a su hija Lady Napier quien encarga hacer la joya y se lo da a W.S. en 1853  esto es el mensaje que pone en el colgante.

 

Fuente:

https://www.britishmuseum.org/collection/object/H_1978-1002-1202

PILAR CANO ROMERO

  • Broche “Lover´s Eye” S. XVIII – XIX D.C.

Broche de forma ovalada con pintura de un ojo en miniatura y diamantes, enmarcado con 20 perlas.
Autor: Anónimo.
Fecha: Principios del s. XIX.1790-1820.
Lugar de origen: Inglaterra.

Colección del Museo Victoria and Albert, Londres.

En 1784, el Príncipe de Gales se enamoró perdidamente de Maria Fitzherbert, pero la corte real no aprobó su unión. Cuando el futuro Rey Jorge IV le pidió su mano en matrimonio, María lo rechazó.
Ella solo aceptó después de su segunda propuesta donde, en lugar de un anillo, el Príncipe le regaló un broche en el que aparecía una pintura en miniatura de su ojo.

Poco después de su matrimonio, María correspondió al presente con otra pieza, el retrato de su propio ojo.
Esta prueba de amor que el príncipe solía esconder bajo su solapa inspiró a la nobleza inglesa de finales del siglo XVIII y principios del XIX.
Las parejas intercambiaban discretas acuarelas pintadas sobre marfil que mostraban solo un ojo para ocultar la identidad y preservar el decoro del amante. La mayoría eran pequeños broches.

Las miniaturas de ojos fueron una anomalía curiosa pero breve en la pintura en miniatura que se puso de moda en toda Europa a finales del siglo XVIII. Eran una manifestación extremadamente intensa de un arte ya cargado de emociones, un intento de capturar “la ventana del alma”.
No solo se regalaban entre amantes, también se ofrecían como prenda de amistad o entre madre e hija.

También formaron parte de la joyería de luto, siendo considerados un objeto para recordar al difunto.
La simbología de las perlas y los diamantes tan enlazada a las lágrimas hizo que estos retratos se adornaran comúnmente con ellos.

Fuentes:

https://vein.es/la-cautivadora-moda-de-los-ojos-de-amante/

https://www.vam.ac.uk/

RAQUEL DE QUEIROZ

  • Pendientes de María Leopoldina de Austria 1797 D.C. (S.XVIII)

La primera emperatriz de Brasil murió a los 30 años, (Viena, 22 de enero de 1797 – Río de Janeiro, 11 de diciembre de 1826), fue una archiduquesa de Austria, regente del Reino de Brasil, primera emperatriz consorte de Brasil y durante poco más de dos meses en 1826, reina de Portugal. Ella era austriaca y en su educación estudió minerales, cuando exhumaron su cuerpo en 2012 solo encontraron aretes en oro y resina.
Los pendientes los trajo la emperatriz de Austria porque son hechos de oro y una resina como un tipo de ámbar, y en Brasil no existe ámbar, detrás de los pendientes tiene la letra L. (Leopoldina).

La colección estaba en el Museo Nacional de la ciudad de Río de Janeiro, que lamentablemente se incendió.

En mi investigación encontré material periodístico que habían realizado la exhumación por obra maestra de la arqueóloga y historiadora Valdirene do Carmo Ambiel, una exhumación con la autorización de descendientes de la familia real brasileña.
En esta exhumación, además de la primera emperatriz María Leopoldina, también actuaron Don Pedro I (en Brasil) Don Pedro IV (en Portugal), y la segunda emperatriz Amélia de Leuchtenberg.

Sin embargo, fue algo sorprendente que la emperatriz María Leopoldina fuera enterrada solo con estos aretes, por lo que se cree eran sus favoritos.

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Leopoldina_de_Austria
https://cosasdehistoriayarte.blogspot.com/2019/10/maria-leopoldina-de-austria-primera.html

LOLA RAMOS

 

  • Collar de María Antonieta S.XVIII

María Antonieta era una amante de las perlas con las que era retratada en muchos de sus cuadros. sus joyas fueron custodiadas por su familia cuando fue condenada a prisión y luego a la guillotina. Algunas de estas piezas como este collar de tres hilos que perteneció a ella fue subastado en Ginebra en el año 2018 por Sothebys junto con otras hermosas piezas de ella. Arrancó la subasta con un precio de salida de 1.6-2.9 millones francos suizos y cerrando con 43.1 millones de francos suizos. Entre las estrellas de esa noche de subasta estuvo este collar de perlas de tres hilos con un broche de diamantes subastado en $2,278,499 de dólares. Sus nuevos dueños fueron la familia Bourbon Parma.

Fuentes:

https://www.losandes.com.ar/subastaran-perlas-de-maria-antonieta-que-han-estado-guardadas-durante-200-anos/

https://www.sothebys.com/en/articles/marie-antoinettes-pearls-break-auction-records-in-geneva

https://www.nytimes.com/2016/02/12/arts/design/review-vigee-le-brun-metropolitan-museum.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Louise_Elisabeth_Vig%C3%A9e-Lebrun_-_Marie-Antoinette_dit_%C2%AB_%C3%A0_la_Rose_%C2%BB_-_Google_Art_Project.jpg

https://www.alamy.com/marie-antoinette-with-the-rose-1783-oil-on-canvas-130-x-87-cm-author-louise-lisabeth-vige-le-brun-1755-1842-location-museo-palacio-versailles-france-also-known-as-retrato-de-maria-antonieta-de-austria-1755-1793-reina-de-francia-con-una-rosa-image209358723.html

https://en.chateauversailles.fr/discover/collections

ANA CRISTINA FERNÁNDEZ PRIEGO

  • Diadema Pa´e kaha S.XIX

Diadema (pa’e kaha) hecha con tejido plano (fibra de palma de coco), caparazón de tortuga y concha de almeja. Alternando las placas de concha de tortuga con las de almeja y atados la diadema del tejido de fibras. Cada placa rectangular en forma, y curvas en una sola dirección y talladas en alto relieve sobre la superficie cóncava. 

Accesorio para ornamentar la cabeza de las Islas Marquesas en la Polinesia Francesa.  Con las placas de conchas inclinadas hacia abajo sobre la frente. Las siete placas de conchas muestran una figura central en bajo relieve flanqueados por dos figuras de perfil mas pequeñas. Algunos otros ejemplos tienen numerosas pequeños discos de concha nácar sobre la banda tejida de fibras naturales.

Comprado por: Paul Isaac Nordmann en 1934

Exhibicion: Museo Metropolitano de Nueva York

Historial de Exhibiciones:

2006 21 de Mayo- 13 de Agosto, Norwich, Sainsbury Centre for Visual Arts, Pacific  Encounters.

2006-2007 28 de septiembre al 7 de enero, Londres, BM, Power and Taboo

2008 16 de junio al 14 de septiembre, Paris, Musée du quai Branly, Pacific Encounters

2011 24 de septiembre al 31 de diciembre, Dinamarca, Copenague, Ny Carlsberg Glyptotek, Gauguin and Polynesia: South Pacific Encounters

2012 9 de febrero al 29 de abril USA.

Fuentes

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/313672

https://www.britishmuseum.org/collection/object/E_Oc1934-3

 

ÁNGELES LOAIZA RODRÍGUEZ

  • Botón de Perno S.XIX

Boton de Perno, elaborado en Noruega, Gudbrandsdal entre 1800-1870 
Exhibido en el Victoria & Albert Museum de Londres, Sala de exhibicion 91-93 mezzanine. Galeria de William y Judith Bollinger
El broche era la pieza mas importante de joyería en la vestimenta tradicional de Noruega. Hay mas de 50 nombres para los broches en Noruega. Botones y anillos complementaban los broches.
Hombres y mujeres en todo Noruega utilizaban un botón en el cuello, llamados halsknapper, para mantener el cuello de sus camisas cerrado y muchas veces era decorado con largos y elegantes pendientes.
Categoria: Joyeria/ 
Material: Filigrana de plata
Dimensiones: ancho 5.0 cm, largo 14.9cm, espesor 2.4 cm
Numero de acceso: 656-1872


Fuentes:

https://www.vam.ac.uk/collections/jewellery

OSCAR FIGUEROA ESCORCIA

 

  • Anillo de Luto de la Reina Victoria S.XIX

La reina Victoria perdió al amor de su vida, el príncipe Alberto, a causa de la fiebre tifoidea después de 21 años de felicidad conyugal. Esta trágica pérdida sumió a su majestad en un profundo estado de duelo por el resto de su vida, casi cuarenta años. Para saciar su corazón roto, la reina Victoria usó prendas negras, joyas negras y accesorios para el cabello negros. Como ejemplo del luto y por el resto de su vida, el anillo que uso en honor a su amado. A lo largo del costado del anillo, las iniciales de ambos ‘V’ y ‘A’ unidas en esmalte blanco. “Anillo fotográfico de duelo de Victoria para Albert, 1861” Arte del duelo.
Las joyas de luto trajeron consuelo a los sobrevivientes que tuvieron que hacer frente a pérdidas frecuentes. Al final, tal vez las joyas de duelo puedan considerarse más una expresión de amor que de dolor. Su propósito era mantener al amado fallecido cerca del corazón. Y ese es un sentimiento que trasciende la cultura y el tiempo.
Los amantes del Siglo XIX ven en ella un referente a casi todos los niveles. La reina Victoria va a dar nombre a toda esa maravillosa época, la victoriana. Donde el estilismo, las joyas y el luto se van a dar la mano en una combinación extraordinaria. Además de todos los acontecimientos políticos e históricos que marcan su trayectoria, es innegable su influencia en la moda y en la joyería. También en la del luto. La reina se queda viuda en el año de 1861 y a partir de ese momento va a vestir de luto riguroso hasta el día de su muerte. . La tradición de crear joyería para el duelo nació en el siglo XVII, pero la verdadera popularización fue durante el reinado de Victoria. Ella puso esta joyería en moda después de la muerte de su querido esposo, el príncipe Alberto. En ese momento se consideraban verdaderas obras de arte. La joyería victoriana de luto cumplía tres propósitos:
– Memoria del ser querido
– Un recuerdo de la muerte y fragilidad de los seres vivos
– Símbolo del estatus social
Es digno de mención que Victoria llevaba un anillo de luto en memoria de su amado hasta su muerte. Este anillo con su retrato y las iniciales de ambos.
También usó un brazalete de chams hasta su muerte en 1901, y fué parte de un grupo de joyas que fue colocada el la “habitación de Albert” en el Castillo Windsor. El Principe Albert falleció en esa habitación y la Reina dejó instrucciones de una lista de joyería personal específica que debia permanecer ahi y no ser heredada a la familia. Por lo que ahí es donde se localizan actualmente.
Fuentes:
Graff, Michelle. “The History Behind … Victorian luto jewelry” National Jeweler , 3 de noviembre de 2014, http://www.nationaljeweler.com/independents/2058-the-history-behind-victorian-mourning-jewelry .
Picard, Liza. Biblioteca británica “Health and Hygiene in the 19th Century” , 14 de octubre de 2009, https://www.bl.uk/victorian-britain/articles/health-and-hygiene-in-the-19th-century
Steele, Meredith. “Victorian Mourning Jewelry: Morbid, Macabre, and Magnificent” Interwave, 31 de octubre de 2018, https://www.interweave.com/article/beading/victorian-mourning-jewelry-morbid-macabre-and-magnificent/
“Joyería antigua: joyería de luto de la época victoriana” GIA. https://4cs.gia.edu/en-us/blog/antique-victorian-era-mourning-jewelry/
“Anillo fotográfico de duelo de Victoria para Albert, 1861” Arte del duelo. https://artofmourning.com/2015/03/02/victorias-photographic-mourning-ring-for-albert-1861/?doing_wp_cron=1564494993.1637020111083984375000
Victorian jewelry: era of eternal mourning, rebirth of the past and nature worship
https://artofmourning.com/2015/03/02/victorias-photographic-mourning-ring-for-albert-1861

PAULA GUZMÁN

 

  • Chatelaine 1860 S.XIX

Se llamaba así a un broche usado por hombres y mujeres generalmente atado a la correa o en el bolsillo del que colgaban unos ganchos para poner pequeños objetos como relojes, llaves, sellos, tablas de escritura, tijeras, dedales, alfileteros, cinta métrica, veneno, perfume, gafas y bolsas. 
La palabra chatelaine (castellana) deriva de la palabra que significa “señora del castillo” ya que por lo general era la persona encargada de las llaves.
Durante el siglo XVIII fueron especialmente populares, los mejores ejemplares eran fabricados en oro.
Fueron populares desde el medioevo hasta principios del siglo XX
La practica de llevar artículos necesarios en la cintura, existió en diferentes culturas. Por ejemplo los japoneses usaban el Netsuke en el cinturón (cajas para llevar pequeños artículos).
Había dos tipos de Chatelaine. La mayoría lucia como un medallón al extremo, en el que se encontraba un gancho de metal pegado al cinturón. También había un chatelaine al estilo americano: un broche alargado 9con un pin en la parte trasera.
En la era victoriana los vestidos no tenían bolsillos, y las bolsas grandes no eran comunes en ese entonces. Las mujeres solo usaban bolsas pequeñas, en consecuencia el Chatelaine se volvió un accesorio indispensable para cualquier mujer. 
Este es un Chatelaine (La Señora del Castillo). Está fechado cerca de 1860 y fue adquirido por el museo Cooper Hewitt en 1993. Está realizado en plata, baño de oro, marfil, esmalte, vidrio. Es parte del departamento de Diseño de Producto y Artes Decorativas. Este objeto fue donado por la Sra. Owen E. Robison y la Sra. John B. Hendry. 

Fuentes: 
https://cenefasdeflores.com/2010/01/24/que-es-una-chatelaine/
https://nammu.com/esp/moda-chatelaine/
https://en.wikipedia.org/wiki/Chatelaine
https://www.collinsdictionary.com/es/diccionario/ingles/chatelaine

LUZ RIVAS

  • Broche “Copo de Nieve” Art Nouveau de Fabergé S.XIX

Broche Art Nouveau en forma circular con estrellas simulando copos de nieve con un rubí cabuchón al centro, rodeado de diamantes rose-cut, montado en platino.

Fue creado durante la Belle Époque por la firma rusa Fabergé. Su fundador, Peter Carl Fabergé fue abriéndose camino creando trabajos extraordinarios para la corte imperial. Su serie más famosa son los Huevos de Pascua, realizados uno por año de 1885 a 1917. Tiempo en el cual, la marca se convirtió en la más grande del mundo.  En los talleres de Fabergé se seleccionaron a importantes orfebres expertos en diferentes áreas, como el joyero Albert Holmstrom, autor de esta pieza, sus hijos siguieron sus pasos en la firma y es su nieta Alma Pihl quien diseña dos de los famosos huevos de Fabergé  Winter Easter Egg y el Mosaic Easter Egg

La fotografía donde aparece esta pieza, se muestra junto a un dibujo de una pieza muy similar en un cuaderno de dibujo de August Holstrom, datado en Enero 1914. Holstrom y sus hijos fueron parte de la fuerza laboral de Fabergé durante esa época.

Esta pieza forma parte de una colección de joyería de la marca que formaba patrones de copos de nueve y cristales de hielo en reminicsencia a los largos inviernos rusos.  Y no está preciso, pero se cree que perteneció a la colección de joyería de la familia Orlov, actualmente pertenece a la compañía londinense Wartski Ltd.

Fuentes:

  • Christian Orlov, @PrinceOrlov·FINE JEWELRY, JEWELS, PAINTING, SCULPTURE, ARCHITECTURE & ARTS OF ALL KINDS GO WITH MY FAMILY’S HERITAGE DATED TO 1550. https://www.pinterest.com.mx/pin/343118065359219912/
  • Phillips, Clare. JEWELRY From Antiquity to the Present, Thames and Hudson World of Art, 2018. P. 158

KAREN MARRUN

  • Broche “La Mujer Libélula” Art Nouveau de René Lalique S.XIX – S.XX

Pertenece a la época del Art Nouveau, escuela de París.
La pieza tiene unas dimensiones de 23 x 26.5 cm y se exhibe en el Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa, Portugal.
Es una de las piezas más nombradas de René Lalique y muestra de su virtuosismo técnico, realizado entre 1897-1898 fue la que presentó en la Exposición Universal de Paris el 1900. Su famosa «Libélula» con cuerpo de mujer, que fue una autentica atracción en la Exposición y que tres años más tarde adquirió Calouste Gulbenkian, el mayor coleccionista del mundo de sus obras.
Esta joya está realizada en oro y con esmaltes opalescentes (irisados) de color azul y verde, piedras semipreciosas tales como: crisoprasa (variedad de calcedonia, piedra de luna) y diamantes.
La cabeza de la libélula termina en un torso de mujer, cuya cabeza aparece rematada por un casco y alas de vidrio a modo de delicado mosaico y sus pies en forma de garras.
Los materiales se funden y cincelan lo que demuestra que la joya adquiere un valor artístico y pierde el valor intrínseco que tenía hasta entonces. Consecuencia de ello, es el poco uso de los diamantes, sólo se usan alguna piedras de color y perlas periformes.
A pesar de que al principio la gente opinaba que sus joyas eran dignas de ser admiradas, pero no aptas para comercializar o portar en la vida cotidiana, poco a poco los novedosos colores y formas que fue introduciendo en su joyería, se ganaron al público, y durante más de una década sería la figura referente para la joyería francesa.
Las joyas de Lalique no tenían en cuenta las convenciones sociales y rompieron con las tradicionales reglas del diseño. El resultado dio piezas que fueron concebidas como trabajos independientes de arte más que meros ornamentos, y a Lalique le gustaba usar distintos materiales para conseguir el efecto deseado.
Él usaba piedras semipreciosas, no como sustitutos baratos, sino por sus colores, vetas o superficies. Como siempre en el trabajo de Lalique las piedras eran solamente una parte de la composición. Usó todo los tipos de metales, ónix, cristal, esmalte, vidrio, madreperlas, ámbar y marfil.
Con esta gran cantidad de materiales, era capaz de producir trabajos de enorme variedad de formas y colores, ideas que le sugerían su fantasía. Aunque el coste de los materiales variaba extraordinariamente de los costes habituales de la artesanía, esto no supuso que se perdiera el interés por sus creaciones, extremadamente complicadas, debido a su ingenio, originalidad e imaginación.

Fuentes:

https://prezi.com/x8adanljrmim/mujer-libelula-rene-lalique-c-1899-oro-esmalte-piedras/

manifiestodearte.com/rene-lalique-el-joyero-del-art-nouveau

http://mundodelmuseo.com/ficha.php?id=1200

https://gulbenkian.pt/museu/en/artist/rene-lalique-2/

 

MARÍA LAURA MUGUIRO ÁLVAREZ

  • Colgante “Buste Feminin” Art Nouveau de Lluís Masriera S.XX

Colgante “Buste Feminin” Art Nouveau de Lluís Masriera S.XX
Joya realizada a principios del siglo XX, 1908, realizada en oro, esmalte, perlas y diamantes, cuando florece el Art Nouveau, arte que nace en Europa y se extiende a USA y parte de Rusia.
El artista es Lluis Masriera, nace en barcelona España(1872-1958), heredero de una estirpe de orfebres plateros y joyeros. Se enamora de el esmalte y el plique-a-jour que destacan en este arte, practica y saca sus propios diseños y llega a ser un destacado y reconocido joyero tanto como Rene Lalique en Paris y C.Tiffany, en USA..
Hizo muchos colgantes de perfiles de mujeres, ninfas,libelulas etc sus diseños
Esta pieza está realizada en oro con perlas,diamantes y esmalte. El título es “Buste Feminin”
Muy apreciados, este en especial ha sido muy fotografiado(Arnin Shultz)
Publicado también por Laurent Fonquernie (agosto 2012 Pieza Art Nouveau

Se encuentra en el Depósito de la Colección Bagues Masriera y disponible para su compra en cellinijewelers.com

Fuentes:
https://www.museunacional.cat/es/la-joyeria https://www.cellinijewelers.com/jewelry/designer/masriera/woman-in-profile-brooch-pendant
https://cronicaglobal.elespanol.com/pensamiento/historias-cataluna/coleccion-bagues-masriera-joyas-queridas-monjas_320360_102.html
http://www.goldandtime.org/noticia/43644/Nexogold/La-mas-completa-exposicion-de-joyas-modernistas-del-maestro-Lluis-Masriera-puede-visitarse-en-Barcelona.html
https://www.hotelbagues.com/es
https://www.derbyhotels.com/coleccion-de-arte/coleccion-de-arte-del-hotel-bagues/

SILVIA HEGEWISCH Y REGINA REYES

 

  • Collar relicario Hirz de Omán S.XX

Collar decorativo con un gran colgante de plata rectangular hirz (caja del Corán) con nueve juegos de colgantes en forma de media luna que cuelgan de las cadenas. El hirz está enhebrado en una cuerda de hilos de algodón densamente retorcida de tres cuentas de plata en forma de barril con granulación y un elemento granulado en forma de mora en la parte superior del barril central. La caja está densamente decorada en el frente con diseños estampados de círculos, apuntes en relieve, formas de diamantes y motivos florales incisos, estos últimos resaltados con pan de oro. Los dos lados del collar están diseñados geométricamente, cada uno con siete cuentas de plata en forma de barril, una Maria Theresa Thaler y un rial de plata de Arabia Saudíta con fecha de 1367 . Es posible que el collar se haya vuelto a ensartar, ya que normalmente el anverso de las monedas se coloca boca abajo contra el cuerpo, mientras que este collar tiene un Thaler con el anverso hacia arriba. El lado derecho del colgante hirz se puede abrir y la página del Corán deteriorada es visible en el interior. Omán septentrional y central.
Fecha de elaboración 1950
Actualmente la pieza se encuentra en el Museo Británico.
Fuente: 

www.britishmuseum.com

https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_2009-6023-238

https://es.wikipedia.org/wiki/Omán

ROSANA SÁNCHEZ ARIAS

 

  • Collar de Frida Khalo S.XX

Collar de plata con representaciones de palomas, caracoles marinos y el símbolo del yin yang en esmalte. Presenta incrustaciones de turquesa y coral rojo. El relicario central tiene una ventana de vidrio con la representación de un personaje masculino. Al interior alberga una almohadilla de terciopelo rojo.

Pieza diseñada en 1950 por Matilde Poulat quien estudió en Bellas Artes al lado de Diego Rivera y era amiga de la familia. Realizó la pieza en su taller fundado en 1934 con técnicas de cartoneado y cincelado, mezclando el estilo barroco con figuras prehispánicas que evocan una identidad nacional y resaltan la esencia de lo mexicano.

El collar fue diseñado para Frida Khalo, artista mexicana símbolo del feminismo y la lucha social, que se distinguía por el especial cuidado que tenía al elegir cada una de sus prendas, creando su propio y particular estilo, de la cabeza a los pies, con las más bellas joyas, sedas, encajes, rebozos y faldas.

La pieza se exhibe en el Museo Frida Khalo en la Ciudad de México y ha participado en numerosas exhibiciones de la artista cuando se incluyen objetos personales.

Fuentes: 

https://www.museofridakahlo.org.mx/wp-content/uploads/2018/06/Las-apariencias-engan%CC%83an-Cedulas-compressed.pdf

https://www.20minutos.es/fotos/cultura/los-objetos-mas-intimos-de-frida-kahlo-14229/5/

https://nation.com.mx/arte/pertenencias-frida-kahlo-van-a-londres/

REGINA CASTILLO

 

  • Ojo del Tiempo de Salvador Dalí S.XX

La joya fue ideada por salvador dalí en el año 1949 aunque fue en 1951, cuando se realizó finalmente de la mano de los joyeros alemany y ertman. La época de creación de el ojo del tiempo coincide con el periodo en el que la pareja vuelve de estados unidos después de permanecer 8 años en el exilio. En el periodo comprendido entre 1941 y 1970, dalí realizó un total de 39 joyas y el ojo del tiempo es sin duda una de las más famosas y preciadas. En ella, el artista incorpora dos elementos que resultarán muy identificativos de sus pensamientos y carrera artística: el ojo y el reloj. Entre las piedras que conforman la totalidad de esta joya, encontramos una fila de diamantes, un rubí o tres tipos de esmalte azul que componen la pupila del ojo. Fundación gala-salvador en dalí en figueras, españa

Fuentes:

https://www.tinsa.es/blog/arte/el-ojo-del-tiempo-y-otras-joyas-de-dali/https://www.salvador-dali.org/es/museos/dali-joyas/coleccion/54/el-ojo-del-tiempo

PATRICIA POSADA MAC NILES

 

  • Corazón Real de Salvador Dalí S.XX

Dalí diseñó las joyas sobre papel en 1953 y el orfebre argentino Carlos Alemany, ejecutó la obra. Realizado en oro amarillo de 18 kt; las gemas del corazón son rubíes, talla mixta (redonda y oval), de 3.0 a 5.0 mm, las gemas de la corona son rubies, esmeraldas, zafiros, aguamarinas, peridotos, amatistas, diamantes y perlas. Aproximadamente. El más espectacular atavío de la colección de joyas de dalí es dedicado a la coronación de la reina de gran bretaña isabel ii. Según el pintor, los rubíes en el centro del artículo personifican a la reina “cuyo corazón late y sufre por el bien de su pueblo” y el oro simboliza el pueblo que “guarda y protege a su reina querida”. El artículo hecho con mecanismo a motor con reductor que actúa moviendo el corazón. Esto produce un efecto fascinante en el espectador.

Fundación gala-salvador en dalí en figueras, españa

Fuentes:

https://www.salvador-dali.org/es/obra/coleccion/45/el-corazon-real

https://www.globalintergold.info/es/trabajos-de-artifice-de-salvador-dali-zo70/