ARTISTAS PARTICIPANTES
LUCÍA ORTÍZ MONSALVE
- Venus de Hohle Fels, 40.000 A.C.
La Venus de Hohle Fels, fue hallada en 2008 en cuevas de Hohle Fels en el valle del rio Achr en la Jura de Suabia cerca de Schelklingen (Baden-Wurtemberg, Alemania). Pertenece al paleolítico superior, datada entre 40.000 – 35.000 años A.C. Realizada en Marfíl de mamut. Actualmente se encuentra en el Museo de Prehistoria de Blaubeuren en Alemania.
Esta estatuilla femenina, de unos seis centímetros de altura, fue tallada en marfil de mamut y se trata por tanto de la escultura humana más antigua que ha sido hallada. Muestra unos pechos muy desarrollados, el vientre hinchado, las caderas anchas y la vulva marcada, se asocian con expresiones de fertilidad. «La cabeza y las piernas no importan. Se trata de sexo, reproducción», explicó el arqueólogo Nicholas Conard, quien dirigió el proyecto de excavación. La figurilla presenta un agujero en la minúscula cabeza para ensartarla en un cordel, probablemente para ser utilizada como amuleto, aunque aún se discute sobre su función originaria. En la cueva de Hohle Fels, en Schelklingen, se han encontrado otras figurillas que representan a animales, otra que representa un falo e incluso una flauta de hueso que constituye uno de los instrumentos musicales más antiguos del mundo. Todos estos hallazgos datan del Auriñaciense, cuando los humanos modernos se extendieron rápidamente por toda Europa, desplazando a los neandertales autóctonos.
Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Venus_de_Hohle_Fels
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/estatuilla-voluptuosa_9629
https://www.bbc.com/mundo/cultura_sociedad/2009/05/090514_0346_escultura_nature_jg
Orfebre y Diseñadora de joyas; con más de veinticinco años de experiencia creando propuestas entorno a la moda, vestuario y arte. Sus diseños personalizados, hacen de sus creaciones piezas únicas y exclusivas, las cuales elabora totalmente a mano.
Alterna de manera innovadora en su marca LUCIA ORTIZ MONSALVE Diseño de Joyas; la joyería tradicional o clásica, con la contemporánea, de esta manera extiende su campo de diseño tanto en la moda como en el arte.
Sus diseños comunican innovación y experimentación de las formas, texturas y materiales no convencionales, creando piezas con diseño puro.
Su fuente de inspiración la ha encauzado en la apropiación de temas como son la geometría pura, la naturaleza, el tejido, la feminidad y la arquitectura, plasmando en sus joyas gran versatilidad y un interminable de variaciones en toda su obra.
La Joyería como Arte, es expresada a través de su esencia y su concepto de estética, para el placer y la conexión de quien la porta.
“Las joyas son una manera de expresión, cuentan historias y dejamos una parte de nosotros en ella» Lucía Ortiz Monsalve
Para conocer más de Lucía:
https://www.instagram.com/luciaortizmonsalve/?hl
www.facebook.com/luciaortizmonsalve
Lucía Ortíz Monsalve está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
ABRAHAM VÁZQUEZ
- Collar de Variscita de Gavá 6200-5900 A.C.
Collar de variscita, época neolítica (6200-5900 a. C.). Yacimiento: Minas Prehistóricas de Gavà (Gavà)
Encontrado en la mina número 83 de las Minas Prehistóricas de Gavà. Está formado por 61 decenarios, de los que 42 son discoidales y 19 tienen forma de barril. Se encuentra expuesto en el Museo de Gavà
Una visita al Museu de Gavà siempre es recomendable. En una de las vitrinas se exhibe (sin ánimo de abrir desde aquí una discusión con los egiptólogos) el Tutankamon catalán. Es el ajuar mortuorio de una tumba neolítica local en apariencia no extraordinaria, pero el muerto fue enterrado con una talla de obsidiana de Cerdeña, puntas de sílex de Provenza y piezas de jadeíta de los Alpes, y un collar de cuentas de variscita, un tesoro para aquellos tiempos, que solo se comprende si se tiene en cuenta qué tenía para ofrecer al mundo aquella sociedad primitiva que creció alrededor de las minas de Can Tintoré.
La variscita, sin ser ni por asomo una piedra preciosa, tiene una hermosa historia detrás. Las minas de Can Tintoré fueron descubiertas, accidentalmente como siempre en estos casos, en 1972. Solo a partir de entonces se comenzó a comprender que Gavà jugó un importante papel durante buena parte del neolítico europeo.
Gavà hace 6000 años fue la cuna de la joyería del neolítico, durante un periodo de más de 1.000 años Gavà fue el mayor centro productor del mundo de joyas de variscita, un mineral escaso, pero que por su singular color verde fue la materia prima con la que se tallaron algunas de las joyas más hermosas de la prehistoria.
Las más estimadas son de color verde esmeralda” , estaba en Gavà. Es el yacimiento por referencia y más conocido de variscita por su gran explotación de este mineral , “ Se ha supuesto siempre que las decenas de abolorios encontrados en sepulturas neolíticas del Mediterráneo occidental fueron manufacturadas allí, junto a las minas de Can Tintoré.
El Centro de Investigación y Restauración de los Museos de Francia, con sede en el Louvre, analizo la composición química exacta de aquellos ancianos tesoros. El resultado de la investigación fue crucial, son de Gavà, fue en su tiempo … la 1ª construcción de una especie de Mercado Común Europeo del neolítico.
Fuentes:
http://www.patrimonigava.cat/
El negocio familiar de Joyeria fundado en 1970 Barcelona, es mi Origen , Represento la 2ª Generación de Joyeros, mi padre me inicio en el maravilloso mundo de las joyas, recogí desde mi inicio la tradición, su nombre Abraham y el entusiasmo por la Joyeria.
Desde pequeño alguien empezó a llamarme ADI, mi nombre Abraham es de origen hebreo, que significa: adorno, ornamento, joya. Y a los 22 años abrí mi primer Show Room en donde empezó mi sueño de crear joyas mágicas, dando el nombre a mi marca: A D Y, creando un estilo personal, único, basado en el Concepto Joya-Moda, con una sabia mezcla de tradición y Vanguardia extrema que hacen de mis Joyas verdaderas piezas únicas.
He realizado Exposiciones Internacionales en España, Alemania, Italia, Estados Unidos, Inglaterra e Italia
Participante Proyecto Automaton 20/21 España-Canada. He ganado importantes premios a lo largo de mi carrera.
Creador del SOL de Or Festival de Cine Internacional de Medi Ambient
Diseño de Joyas Institucionales de Gavà, Viladecans y Begues.
Diseño Colección Institucional Museo de Gavà Colección VENUS inspiradas en la figura femenina del neolítico de 5800 años de antigüedad y Mineral Variscita. Desarrollo desde 1999 – 2020
Creador y Director 6K Gavà Fashion Week www.6kgavafw.com 2019
Colecciones Joyas Essencial- Biography-Simbol-Enigma-Lujuria-Totem-Signos-Origem
www.instagram.com/abraham_vazquez_by_ady/
Abraham Vázquez está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
BEATRIZ BIAGI
- Joyas de Pu-Abi, Reina de Ur, Capital Sumeria, 2.600 A.C
Realizadas en oro, plata, lapizlázuli y cornalina.
El Cementerio Real de Ur fue descubierto por el arqueólogo Leonard Woolley en 1922 en Mesopotamia, la actual provincia de Dhi Qar (sur de Irak), gracias a una misión conjunta del museo Penn de Filadelfia y el British museum de Londres.
La principal tumba de dicho cementerio es la de la reina Pu-bi. Su cuerpo fue encontrado junto con su sello personal, en el que se lee su nombre y título, sin asociación a ningún rey, por lo que se deduce que ella era la reina-sacerdotiza soberana de la ciudad-estado sumeria de Ur. Su importancia y rango están remarcados por la suntuosidad de las piezas con las que ella y su séquito fueron enterrados: objetos, instrumentos musicales, artefactos y joyas de oro, plata, lapizlázuli, marfil y cornalina. Estos materiales eran importados desde Afganistan, la meseta iraní y la India, lo que comprueba la extensión de la red comercial e intercambios culturales de Sumeria, una de las primeras civilizaciones urbanas del mundo.
Los tesoros del Cementerio Real de Ur se encuentran actualmente en el Museo Penn de Filadelfia, EUA, British Museum de Londres y el Museo Nacional de Irak en Bagdad.
Las excavaciones del Cementerio Real de Ur se llevaron a cabo gracias a la misión conjunta del Penn Museum y el British Museum. La tumba principal es de la reina Pu-Abi. El poder Pu-Abi queda remarcado por la suntuosidad del asombroso ajuar funerario: artefactos y joyas de oro, plata, lapizlázuli, marfil y cornalina. Estos materiales fueron importados de lugares lejanos como la India y Afganistán, lo que comprueba la importancia de Sumeria, una de las primeras civilizaciones urbanas del mundo.
Referencia:
https://www.youtube.com/watch?v=4jwxUcoHL5Y&feature=emb_logo
Fotografía:
Objeto númreo B17711A. Cortesía de http://www.penn.museum
Object B17711A Courtesy of the Penn Museum
Fuentes y Fotografía:
https://www.youtube.com/watch?v=4jwxUcoHL5Y&feature=emb_logo
Objeto númreo B17711A. Cortesía de http://www.penn.museum
Object B17711A Courtesy of the Penn Museum
https://www.penn.museum/collections/object_images.php?irn=108736#image4
https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_1929-1017-130-a
https://www.penn.museum/collections/object_images.php?irn=108736#image4
https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_1929-1017-130-a
Especialista en Joyas y Gemóloga
Socia de JoyerosMX, Instituto Gemológico Italiano y Mubri Internacional
Desde que fundo Beatriz Biagi Design Studio a principios de los ’90s ha colaborado con organizaciones, instituciones y compañías del sector joyero en Asia, Europa y América como consultora de diseño, coordinadora de producción, investigadora y docente.
Además de llevar adelante la constante actividad de experimentación y aprendizaje para la innovación en la joyería, imparte cursos de diseño y apoyo a marcas emergentes para la producción de colecciones limitadas, piezas únicas de alta joyería y accesorios, combinando técnicas tradicionales con nuevas tecnologías digitales.
“Me apasionan la estética, los materiales y las tecnologías de la joya, así como su contexto social y comercial en las diferentes culturas”.
Para conocer más de Beatriz:
https://www.linkedin.com/in/beatrizbiagi/
Beatriz Biagi está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
TERESA ANDRÉS BUENO
- Diadema de Caravaca 2000 – 1500 A.C.
- En 1925 un agricultor encontró de forma casual el más precioso hallazgo de la orfebrería argárica: la llamada «Diadema de Caravaca», así conocida por haberse encontrado en el «Estrecho de la Encarnación», del término municipal de Caravaca de la Cruz en Murcia, España. En este caso no solo destaca por la novedad del material que es en oro (casi toda la joyería descubierta hasta entonces era de plata), sino porque a diferencia de las otras incluía una decoración de círculos concéntricos realizada con la técnica del puntillado.
- Comenzaba a cobrar fuerza la teoría de una sociedad monárquica/aristocrática similar a las que entonces ya existían en Egipto y Oriente Medio.
- Datada en la primera mital del II milenio A.C, 2000-1500 A.C, pertenece a la cultura argárica, realizada en oro con la técnica del martillado y puntillado, dimensiones: diámetro 17,70 cm, grosor 0,02 cm y un peso total de 44, 40 gramos. En la actualidad se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional en Madrid, España.
Fuentes
http://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?Museo=MAN&txtSimpleSearch=Diadema%20de%20Caravaca
https://es.wikipedia.org/wiki/Diadema_de_Caravaca_de_la_Cruz
Nacida en valencia, en el mediterraneo español, teresa andrés bueno es una apasionada del arte, la historia, la luz, el color y aromas
De su tierra. Diseñadora industrial, ha pasado media vida diseñando todo tipo de objetos he ilustrando libros. La joyería ha sido siempre
Su hobby, hasta hace doce años que pasó a ser su trabajo y pasión, mezclando diferentes materiales y cohesionando mundos. Sus
Colecciones son tan distintas como historias que contar, cada joya, ya sea de metal, tela, resina, arena, o cualquier otro material tiene
Su propio dialogo, su historia, su vida. El arte y sus ideas lo expresa en pequeñas joyas, como en grandes colecciones. Desde su marca
Teu son intenta transmitir la belleza de la vida.
Taller: avd burjasot nº 100 b. 46009 valencia
https://teu-son3.webnode.es/
Amazon handmade : joyería : «teu son»
https://www.instagram.com/teusonvcia/
Teresa Andrés Bueno está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
ANDREA MARÍA RÍOS
- Pectoral de la Princesa Sit-Hathor- Yunet, Reino Medio, 1887-1878 A.C.
Pectoral con collar de Sith-athor-yunet con el nombre de Senwosret II, Período: Reino Medio, dinastía 12 reinado de Senwosret II, Fecha: ca. 1887-1878 A.C.
El pectoral esta elaborado en oro, cornalina, lapislázuli, turquesa, granate y el collar en oro, cornalina, lapislázuli, turquesa, feldespato verde. Fue excavado por Flinders Petrie en Lahun 1914 , es un pueblo de obreros en Fayum , Egipto . El Lahun se asocia con la Pirámide de Senusret II (en griego : Sesostris II ). EL pectoral se encuentra en exhibición en el Museo Metropolitano de Arte de NY. Está elaborado en técnica cloisonné con incrustaciones de 372 piezas de piedras semipreciosas cuidadosamente cortadas, todas perfectamente presentadas y perfectamente colocadas. Los signos jeroglíficos componen el diseño y en conjunto se puede leer: «El dios del sol naciente concede vida y dominio sobre todo lo que el sol rodea durante un millón cien mil años, es decir, la eternidad. Esencialmente, fue el rey quien se benefició de los poderes mágicos inherentes a las joyas que usaban las mujeres de su familia, lo que explica por qué su nombre, en lugar del de la princesa, aparece en los diseños.
Fuente:
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/544232
https://es.qaz.wiki/wiki/El_Lahun
Diseñadora Industrial, Técnica en elaboración de joyas, Master en Diseño Sostenible en Joyería, soy Artesana Joyera y desde hace 10 años soy una emprendedora Colombiana, creé mi marca de Joyas llamada Cinq Chats con mucha pasión y amor, en mi taller elaboro mis diseños, que desde siempre se han inspirado en la biodiversidad de mi país, en mi marca nos enfocamos en expresar el arte de la joyería artesanal a través de técnicas como la filigrana y la aplicación de cristales y gemas de diversos colores logrando piezas de arte únicas. Hoy sigo luchado por mi sueño llamado Cinq Chats, cada día busco aprender, conocer y perfeccionar técnicas y formas de lograr diseños excepcionales que expresen mi sentir y participo en convocatorias que me reten a crear lo inimaginable.
Para conocer más de Andrea María:
https://www.linkedin.com/in/andrea-rios-yunda-a499113a/
Instagram: @cinq.chats.joyeria
Facebook cinq.chats
Andrea María Ríos está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
LLUÍS SOLANO GIFRE
- Máscara funeraria de Tutankamon 1342 – 1324 A.C.
La máscara funeraria de Tutankamón, está construida en oro, obsidiana, lapislázuli, cuarzo, turquesa, cornalina y cristal. Y fue la única tumba descubierta no saqueada, hasta nuestros días. Con un peso total de 11 kg.
La máscara funeraria de Tutankamón, es sin duda, la pieza arqueología más conocida del antiguo Egipto. La tumba descubierta por Howard Carter el 28 de octubre de 1925 fue un hallazgo sin igual ya que la tumba se encontró intacta.
Tutankamón,1 llamado en vida Tutanjatón,a (c. 1342 – c. 1325 a. C.) fue un faraón del Antiguo Egipto, último monarca de su familia real en el final de la dinastía XVIII que gobernó entre 1334 y 1325 –según la cronología convencional del Imperio Nuevo de la Historia de Egipto–. Su padre era el faraón Akenatón, que se cree que estaba enterrado en la tumba KV55, mientras que su madre era la hermana de este, identificada como tal por una prueba de ADN realizada a una momia desconocida llamada La Dama Joven, que fue encontrada en la tumba KV35.2
Tutankamón accedió al trono con ocho o nueve años bajo la tutela del visir Ay, que finalmente sería su sucesor y probablemente también era pariente. Tutankamón contrajo matrimonio con su medio hermana Anjesenamón, con quien concibió dos hijas que murieron, la primera a los 5 o 6 meses de embarazo y la segunda poco después de nacer.3 Los nombres del faraón -Tutanjatón y Tutankamón- se cree que significan «imagen viviente de Atón» e «imagen viviente de Amón», aunque el reemplazo de Atón por Amón se hizo después de su muerte.
Tutankamón reinstauró la religión politeísta del Antiguo Egipto después de las reformas monoteístas de su padre, enriqueció y fue generoso con las órdenes de dos importantes cultos, entre ellos el de los sacerdotes de Amón, y comenzó a restaurar los monumentos antiguos dañados durante el anterior periodo amarniense. Trasladó los restos de su padre al Valle de los Reyes y movió la capital desde Ajetatón a Tebas. Sufría una discapacidad física por una deformidad en su pie izquierdo junto a una osteonecrosis que le obligaron a apoyarse en bastones, varios de los cuales fueron hallados en su tumba junto a armaduras y arcos, en cuyo uso debía estar instruido. Estaba aquejado de otros problemas de salud como escoliosis y había contraído malaria.
En 1922 Howard Carter descubrió su tumba casi intacta en el transcurso de unas excavaciones sufragadas por Lord Carnarvon,4 un hallazgo que captó la atención de la prensa de todo el mundo. El descubrimiento de este hipogeo con más de 5000 artefactos, entre ellos la máscara funeraria de Tutankamón, expuesta en el Museo Egipcio de El Cairo, despertó un renovado interés en el Antiguo Egipto. Las muertes poco tiempo después de varios de los implicados en el descubrimiento de su momia se han atribuido popularmente a la maldición del faraón. Desde el descubrimiento de su enterramiento se lo conoce también como «Rey Tut».
Parte de su enorme ajuar funerario ha viajado por todo el mundo despertando una expectación sin precedentes. El Consejo Supremo de Antigüedades de Egipto autorizó esas exposiciones desde 1962, cuando se celebró la primera en el museo del Louvre de París. Esas exhibiciones atrajeron millones de visitantes hasta 1979, aunque después no se celebró ninguna más hasta que se retomaron en el período 2005-2011, cuando además se incluyeron objetos de los predecesores de Tutankamón en la dinastía XVIII, como su padre Akenatón o la reina Hatshepsut.
Se encuentra en el Museo Egipcio del Cairo
Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A1scara_funeraria_de_Tutankam%C3%B3n
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/mascara-tutankamon-se-exhibe-nuevo-museo-egipcio-cairo_9993
https://egiptologia.com/la-mascara-de-tutankhamon/
https://www.lacamaradelarte.com/2016/04/mascara-de-tutankamon.html
Lluis Solano Gifre, Palafrugell, de padre relojero y tradición joyera familiar, quería ser arquitecto, pero la mala relación con las matemáticas fueron un impedimento para estudiar arquitectura.
Entonces estudia micromecánica en el instituto politécnico, y por las tardes joyería en la escuela industrial y más tarde en la prestigiosa escuela de joyería Massana, centro de arte y diseño, ambas en Barcelona.
Después de unos años de trabajar en medios de comunicación, periódicos, radio y televisión, incluso escribir una novela, lo deja para seguir el negocio joyero familiar.
La monotonía del negocio familiar hace que emprenda una aventura en el mundo del diseño, para crear sus propias joyas, así nace la marca ChoKolate Luxury, para que los sueños y la fantasía en las joyas sean muy reales. En la búsqueda constante de un lenguaje artístico propio.
Cuenta con sus méritos el 3º Premio de joyería San Eloy, una mención Amberif Desing Award en Polonia y un Artistar Jewels en Italia.
Para conocer más de Lluís:
Redes sociales @lluisolano (Facebook e Instagram)
Web: www.chokolateluxury.com
Lluís Solano Gifre está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
ANA RUÍZ
- Colgante demonio Puzuzu, S.VIII – S.VII A.C.
Pazuzu es una estatua fabricada en bronce de 14,5 cm. de altura, datada aproximadamente entre los siglos VIII a.C. y VII a.C. (período comprendido entre los años 800 a.C. y 601 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico. Fue encontrada en Irak y desde 1872 forma parte de los fondos del Museo del Louvre de París, Ala Richelieu, sala 6, vitrina 4.
Su figura es hibrida, cuerpo humano desnudo con cuatro alas, cabeza canina con dos cuernos, pene serpentiforme, manos humanas, patas de ave de presa y cola de escorpión. Se muestra con la palma de la mano derecha hacia arriba, y la izquierda hacia abajo. Esta posición de las manos simboliza la vida y la muerte, o la creación y la destrucción.
Pazuzu es el rey de los demonios del viento y fantasmas Lilu, Lilitu y Ardat-lili fue conocido como Pazuzu, hijo de Hanpa en la mitología sumeria, asiria y acadia. Fue un dios demoniaco, documentado a partir del primer milenio precristiano. A su personalidad se le atribuye un doble aspecto maléfico y benéfico. Se le creyó propagador de epidemias, entre ellas, la malaria, pero también era invocado contra ellas. A veces aparecía asociado a su consorte y enemiga Lamasthu (demonio femenino que se alimentaba de recién nacidos y sus madres), siendo utilizado contra ella a las que obligaba a retirarse de sus víctimas. Se labraron infinidad de amuletos con su imagen o con su cabeza que se colgaban del cuello las mujeres encinta para protegerlas de la Lamasthu.
Para los sumerios, también representaba el viento del suroeste, que traía tormentas, y portador de la peste y las plagas, del delirio y de la fiebre.
Esta figura con la leyenda que la representa, fue utilizada como modelo para algunas escenas de la película de terror “El Exorcista” de 1973
CONJURO:
Oh Pazuzu, poderoso que atraviesas altas montañas, que resistes todos los vientos, viento iracundo que cuando se levanta es terrible, furioso propenso a la ira, que aparece furiosamente.
Asesino de las regiones del mundo, destructor de altas montañas, que agosta las tierras pantanosas, que secas sus cañaverales!
Él golpeó en el bosque, tiró sus árboles, entró en el jardín, hizo caer sus frutos, bajó al río, hizo caer hielo, golpeó al joven, lo tiró, golpeó contra la joven, deformó sus caderas.
Cuando tú soplas las regiones del mundo se tambalean.
Subió al desierto, hizo caer escarcha. ¡Oh dolor de cabeza de la humanidad, malestar de cabeza de la humanidad, enfermedad de la humanidad!
No entres en la casa en donde yo esté, no te acerques a la casa donde yo me aproxime.
¡Sé conjurado por Anu, Antu, Enlil y Ninlil, Ea y Damkina, Cielo e Infierno!
Fuentes:
Mitos de la antigua Mesopotamia. Héroes, dioses y seres fantásticos.-Federico Lara Peinado.
Editorial Dilema
https://www.louvre.fr/es
https://hablemosdemitologias.com/c-mitologia-sumeria/pazuzu/
http://kokita-eri-historiadelarte.blogspot.com/2019/07/pazuzu.html
Ana Ruíz, madrileña con estudios en Dibujo Publicitario y Joyería Artística. Su trabajo nace de un concepto, de una vivencia, de una inquietud, haciendo que las joyas cuenten historias, transmitan sentimientos, comuniquen mensajes y provoquen y respondan preguntas.
La función simbólica da significado a su joya, la permite representar diferentes conceptos en diferentes culturas, comunicar mensajes dentro del entorno sociocultural, una inquietud, una vivencia, por lo que le permite representar ante los demás lo que significa para ella misma
Estudia la joya desde su significado simbólico y su materialidad, buscando encontrar una posible relación que le ayude a configurar un producto capaz de transmitir un mensaje sin palabras solo con los materiales con los que construye su obra, una pieza que pueda significar y ser leyenda en una sociedad. Con el metal texturado o patinado, o los objetos cotidianos intenta transmtir declaraciones que pueden ser de naturaleza política, social o personal. Cuando crea una pieza, al principio no piensa en su portabilidad o su papel funcional, su idea es documentada y seguida por el desarrollo del diseño para después adaptarlo a la pieza.
Para conocer más de Ana:
instagram: @reciclanar
faceboock: Ana Ruiz
Ana Ruíz está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
EDNA FELICIANO PRIETO
- Gorguera de Gleninsheen, 800 – 700 A.C.
Edad del Bronce en Irlanda.
Descubierta en el 1932 en el condado de Clare en Irlanda, esta pieza representa uno de los grandes tesoros de la Era de Bronce en este país. Está compuesta por 5 piezas de fina lámina de oro: 2 pares de discos circulares montados uno sobre otro y un collar en forma creciente unido a ellos. Está realizada con las técnicas de cincelado, grabado y trabajo en alambre. Se encuentra en el Museo Nacional de Irlanda.
Fuentes:
https://studylib.es/doc/4540779/gu%C3%ADa-del-museo-nacional-de-irlanda-arqueolog%C3%ADa
https://efivern.blogspot.com/2012/08/historia1Irlanda.html
Nacida en Puerto Rico, se titula en Ingeniería Industrial en 1988. Vive en México desde 1994 y hace 6 años descubrió la orfebrería en Academia de Orfebres donde ha encontrado una pasión por este arte. Ha tenido la oportunidad de aprender diferentes técnicas modernas y antiguas de la mano de grandes maestros como Lilo Palma, Carles Codina y César Cárdenas, trabajando la plata y el oro.
Para conocer más de Edna:
Edna Feliciano Prieto está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
PILAR AYMERICH
- Las joyas de la Dama de Elche, Busto íbero siglos V-IV A.C.
Museo Nacional de Arqueología de Madrid, España
Es una escultura que esconde muchos misterios sobre su origen. Uno de los aspectos más llamativos de la Dama de Elche son las impresionantes joyas que luce que nos recuerdan el mundo fenicio-púnico
Sobre el vestido lleva tres collares con colgantes: dos de ellos con pequeñas ánforas y uno con una especie de lengüetas, probablemente porta amuletos.
Esta preciosa imagen fue encontrada por casualidad en la finca La Alcudia (Elche) provincia de Alicante, en 1897 por Manuel Campello, un niño de 14 años que llevaba agua a los obreros de la finca propiedad de Manuel Campello Antón.
La escultura de la Dama se enmarca en la época del ibérico pleno, período del siglo V al siglo IV a.C. Fue ofrecida al Museo Arqueológico Nacional en España, el cual la rechazó y se vendió al Museo del Louvre de Paris. En el Louvre, por iniciativa de S. Reinach, la obra recibió el nombre de la Dama de Elche.
En 1939 se traslada al Castillo de Montauban (Toulouse). En 1941 se traslada al Museo del Prado.
La Dama de Elche permaneció en el Museo del Prado hasta el año 1971, cuando fue trasladada al Museo de Arqueología Nacional, en Madrid.
Fuentes:
ARANEGUI GASCÓ, Carmen: “La Dama de Elche y las otras damas ibéricas” en La Dama de Elche: figura y símbolo (folleto). Elche: Fundación Universitaria de Investigación Arqueológica La Alcudia de Elche. 2006.
OLMOS, Ricardo: “Y la Dama compuso su semblante” en La Dama de Elche: figura y símbolo (folleto). Elche: Fundación Universitaria de Investigación Arqueológica La Alcudia de Elche. 2006.
VV.AA. La Dama de Elche: figura y símbolo (folleto). Elche: Fundación Universitaria de Investigación Arqueológica La Alcudia de Elche. 2006.
Pilar Aymerich, es una diseñadora cuya vida ha tenido siempre un estrecho vínculo con el mundo de la joyería. Hija de padres joyeros, su formación dio comienzo en la emblemática Escuela Massana de Barcelona durante siete años, donde se especializa en Artes plásticas y diseño.
Fascinada por la cultura asiática, viajé por Tailandia y Bali durante doce años, aprendiendo de su buen hacer, su respeto y delicadeza.
Todas y cada una de mis creaciones son únicas e irrepetibles. Su conexión con las piedras preciosas y los minerales va más allá de la simple relación entre el artista y su obra, dotando de personalidad propia a cada una de sus joyas.
Poco a poco fui participando en ferias del sector del lujo como la “Fira del luxe” en el Castillo de Peralada, la “Luxury fair” en Barcelona, y la “Fira del luxe” en S’Agaró.
Básicamente, sus creaciones son con piedras sin pulir mezcladas con otros minerales pulidos y bronce artesanal, dándoles el nombre de “Glamour salvaje”.
Para saber más de Pilar:
Instagram @pilaraymerich
facebook.com/lajoia.pilar
Pilar Aymerich está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
ROSA SEMPERE
- Peine Escita, escena de una batalla en oro, siglo V-IV A.C.
Peine representando una batalla, realizado en oro, pertenece a la cultura escita. en un principio fue un pueblo nómada hasta que se asentaron en la región de Belsk, Ucrania, donde se cree asentaron la capital escita en Gelonus, en cuyas restos arqueológicos se han encontrado talleres de artesanía y alfarería griega con los que tuvieron un gran intercambio cultural y económico.
Los escitas trabajaron una amplia variedad de materiales, tales como oro, madera, cuero, hueso, bronce, hierro, plata y oro blanco. Como nómadas, los escitas trabajaron en materiales decorativos para usar en sus caballos, tiendas y carretas y muchas de las piezas eran pequeñas para que fueran portables. Las piezas más tempranas reflejan las tradiciones asirias de estilo animal; mientras que muchas piezas del período posterior, especialmente en metal, fueron producidas por artesanos griegos que adaptaron estilos griegos en los gustos y en los motivos para el mercado escita y probablemente trabajaron en el territorio escita.
En los últimos años, los arqueólogos han hecho descubrimientos importantes en varios lugares de la zona. Así, se han hallado elementos decorativos que muestras bestias antropomórficas, motivos geométricos o animales. También se han descubierto alfombras de fieltro, así como herramientas y utensilios domésticos. La vestimenta encontrada por los arqueólogos también ha sido elaborado con bordados y diseños aplicados. Al parecer, la gente rica vestía prendas cubiertas de placas de oro en relieve.
Hallado en las cercanías del Rio Dnieper en la Región de Zaporozhye. Ucrania se encuentra en el Museo de Hermitage –San Petersburgo, Rusia.
Fuentes:
https://www.marqalicante.com/ermitage/peine.php
https://es.qaz.wiki/wiki/Scythian_art
Rosa Sempere, Joyera con una larga trayectoria, monta su empresa Joyas con Alma en 1997 recreando réplicas antiguas de las Joyas de Aragón, y una línea de joyas más contemporáneas con un estilo steampunk. Especialista en joyas modernistas sobre todo en broches y peinetas de la época. Rosa es original y creativa, lejos de la ostentación y la mediocridad, artesana certificada por la Generalitat Valenciana. Para sus creaciones, siempre artesanales y realizadas por ella misma, utiliza materiales nobles como plata, asta de toro, nácar, palo santo, ébano, y por supuesto añade nuevos materiales como el acero, aluminio, resinas, etc. Aplica a sus joyas otras técnicas como la fabricación de abanicos. Premio a la Innovación 2011, Premio Europa 2015 y Premio honorífico nacional de joyería, PRENAMO 2019. Realiza colaboraciones habituales en joyería para el cine, máscaras para los Carnavales Venecianos, ha participado en desfiles como la Fashion week poniendo sus joyas al prestigioso diseñador Francis Montesinos.
Para conocer más de Rosa:
Instagram @semperejoyasconalma
Rosa Sempere está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
ALEJANDRO CARRERO
- El Medallón de Eros, S. II-III A.C
También conocido como Medallón con el busto de Eros, es un medallón de oro, elaborado en la Antigua Grecia y que data del año 250 – 200 A. C., durante el llamado Período helenístico, El medallón representa a Eros que en la mitología griega era el dios primordial responsable de la atracción sexual, el amor y el sexo, venerado también como un dios de la fertilidad. En algunos mitos era hijo de Afrodita y Ares, pero según El banquete de Platón fue concebido por Poros (la abundancia) y Penia (la pobreza) en el cumpleaños de Afrodita. Esto explicaba los diferentes aspectos del amor.
El medallón se encuentra expuesto en el Museo del Louvre en París.
Fuentes de información del medallón:
http://kokita-eri-historiadelarte.blogspot.com/2019/09/medallon-de-eros.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Medallón_de_Eros
https://sherryv99.tumblr.com/post/126718304081/medallón-de-eros-también-conocido-como-medallón
Alejandro Carrero es un joven andaluz, diseñador de joyas, dueño y creador de la firma joyas que lleva su mismo nombre Alejandro Carrero Jewelry.
Apuesta por una joyería innovadora con espíritu joven, respetando las técnicas artesanas de la joyería tradicional, con una fuerte influencia de la naturaleza en sus joyas, disfruta creando y combinando técnicas para dar vida a sus ideas.
Para conocer más de Alejandro:
www.instagram.com/alejandrocarrerojewelry
www.facebook.com/alejandrocarrerojewelry
Alejandro Carrero está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
LETICIA PALENZUELA GUTIÉRREZ
- Collar Los Silos, S.III A.C.
Collar guanche realizado en cuentas de barro cocido.
Hallado en 1959, Los Silos (Tenerife)
Museo Arqueológico de Tenerife. Organismo Autónomo de Museos y Centros del Excmo. Cabildo de Tenerife. (MUNA)
Cuentas de collar realizadas a mano pertenecientes a elementos de adorno personal, hallados frecuentemente en cuevas de enterramiento como parte del ajuar funerario. La mayoría de estas cuentas son de forma discoidal y están elaboradas con pastas de muy buena calidad, presentando algunas de ellas un intenso pulimento. Al tratarse de islas los pobladores originarios de este territorio no tenían acceso a otros materiales para crear sus objetos ornamentales adaptándose a aquellos que podían encontrar y fabricar con sus propias manos.
La pieza pertenece al Museo Arqueológico de Tenerife. Organismo Autónomo de Museos y Centros del Excmo. Cabildo de Tenerife. Fue cedida al Museo Arqueológico Nacional para formar parte de la exposición El poder del pasado. 150 años de arqueología en España celebrada entre 2017 y 2018. La imagen que se acompaña pertenece al catálogo que se editó con motivo de la exposición.
Bibliografía y fuentes:
Catálogo de la exposición “El poder del pasado. 150 años de arqueología en España”. 2018. Gonzalo Ruiz Zapatero. Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.
Fuentes:
https://www.museosdetenerife.org/assets/downloads/publication-2b6825ee9d.pdf
https://es.wikipedia.org/wiki/Abor%C3%ADgenes_canarios
https://www.youtube.com/watch?v=4spacinaglA
https://www.rtve.es/rtve/20201116/2-estrena-documental-momias-guanches/2056608.shtml
Ha construido con constancia, perseverancia e ilusión la marca “Arena y Plata” un sueño hecho realidad que comenzó en Brasil en 2014, allí conoció a grandes maestros joyeros como Kjeld Boesen que le enseñaron el apasionante mundo de la joyería, estando vinculada hasta ese momento con el sector de la construcción.
Amante de la joyería artesanal su formación ha sido constante en técnicas de moldeado en cera, esmaltado y engaste de piedra. En estos momentos sigue aprendiendo de la mano de Rafael Martín Kreijer, centrándose en técnicas antiguas de engastes y restauración de piezas. Su formación comenzó con cursos de diseño de joyas y modelado en cera en el Studio DuO de Debora Maulee y continúo en el Atelié Labriola de Geraldo Labriola ambos en Sao Paulo, contando, además, con la acreditación como artesana del Excmo. Cabildo de Tenerife.
Dibujar sonrisas con sus creaciones es su recompensa, trabajando diariamente porque su marca sea de primera línea, referente y símbolo de calidad, centrándose en la plata y apostando por aportar una visión actualizada a diseños clásicos.
Para conocer más de Leticia:
Instagram @Arenayplata
Facebook https://www.facebook.com/arenayplata/
Leticia Palenzuela Gutiérrez está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
TANIA MARZUCA
- Intaglio Romano «Eneas y su familia huyendo de Troya» talla del año 20 A.C.
La gema, una cornalina tallada, captura el momento en que Eneas, hijo del príncipe troyano Anquises y la diosa Venus, escapa con su familia de Troya al final de la Guerra de Troya. Eneas sube los escalones hasta un barco que espera, con su padre sobre su brazo derecho y su hijo, Ascanio, sosteniendo su mano izquierda. Eneas lleva un corsé pero ninguna otra armadura; su padre viste túnica con un manto sobre la cabeza. Ascanio, que se muestra justo en el momento de salir de las puertas de la ciudad, usa un gorro frigio, un quitón y una capa mientras sostiene un pedum (un palo arrojadizo de cazador) sobre su hombro izquierdo. Anchises sostiene una caja cilíndrica con un patrón en X en el lateral. Detrás de ellos, los muros de Troya se levantan, y un soldado griego con cascos con cresta mira hacia ellos desde las almenas mientras sostiene una antorcha encendida en alto en su brazo derecho levantado, una lanza en posición vertical en el izquierdo. Tres troyanos los esperan en el barco, todos con gorros frigios: uno maneja el timón, otro el aparejo todavía enrollado del barco y el tercero levanta una trompeta u otro objeto en forma de cuerno. Sobre ellos, una sola estrella.
– 1965 Giorgio Sangiorgi, italiano, 1886-1965, por herencia a su hijo Sergio Sangiorgi, 1965.
1965-2015 Sergio Sangiorgi, por herencia a sus herederos, 2015.
2015-2019 Herederos de Sergio Sangiorgi [vendida, Christie’s, Nueva York, Piezas maestras en Miniatura: Antiguas Gemas Grabadas Anteriormente en la Colección G. Sangiorgi, 29 de abril de 2019, lote 30, al Museo J. Paul Getty.]
En la actualidad se encuentra en el Museo J. Paul Getty, Colección Villa, Malibu, California; Declaración de derechos: Sin derechos de autor – Estados Unidos
Los romanos fueron expertos en el tallado de gemas que montaban posteriormente en anillos, colgantes, pendientes, era común entre los soldados entregar a la familia una gema tallada con su rostro por si no volvían de la guerra para que se pudieran acordar de ellos.
Fuentes
https://www.getty.edu/art/collection/objects/336770/unknown-maker-intaglio-with-scene-of-aeneas-and-his-family-escaping-from-troy-roman-about-20-bc/?dz=0.5000,0.5273,0.53
https://mymodernmet.com/es/historia-camafeos/
https://www.instagram.com/lizworks/
De Puebla, México, estudió la licenciatura en Historia, su marca “Tania Marzuca, Joyería de Autor”, fusiona sus pasiones: Historia, Creatividad y Sustentabilidad; piensa y crea joyas de plata modernas con un toque del pasado, cada pieza narra un trocito del tejido del tiempo y el espacio.
Joyas de Autor únicas y sustentables, la exclusividad de piezas irrepetibles, que están cargadas de armonía, elegancia, significado y estilo.
Su Joyería está hecha con Arcilla de Plata, es una de las pioneras en el país en diseñar, trabajar y enseñar con este material desde 2012.
Su trabajo ha sido expuesto múltiples veces en el Teatro Metropolitano de Tokio.
Expone su trabajo en el Museo Franz Mayer de la Ciudad de México en la Exposición de Art Clay dentro del marco del Abierto Mexicano de Diseño.
Semifinalista de Muestra de Moda Mexicana Barcelona y del concurso Barroco XXI de la Universidad Iberoamericana.
Recibe el reconocimiento por ser una mujer líder con sentido humano que otorga la Universidad de Oriente de Puebla a mujeres destacadas
Su trabajo ha sido publicado en diversas revistas
Para conocer más de Tania:
https://www.taniamarzuca.com.mx
Instagram @taniamarzuca
Facebook https://web.facebook.com/taniamarzuca
Tania Marzuca está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
PAOLA DUQUE
- Pectoral Quimbaya, período medio año 1 a 700 D.C.
Este gran pectoral con forma de hombre jaguar, fue encontrado en Carcalá, Quindio, Colombia, y actualmente se encuentra en el Museo del Oro del Colombia (Número O06029). Elaborado por un experimentado orfebre mediante la técnica de la fundición a la cera perdida en una tumbaga –aleación de oro y cobre– de color rojizo debido a su alto contenido de cobre. Los diseños calados en el cuerpo y el tocado de la figura fueron finamente recortados en la cera antes del vaciado.
La pieza muestra una imponente figura antropomozoomorfa con las extremidades desplegadas lateralmente, de estilo esquemático, que se destaca por su simetría, formas rectilíneas y equilibrio de las proporciones. Personifica probablemente un hombre-jaguar, según lo sugieren los calados en el cuerpo que parecieran simular las manchas de la piel, la boca prominente exhibiendo los dientes y la postura abierta del cuerpo como si estuviera echado sobre su vientre. El rostro, de aire humano, presenta dos bandas longitudinales de pintura facial que atraviesan los ojos.
La filiación cultural de este pectoral ha sido siempre problemática para los arqueólogos, pues en él se combinan tanto elementos de la orfebrería del estilo Tolima del valle medio del Magdalena como de la Quimbaya del periodo Temprano del Cauca Medio. La forma de la figura es claramente del primer estilo, mientras la tecnología de elaboración remite a la segunda. La pieza fue encontrada a comienzos del siglo XX, por buscadores de tesoros, en una tumba de un cementerio de élite en las montañas del Quindío sobre la Cordillera Central colombiana, en la región del Cauca medio.
La cultura Quimbaya comienza su historia en el 500 A.C y se prolonga hasta el 1600 D.C. Pasando por tres periodos diferenciados, el período temprano o clásico, medio y tardío a lo largo de los cuales desarrollaron una gran cantidad de piezas de orfebrería.
Fuentes:
* https://artsandculture.google.com/asset/pectoral-en-forma-de-hombre-jaguar-magdalena-medio-tolima-per%C3%ADodo-medio/IgEwXvGh2U882A?hl=es
https://enciclopedia.banrepcultural.org/index.php/Quimbaya
https://www.caracteristicas.co/cultura-quimbaya/
Emprendedora, creativa, artesana sostenible y llena de sensibilidad; Nació en Colombia (en una de las zonas Quimbayas de mayor intensidad orfebre desde 600 años a.C), y residiendo en España desde 2008.
Estudió Ingeniería de Diseño de Producto con énfasis en Eco Diseño, aprendizaje que aplica desde 2015 en su taller de joyería artesanal en Las Palmas de Gran Canaria, donde además de desarrollar su propia firma, enseña a otros el oficio.
Ha participado en diferentes exposiciones y pasarelas locales, nacionales e internacionales, ha ayudado a impulsar asociaciones de joyeros y actualmente desarrollando el proyecto hagamosjoyas.com y fundando la Asociación Internacional de Joyas Sostenibles.
La pieza elegida es un pectoral en forma de hombre jaguar, realizado con vaciado a la cera perdida. Fue encontrado a comienzos del siglo XX, en una tumba de un cementerio de élite en las montañas del Quindío sobre la Cordillera Central colombiana, en la región del Cauca medio.
La propuesta es crear un pectoral con una interpretación personal del diseño original y la cultura, mezclando técnicas de ayer y hoy desde la sostenibilidad.
Para conocer más de Paola:
www.paoladuque.com
Instagram @paoladuquejewellery
Portal de joyería y emprendimiento: @hagamosjoyas / com
Asociación internacional de joyas sostenibles: @joyassostenibles / org
Paola Duque está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
MELANIELANDOVA JOYAS
- Pendientes Crótalos, romanos Siglo III – IV D.C.
- Pendiente tipo Crotalia, hecho en oro, perlas, granates y vidrio. Era utilizado por las mujeres de la antigua Roma. Siglo III-IV D.C. Se encuentran en un excepcional estado de conservación. Su estructura se divide en tres partes, que se confifura con un rosetón de trabajo calado, lobulado al exterior, con perla central y seis granates en posición radiada, con descubiertos del peltas en los huecos libres. El segundo cuerpo es horizontal, de nuevo con estructura calada, del que penden cuatro cuerpos sujetos a una argolla soldada. Se trata de sendas piezas simétricas, con engaste lonsange de granate y perla ensartada al final.
- Esta tipología de pendientes era bien conocida en Roma, denominados «crótalos»-crotalia- por el ruido que hacían los vástagos finales similar al que reproducia este instrumento musical. Así dice Plinio en su Historia Natural al hablar de las perlas «Es un honor para las mujeres llevarlas en los dedos o bien por parejas o por tríos en las orejas ….ya que cuando las llevan así, les llaman crótalos, como si se regodearan incluso por el mismo entrechocar y sonar de las perlas» (Libro IX, 114).
- La pareja de crótalos ingresaron en el Museo Romano de Mérida, España, en 2001, tras la compra por el Estado de la colección privada de Luis Quirós, conformada por interesantes piezas arqueológicas procedentes del solar emeritense.
Fuentes
Bajo la dirección de su fundadora y diseñadora, Carmen Landa, MelanieLandová Joyas nace de una ilusión artística en búsqueda de la difusión de la orfebrería como forma de arte. La elegancia, lo inigualable y lo atrevido fueron los componentes que llevaron a Carmen Landa a introducirse en el mundo de la joyería. Fue en Caracas, Venezuela que este orfebre decide incursionar en esta forma de arte, descubriendo que sus ilimitadas oportunidades y magnifica creatividad serían la combinación para cumplir su sueño: hacer orfebrería para realzar la belleza de quien las luciese. Siguiendo los pasos de su madre, Melanie Landová, quien comparte su pasión por las joyas, se incorpora a la marca y destaca creando diseños nuevos para la marca. MelanieLandová Joyas realiza sus piezas utilizando metales como el oro y la plata, y piedras preciosas y semipreciosas. Juntas, madre e hija, incursionan en el diseño abstracto y paradójico que caracterizan cada una de las joyas de esta marca familiar.
Para conocer más:
https://www.instagram.com/melanielandova/?hl=en
MelanieLandova Joyas está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
JESÚS VÁZQUEZ PAVÓN
- Anillo Arquitectónico Merovingio. Mediados siglo VI D. C.
Anillo hallado en una excavación arqueológica en el norte de Francia. Perteneciente a la dinastía Merovingia. Fue una familia de estirpe germánica que gobernó la actual Francia, Bélgica, una parte de Alemania y de Suiza, desde mediados del siglo V hasta el año 751, cuando el último rey Merovingio Childerico III fue destituido por Pipino el Breve, de la dinastía carolingia.
Está realizado en oro y granate. La elección de esta piedra no es casualidad. El granate es la gema usada por excelencia en la dinastía Merovingia.
Este tipo de anillos arquitectónicos, tienen formas muy similares a los primeros baptisterios medievales. Con estas joyas las mujeres merovingias querían mostrar que se habían convertido al cristianismo. Buscaban imitar el lugar donde habían sido bautizadas. Aunque ninguno de ellos llevaba una inscripción o un motivo claramente cristiano como suelen ser las cruces, los peces o las aves, muchos autores consideran que sí tenían la función de subrayar la adhesión a esta religión.
Actualmente se encuentra expuesto en “The Metropolitan Museum of Art” de Nueva York.
Origen: Francia.
Fecha: Segunda mitad del siglo VI dC.
Material: Oro y granate.
Museo: The Metropolitan Museum of Art, New York.
Imagen: Richard Goodbody, Inc.
Jesús Vázquez comenzó su andadura en el mundo de la joyería en 2007 como estudiante en la Escuela de Arte de Sevilla. Posteriormente continuó sus estudios en la Escuela de Arte de Córdoba y en el Consorcio Escuela de Joyería.
En 2009 creó su marca de joyería “Vazón” y comenzó a presentarse a diferentes concursos de diseño, obteniendo varios primeros premios.
Primer premio Joyacor 2009, 2011 Y 2012.
Primer premio concurso «San Eloy» 2009 y 2010.
Primer premio emprendedores «La Caixa + La Ceca».
Finalista en Portojoia design 2010 y 2013, Oporto.
Finalista 25 concurso internacional de diseño de joyería, organizado por la Cámara de Joyería de México.
Finalista primer concurso internacional de diseño de joyería «Nuevos valores», organizado por la asociación de joyeros de Córdoba.
Medalla de San Eloy, patrón de los joyeros. Entregada por la asociación de plateros y relojeros de Córdoba, Diciembre 2013.
También ha participado en diferentes exposiciones sectoriales como Joyacor, Bisutex, Spajoia e Iberjoya.
Desde 2019 es maestro de taller de orfebrería y platería de la Escuela de Artes de Sevilla.
Para conocer más a Jesús:
Jesús Vázquez Pavón está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
SOFÍA BETECH TAWIL
- Brazalete Bizantino S.VI -VIII D.C.
Brazalete del Periodo Bizantino. – Elaborado entre el 500–700 DC
Realizado probablemente en Constantinopla
Los materiales del brazalete son Oro, plata, perla, amatista, zafiro, ópalo, vidrio, cuarzo,esmeralda
Dimensiones:
Total: 1 7/16 x 3 1/4 pulg. (3,7 x 8,2 cm)
Correa: 15/16 x 7 7/8 pulg. (2,4 x 20 cm)
Bisel: 1 5/16 pulg. (3,4 cm)
Se encuentra en el Museo Metropolitano de NY (cat. 17.190.1670).
Esta pulsera elaboradamente decorada tiene exteriores ricamente enjoyados y patrones opus interrasiles finamente detallados en sus interiores. La luminosa belleza de las perlas era muy apreciada en el mundo bizantino.
La Orfebrería Bizantina conservó las tradicionales técnicas y estilos romanos, y a partir de allí se implementaron nuevas técnicas, marcando una gran influencia en la Edad Media.
Fuentes:
www.metropolitanmuseum.org/art
Sofía Betech Tawil, es orfebre y diseñadora de joyas desde hace 16 años.
Ha realizado gran parte de sus estudios con la profesora Lilo Palma en Academia de Orfebres Interlomas, en la Cd de México.
Apasionada de los materiales nobles prefiere para sus creaciones el trabajo con oro, plata y gemas naturales. En cada pieza plasma los sentimientos y las sensaciones que le transmiten estos materiales.
La mayoría de sis piezas son únicas ya que los sentimientos son únicos e irrepetibles.
Para conocer más de Sofía:
Sofia Betech Tawil está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
LISI FRACCHIA
- La Corona de Recesvinto, arte visigodo s.VII D.C.
La corona de Recesvinto es una obra de orfebrería visigoda del siglo VII mandada a realizar por el rey Recesvinto. Fue confeccionada por el taller de la Corte de Toledo y en su realización se empleó oro, granates, zafiros y perlas. Se emplea la técnica de granatesincrustados, que fue la preferida por los pueblos germánicos. Las letras de la corona están ejecutadas con alvéolos de oro donde se han incrustado granates tallados en el hueco. En la corona votiva de Recesvinto, estas letras colgantes dicen en latín lo siguiente: RECCESVINTVS REX OFFERET (El rey Recesvinto la ofreció). El estudio gemológico de Juan S. Cozar y Cristina Sapalski reveló que contiene 243 zafiros azules, cuyas características los hacen procedentes de la antigua Ceilán, hoy Sri Lanka, 3 cordieritasazules o iolitas, 14 esmeraldas, 1aguamarina, 2adulariaso piedras de luna, 21 cuarzos amatista, 9 cuarzos hialinos, 6 calcedonias azuladas, 169 perlas, 154 piezas de nácar, 56 vidrios artificiales verdes, 26 vidrios artificiales azules, 2 pardo-anaranjados, 26 de color indefinido, 1 rojo y muchas piezas diminutas de granate piropo-almandino. Dimensiones: 20,6 x 20,6 x 80cm.
Forma parte del llamado tesoro de Guarrazar descubierto en 1858 en la localidad de Guadamur, provincia de Toledo, España y se encuentra expuesta en el Museo Arqueológico Nacional (España)
Fuentes:
http://www.man.es/man/coleccion/catalogo-cronologico/edad-media/guarrazar.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Corona_de_Recesvinto
Diseñadora de Joyas y Perito en Gemas.
Desde siempre me gustó coleccionar gemas y aunque no sabía muy bien porqué siempre traía esos “extraños souvenirs” de mis viajes. Así que cuando nos trasladamos a vivir a España inicié mis estudios de Gemología, casi por casualidad. Sin embargo, poco a poco se sumarían una serie de situaciones que irían cobrando un sentido especial y que traerían como resultado uno de los acontecimientos más importantes de mi vida: descubrir mi verdadera vocación.
Después de estudiar Pericia en Gemas en ADesign Rio de Janeiro y capacitarme en el Instituto Gemológico Español, estudié orfebrería, con los mejores expertos.
Así comenzó la aventura: Diseñé mis primeras colecciones de joyas inspiradas en mis viajes, personas, paisajes, el arte … Y siempre con el máximo respeto al trabajo artesanal cuidado y minucioso. Utilizando metales nobles y gemas poco usadas en la joyería tradicional.
Poco a poco llegaron importantes Reconocimientos:
- Premio Iberdesigner, Iberjoya ( 2014)
- Premio Nacional a la Moda y a la Excelencia Empresarial PRENAMO ( 2019)
- Premio internacional CIDAP Latinoamérica ( 2019)
- Premio In Flux, Milán (2019)
- Premio Orion Star Awards, Londres (2020)
- Premio Miss Talento Argentina (2020)
Las oportunidades se siguieron incrementando y surgieron poco a poco grandes Exposiciones y Eventos Internacionales en los que presenté mis colecciones: Madrid Joya, Vicenza Oro, International Fashion Weeks, ExpoGema, Joia Brasil entre otras. Y, como reconocimiento a mi trabajo, las innumerables menciones en Prensa que fueron ayudando a dar visibilidad a la marca,entre las que destacan: Gold &Time ,Vogue, Hola Gemmolgy Today, Harpers Bazaar, ABC,Vanitatis , Hello, Vanity Fair entre otras. Esto recién empieza!!!
Para conocer más de Lisi
www.lisifracchia.com
Instagram @lisifracchia
Facebook @lisifracchiajoyas
Lisi Fracchia está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la webLisi Fracchia
MARÍA BRINGAS
- K’inich Janaab’ Pakal 615 – 683 D.C. (s.VII)
- K’inich Janaab’ Pakal, dirigió la ciudad de Palenque, en Chiapas, entre 615 y 683 d.C. Máscara de mosaico elaborada en jade, concha y obsidiana. Formaba parte del ajuar funerario del gobernante de Palenque. Palenque fue junto con Tikal y Calakmul una de las ciudades más poderosas del Clásico Maya, sede de una de las dinastías más notables a la que pertenece Pakal, cuya tumba fue descubierta en 1952 por el arqueólogo Alberto Ruz L’Huillier
- La máscara muestra rasgos de un personaje joven con deformación craneal e incisivos limados en forma de T o “ik” . Representa al dios Joven del Maíz, a quien se relaciona con los gobernantes como metáfora del sustento y bienestar para la comunidad, pero también como promesa de su renacimiento. La máscara está integrada por cerca de 340 teselas de jadeíta, mientras que los ojos son aplicaciones de concha y obsidiana.
- Actualmente la pieza se encuentra en el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México.
- La fotografía mostrada es propia realizada en el propio Museo.
Fuentes
https://www.inah.gob.mx/zonas/163-zona-arqueologica-palenque
https://www.inah.gob.mx/foto-del-dia/6014-foto-del-dia-mascara-de-pakal
Comencé a trabajar con metales en la escuela de Lilo Palma y desde entonces vivo en una búsqueda constante, creando piezas atemporales que puedan ser llevadas con elegancia y sencillez.
Me gusta contar historias a través de mis piezas y en los viajes encuentro inspiración para cada colección que hago, buscando la combinación de piedras y metales con texturas y colores.
He participado en varias exhibiciones en México, Panamá, Ecuador, y recientemente en España.
Además de hacer trabajos por encargo, tengo cinco colecciones actualmente:
Links, Floating Flowers, Naica, Coco i Mel, Presente y Pasado
En Instagram:
https://www.instagram.com/maria_bringas_orfebreria
María Bringas está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
HELENCA MARTÍNEZ
- Broche de Tara 720 D.C. (s.VIII)
- Broche de Tara es la denominación historiográfica de un broche de estilo hiberno-sajón datado en torno al año 720 DC y considerado como una de las más importantes piezas halladas de la cultura celta irlandesa. Tiene una longitud de 22 cm, pesa 224 gramos, realizado en plata dorada, cobre, oro, ámbar y cristal. Se encuentra expuesto de forma permanente en el Museo Nacional de Irlanda de Dublín.
- El broche fue hallado por una campesina en agosto del año 1850 en la playa de Bettystown (cercana a la localidad de Laytown, Condado de Meath). Lo vendió a un anticuario que pasó a denominarlo «Broche de Tara», debido a que a unos 29 kilómetros del lugar en donde fue hallado se asienta el importante sitio arqueológico llamado Colina de Tara, centro muy importante para numerosas culturas de la antigüedad en Irlanda.
- El broche fue encargado casi con toda seguridad por un personaje de clase alta, con una función más ostentatoria que no la habitual de unir la ropa.
- Bibliografía
https://es.wikipedia.org/wiki/Broche_de_Tara
https://www.museum.ie/en-ie/home
Helenca Martínez Pizarro ( 7 de junio de 1989) es una diseñadora y artífice joyero que en 2011 abrió una tienda-taller de joyería de autor en el pueblo que la vio crecer, inicialmente en su tienda llamada Helenka Joyas sólo comercializaba joyería de autor pero con el paso del tiempo empezó crear y vender joyería más comercial además de complementos de fiesta como Tocados, es en 2020 durante el confinamiento cuando decide volver a sus inicios y crear una nueva colección con estilo propio llamada Abróchame, en Abróchame Helenca crea broches de plata de estilo vanguardista con gemas y texturas diferentes volviendo a crear piezas de autor únicas.
En la actualidad sigue formándose en su profesión realizando diferentes cursos, actualmente está cursando el Máster Perito Tasador de Arte, Joyas y Antigüedades avalado por la Universidad de Nebrija.
https://www.linkedin.com/in/helenca-martADnez-b406486b/
https://www.facebook.com/HelenkaJoyas
En Instagram @helenkajoyas @tocadoshelenka @abrochame
Puedes encontrar más información en su web www.helenkajoyas.es
Helenca está trabajando en la reinterpretación de su Broche de Tara en cuanto este terminado lo subiremos a la web.
GIGI MIZRAHI
- Joyas Rey Kan-Xul Panel Maya – Chiapas 722
La estela está hecha en bajo relieve y podemos ver al rey Kan-Xul, adornado con varias piezas de joyería muy interesantes como el tocado, los pendientes y el pectoral, que además de ser ornamentos, las usaba para aparentar ser un Dios y tomar de ellas la energía celestial para gobernar a su pueblo.
Panel o “estela maya”, que es parte de la colección del Museo Dumbarton Oaks en Washington DC., un Instituto de investigación de Harvard, creado por Robert y Mildred Bliss, coleccionistas de arte principalmente Bizantino y Maya. Se encontró en Palenque, Chiapas, México, y se calcula que es del Año 722, período clásico tardío.
La cultura Maya, fue una civilización muy avanzada culturalmente, que inventó un sistema complejo de escritura, desarrolló conocimiento propio en materia artística, arquitectónica, astronómica y ecológica y hasta se le atribuye la invención del cero. Fueron un conjunto de pueblos precolombinos, que gobernaron Mesoamérica (Sur de Mexico, Belice, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua y Costa Rica), por 18 siglos, desde el Preclásico 2000 a.C. hasta la conquista de América. Sus símbolos son apasionantes y han sido una fuente de inspiración para muchos creadores fortaleciendo y manteniendo la identidad mexicana.
Fuentes:
https://images.app.goo.gl/nctJB3mVqUuoohRv5
https://pueblosoriginarios.com/biografias/palenque_13.html
Libro “The blood of kings, Dinasty and Ritual in Mayan Art” escrito por Linda Schele y Mary Ellen Miller, editado por George Braziller, Inc.,New York en asociación con el Kimbell Art Museum, Fort Worth
Nacida en la Ciudad de Mexico, Gigi Mizrahi inició su trayectoria como diseñadora de joyería y a través de los años se ha desarrollado como docente, ceramista, escultora, creadora de libros de autor, pintora y fotógrafa. Con prestigio y experiencia cuenta con 30 años de presencia en el mercado y sus trabajos has sido expuestos en diferentes Estados de la República mexicana, Estados Unidos, Europa y China. Se caracteriza por mostrar en sus diseños el orgullo que siente por la cultura mexicana y su recorrido por el mundo. Es admiradora fiel de los múltiples contrastes y de la riqueza de su país y al mismo tiempo es una viajera incansable, que se nutre con todo lo que va descubriendo.
Es una artista que ha explorado diversos ámbitos y que se ha destacado por su creatividad, innovación y compromiso dentro de cada uno de los proyectos en los que ha estado involucrada.
Para conocer más de Gigi:
Instagram @ gigimizrahiwork
Gigi Mizrahi está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
LILO PALMA
- El Talisman de Carlo Magno – 800-814 D.C (S.IX)
El Talismán de Carlomagno
Año 800-814 D.C.
Perteneciente a la Joyería del imperio Carolingio
La Pieza está realizada en oro con 23 perlas, 8 esmeraldas, 8 Granates, 3 amatistas y 5 zafiros. Contiene un trocito de la Santa Espina. Fue encontrado en el cuerpo de Carlomagno en 1166, cuando exhumaron su cuerpo. Esta guardado desde 1919 en el Palacio de Tus, cerca de REIMS.
Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Orfebrer%C3%ADa_carolingia
http://historiadelajoyeria.blogspot.com/2017/10/joyeria-del-imperio-carolingio.html
https://es.qaz.wiki/wiki/Talisman_of_Charlemagne
Nacida en Alemania, reside desde hace más de 23 años en ciudad de México.
Formada en la escuela de orfebres de Pforzheim / Alemania.
Enfocada principalmente a la enseñanza de este oficio. Fue maestra de catedra en el TEC de Monterrey campus Santa Fe y dirige desde hace 15 años la academia de orfebres en Interlomas.
Como orfebre realiza piezas únicas y pequeñas colecciones inspiradas en las diferentes técnicas y especialidades del oficio, dando a sus piezas un giro moderno y contemporáneo.
Trabaja oro, plata y platino siempre con gemas naturales.
Ha participado en diversas exposiciones y concursos, ha sido jurado en concursos de Joyería y ha aparecido en publicaciones de revistas y periódicos.
Para conocer más de Lilo Palma
http://www.lilopalmaatelier.com
Instagram @Lilopalmaatelier
Lilo Palma está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
BELLA ATTIE SUTTON
- Broche Otoniano S.X-XI D.C.
Broche Otoniano
Fecha: 970-1030 ac
Lugar: Probablemente del Norte de Italia
Descripción: Broche con la forma de estrella es decorado con formas arquitectónicas en miniatura hecho con oro fino, filigrana y granulación.
Además del oro tiene perlas, cristal y esmalte.
La dinastía sajona u otoniana fue una familia nobiliaria de Alemania (Germania) durante los siglos IX-XI, algunos de cuyos miembros fueron reyes de Alemania y emperadores. Son llamados otónidas por los tres emperadores llamados Otón, y «dinastía sajona» porque sus inicios empiezan en las tierras de Sajonia. También se denominan Liudolfinger, por su origen familiar, al ser descendientes del caudillo sajón Liudolfo.
El arte otoniano es un estilo en el arte prerrománico germano, que abarca también algunas obras de los Países Bajos, el norte de Italia y el este de Francia. Fue nombrado por el historiador de arte Hubert Janitschek por la dinastía otoniana que gobernó Alemania y el norte de Italia entre 919 y 1024, bajo los reyes Enrique I el Pajarero, Otón I, Otón II, Otón III y Enrique II.
Exhibido en el Metropolitan Museum of New York.
Accession Number: 17.191.7
Fuentes:
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/465119
https://es.wikipedia.org/wiki/Dinast%C3%ADa_sajona
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_otoniano
Comienza estudios de Diseño Gráfico en los años 1983-1987 sin concluirlos para después estudiar Antropología en la Universidad Hebraica donde se titula con su tesis «La Migración Judía a México de 1900 a 1950» donde posteriormente realiza un interactivo sobre el mismo tema publicado en el 2005.
Amante de las artes y las manualidades, desde 2011 entra al taller «Academia de Orfebres» de Lilo Palma. Donde ha trabajado la plata y el oro con diversas técnicas.
Para conocer más de Bella:
Bella Attie Sutton está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
DORI FERNÁNDEZ NÚÑEZ
- Reloj Anular – S. XI
El reloj anular es un tipo de reloj de sol fundamentado en la medida del tiempo por la evolución de la altura del sol. Es conocido como reloj «anular» o benedictino y fue creado por un monje de esa orden en el siglo XI. A él se atribuye el primer reloj anular solar. Se trata de un reloj solar portátil por su reducido tamaño, tiene forma externa de anillo con una pequeña argolla que permite ser suspendido y orientarse directamente al sol. Este tipo de instrumentos se construye en metal. La escala horaria de este reloj se encuentra en el intradós del anillo que al orientarse al sol un pequeño orificio permite iluminar un diminuto punto luminoso sobre dicha escala, indicando la hora. Fue un instrumento muy popular en los siglos XVII y XVIII siendo elaborado por muchos constructores de instrumentos científicos. Según cuentan los joyeros actuales, en 1152 Leonor de Aquitania regaló un reloj anular al Rey Enrique II de Inglaterra, el anillo tenía incrustaciones de diamantes y llevaba la inscripción «carpe diem».
Se encuentra en el museo naval de Madrid y otros ejemplares en museos como el Royal Museum Greenwich o el British Museum.
Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Reloj_anular
http://www.noal.es/index244.htm
MANUAL para construir toda especie de RELOJES DE SOL D.J. DE ARFE. EDICIÓN FACSÍMIL Editorial MAXTOR
Diseñadora de joyas, comienza sis estudios en escuela de arte Dionisio Ortiz, Córdoba donde se forma como Técnico Superior de Diseño de Platería y Orfebrería Artística.
Continua con sus estudios en el consorcio escuela de joyería, Córdoba donde se forma en Producción Industrial de Joyería y Desarrollo de Productos de Joyería.
Apasionada de las artes, siempre en búsqueda constante de nuevas ideas, su
inspiración es la naturaleza, combinando las nuevas tecnologías con el trabajo artesanal.
Actualmente se dedica a la gran labor del cuidado de sus hijos y la joyería
para es su zona de escape, su hobby. Muy ilusionada con nuevos retos.
Para conocer más de Dori:
Dori Fernández Núñez está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
CARMELA MAELLAS
- Astrolabio planisférico S. XIII
La palabra astrolabio procede etimológicamente del griego y puede traducirse como «buscador de estrellas»
Este astrolabio pertenece a la colección de los Medici, realizado en cobre dorado y plata, con un diametro de 98 mm. En la actualidad se encuentra en el Museo Galileo.
Es un antiguo instrumento que permite determinar la posición y altura de una estrella y así se deduce la hora y la latitud en la que te encuentras. El astrolabio sólo sirve para una latitud en concreto.
Los orígenes del astrolabio están envueltos en un misterio, se cree según escribió Hiparco en el siglo II a. C. y parece que el instrumento era ya conocido en el siglo I d. C.Se atribuye la invención del instrumento al renombrado astrónomo Ptolomeo (siglo II d.C.) quien, al montar en un burro y meditar sobre su globo celeste, dejó caer el globo. La bestia lo pisó y el resultado fue la esfera celeste en dos dimensiones.
Este pequeño astrolabio se compone de tres tímpanos: dos son para las latitudes 41 ° / 42 ° y 43 ° / 44 ° (correspondientes a las regiones entre Castilla y Provenza); el tercero no está graduado. Hay una rete y una alidade. La rete tiene veintidós tachuelas de plata que representan las estrellas fijas. La extremidad del cuerpo se divide en 360 °. En el punto de conexión que coincide a los 115 ° hay una grieta que se extiende a lo largo de la parte posterior. Los números y las palabras están grabados con caracteres góticos. Aunque no se sabe la fecha de creación del instrumento sugieren que data del siglo XIII.
Partes:
– Alidade ( La pequeña varilla giratoria )-
Espalda ( Lado del astrolabio planisférico opuesto al hueco de la madre, tímpano y rete. En su centro se articula la alidada , cuyo borde se desliza sobre un juego de escalas circulares graduadas grabadas en la materia.)
– Extremidad (Borde elevado de la materia del astrolabio, teniendo una escala dividida en 360 °. La extremidad es la referencia contra la que se gira la rete en el proceso de cálculo para que el astrolabio planisférico simule la apariencia del cielo en un día determinado a una hora específica. A la inversa, la extremidad se puede configurar a partir de la observación de la altitud de un cuerpo celeste en el horizonte. En ese caso, la extremidad indicará un ángulo que, gracias a la escala horaria del dorso, se puede convertir en la hora del día o de la noche.)
– Mater ( Cuerpo del astrolabio planisférico (o astrolabio universal ). Es una placa circular delgada, con un agujero en el centro. Tiene un borde más grueso, elevado y graduado, llamado extremidad . El hueco de la madre sostiene el tímpano y la rete giratoria. La parte superior de la madre lleva un anillo articulado, llamado trono . Al deslizar el pulgar en el anillo, se eleva el instrumento de modo que su peso y diseño simétrico lo mantenga perpendicular al suelo. En el dorso de la mater están grabadas varias escamas circulares, entre las que merecen mención las siguientes:
– Escala graduada. Dividido en 360 ° con una subdivisión en cuatro cuadrantes de 90 °. Indica la distancia cenital o la altitud del cuerpo celeste al que se dirige la alidada;
– Escala de calendario. Dividido en meses y días; a veces combinado con un calendario zodiacal correspondiente, subdividido en 12 signos de 30 ° cada uno. Determina la posición del Sol en la eclíptica en el día seleccionado;
– Escala horaria, dividida en veinticuatro horas iguales (o equinocciales).
En los astrolabios planisféricos utilizados para la agrimensura, la parte posterior del mater también lleva el cuadrado de sombra .)
– Rete ( La rete (del latín aràneam = telaraña) es la parte más característica del astrolabio planisférico )- tímpano ( Placa fina de latón insertada en la materia del astrolabio planisférico. Lleva la cuadrícula de coordenadas altazimutales mostradas en proyección estereográfica polar para la latitud de la localidad de observación específica.).
-Fondo: – Estrellas fijas – latitud
Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Astrolabio
https://catalogue.museogalileo.it/object/PlaneAstrolabe_n04.html
https://www.omnia.ie/index.php?navigation_function=2&navigation_item=2Furn_imss_image_017824&repid=1
https://catalogue.museogalileo.it/gallery/PlaneAstrolabeInv1107.html
Carmela Maellas, nacida en Madrid. Su carrera profesional ha estado centrada en los medios audiovisuales y del espectáculo. El trabajo que ha realizado siempre ha sido como maquilladora y peluquera especializada en caracterización de personajes de época. Ha participado en producciones nacionales e internacionales en las que he podido disfrutar de las celebridades del mundo del cine, teatro, zarzuela, ópera etc….
Por circunstancias de la vida le han llevado a comenzar un nuevo camino. Amante de la orfebrería, comienza a formarse en esta nueva faceta y se decide a estudiar el grado superior de diseño de joyas, algo que siempre había deseado. La admiración que siente por la orfebrería a través de la historia hacen que se sienta más que orgullosa de participar en este proyecto, haciendo de este sueño una realidad.
Para conocer más de Carmela:
https://cmaellas.wixsite.com/makeup
Instagram @carmelamaellas
Carmela Maellas está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
MARY ANNE UNDERWOOD
- Pectoral de Yanhuitlan – 1200-1521 D.C. (S.XIII-XVI)
Parte del tesoro de la tumba #7 del centro ceremonial Monte Alban, Oaxaca MEXICO descubierto en 1932 por el arqueólogo Alfonso Caso.
Fundido en oro con la técnica de cera perdida. Con incrustaciones de teselas de turquesa. Mide 7.7cm de alto, 8.3cm de ancho y pesa 46 gr. Se le atribuye al pueblo viejo de Yanhuitlan, Oaxaca Posclasico tardío (1200-1521 d.C.)
Actualmente en el Museo Nacional de Antropología.
El pectoral muestra al centro la alternancia del oro y la turquesa para formar las grecas del colgante, que representa un escudo militar a escala menor, tenían un alto valor simbólico, el oro el divino desecho del sol y la piedra el cielo y el agua. Del escudo penden once cascabeles en su parte inferior, a los costados se distinguen cuatro flechas atravesadas señalando el carácter bélico de la pieza.
Esta pieza recibió una distinción especial al ser elegida por el presidente de Mexico Miguel Alemán Valdés en 1947 como regalo de bodas a la entonces princesa Isabel II de Inglaterra (una reproducción).
Y también fue una de las más de cien piezas del botín del robo del siglo al Museo Nacional de Antropología en 1985. Siendo recuperada cuatro años después sin daño alguno.
La fotografía es del libro MIXTECOS Nuu Dzahui Señores de la lluvia SHCP 2018 autores varios.
Libro publicado para la exhibición del mismo nombre que se presentó en la Galería de Palacio Nacional de México en 2018.
Fuentes:
https://www.lifeder.com/arte-mixteca/
https://www.laopinion.net/asi-fue-el-robo-al-museo-nacional-de-antropologia/
Mary Anne Underwood, nacida en Estados Unidos y hecha en México, con mis bases en diseño industrial y decoración de interiores. Siempre inmersa en diferentes manualidades desde textiles, cerámica y pintura dando con ello expresión a mi creatividad. Es así como en 2010 llego al mundo de la Orfebrería, y con el privilegio de aprender de varias maestras y maestros en México y Estados Unidos voy desarrollando mi estilo propio que sigue enriqueciéndose con cada nueva técnica, material y proceso. Mi enfoque es en joya de autor, piezas únicas o series limitadas, dándome así la libertad de darle prioridad a mi interés principal que es el diseño de nuevas colecciones.
Llego a esta convocatoria por invitación de Maria Bringas, y sería un honor participar en el proyecto Denisova, interesantísimo descubrimiento que no conocía hasta ahora. Una forma muy innovadora de resaltar piezas importantes de la historia de la joyería mundial y reinterpretarlas hoy.
Instagram: @mary.anne.underwood
Mary Anne Underwood está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
CLAUDIA ROA
- Pectoral de Ichcatiopan 1200 – 1519 D.C
Ichcatiopan, Guerrero, México
Estilo Mixteco o Azteca
Fabricado en Oro y Jade
Medidas generales: 8.0 x 7.2 cms.
Este inusual pectoral comprende una pieza de jade tallado en forma de sección transversal de una concha espiralada (caracol) , enmarcado por un delicado trabajo en oro con pequeños cascabeles colgantes. El símbolo de la caracola cortada y que representa la joya del viento usada como pectoral, fue una joya usada por el Dios Quetzalcóatl (Serpiente emplumada), nombre náhuatl del dios de los vientos y la lluvia y el creador del mundo y la humanidad.
Esta joya pudo haber sido usada por un sacerdote o por algún personaje representante de Quetzalcóatl durante alguna ceremonia.
El pectoral pudo haber sido encontrado junto con un juego de ornamentos de oreja fabricados en obsidiana (1990.191)
Regalo de James C. Gruener en memoria de su esposa, Florence Crowell Gruener 1983.190
Conocidos por su exquisito trabajo manual, este pectoral es un raro ejemplo del trabajo de piezas en oro de la cultura Mixteca, destruidas en su mayoría durante la conquista española a México.
En la actualidad se encuentra expuesto en The Cleveland Museum of Art, Cleveland, OH
HISTORIAL DE EXPOSICIÓN
?-1966 (André Emmerich, Inc., New York, NY, 1966, sold to James C. and Florence C. Gruener)
1966-1983 James C. Gruener [1903-1990], Cleveland, OH, given to the Cleveland Museum of Art
1983- The Cleveland Museum of Art, Cleveland, OH
Fuente: clevelandart.org
Diseñadora Industrial por la Universidad Iberoamericana campus CDMX. Inició su trayectoria en joyería bajo la dirección de Leticia Llera y su gusto por esta disciplina la han llevado a estudiar en otras instituciones como la Universidad Anáhuac del Norte y CNCI de Monterrey.
Su talento artístico y profundo sentido estético, la han llevado a desarrollarse en diferentes disciplinas del diseño como el textil, el de exposiciones, salones y material pop. Su relación con las marcas alemanas asentadas en México, la llevaron a formar parte del equipo de Audi de México como responsable de R.P. y Comunicación.
Actualmente está desarrollando su firma de joyería bajo el nombre de Red Soul, Couture Jewelry MX.
Para conocer más de Claudia:
Instagram: @Redsouljewelrymx
Claudia Roa está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
MARIANA BARRANCO REYES
- Pectoral de Monte Alban 1250 – 1521 D.C.
Esta espléndida pieza de oro 1250 – 1521 d.C fue encontrada en la antigua ciudad de Monte Albán, en la actual Oaxaca, México, y sería la representación de un alto dignatario mixteco que realizó una reforma calendárica
Según los investigadores, el pectoral podría representar al Señor Lagarto. Se sabe que este personaje realizó una reforma calendárica con la que guarda relación esta joya, también conocida con el nombre de Pectoral de los Años. En los hombros hay dos cuadrados con símbolos que corresponden a dos calendarios distintos.
El tesoro de la Tumba 7 fue descubierto por el arqueólogo Alfonso Caso, en 1932, y han sido restaurados en tres oportunidades: en su hallazgo hace casi 90 años, en 1994 y actualmente, en un estudio que «engloba el estudio, registro, restauración y conservación preventiva del acervo», dice el INAH.
Estos tesoros actualmente están expuestos en la sala III, conocida como Tumba 7, del Museo de las Culturas de Oaxaca.
Fuentes:
FOTO: Oliver Santana / Raíces
Jansen, Maarten, “El oro en la Tumba 7 de Monte Albán. Contexto y significado”, Arqueología Mexicana núm. 144, pp. 51-57. https://arqueologiamexicana.mx/mexico-antiguo/comunicacion-con-los-muertos-en-la-tumba-7-de-monte-alban-oaxaca
Isabel Bueno “Pectoral del Monte Alban” , 24 de diciembre de 2018 , Revista National Geographic https://historia.nationalgeographic.com.es/a/pectoral-monte-alban_13635
https://www.mexicodesconocido.com.mx/el-descubrimiento-de-la-tumba-7-en-monte-alban.html
https://www.nialoko.org/museumofoaxaca/sala-iii-tesoro-la-tumba-7-monte-alban-1250-1521-d-c/
Creativa oaxaqueña que diseña todas sus colecciones con elementos naturales como el barro negro, jícara y madera de copal, logrando piezas únicas de gran valor artesanal.
Ha sido reconocida a nivel nacional con el Mejor Proyecto en Diseño de Joyería por el Premio Nacional de Diseño, México Diseña 2020, y la Estrella Fashion Group en 2018.
Sus creaciones hablan de México y sus raíces oaxaqueñas conservando siempre el valor por lo artesanal y con un sentido social en todo momento.
Para conocer más de Mariana:
https://www.marianabarranco.mx/
Instagram @marianabarrancomx
Facebook www.facebook.com/marianabarrancomx
Mariana Barranco Reyes está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
SAMUEL BURSTEIN
- Anillo de Boda Judío, Tesoro de Colmar S.XIV
Anillo ceremonial judío realizado en oro y esmalte con la inscripción «Mazel Tov» que significa Buena Suerte en hebreo.
Fueron los judíos en sus ceremonias matrimoniales los primeros en utilizar estos anillos arquitectónicos que representaban el templo de Salomon, que además podían incluir mensajes o incluso miniaturas de la Torá. Este tipo de anillos fueron adoptados después por los Merovingios, incluyendo por tanto dentro de la tradición cristiana el uso de estos anillos arquitectónicos para representar el lugar donde se tomaba bautismo o la boda. En el caso de los merovingios si incluyeron gemas en estos anillos siendo sobre todo granates ya que habían elegido a esta gema como representante de su reinado.
Este tipo de piezas ceremoniales se transmitían de generación en generación. Se usaban solo en la ceremonia para luego utilizar otro tipo de anillos más sencillos en la vida diaria.
De los más antiguos que se tiene constancia son los encontrados en el llamado Tesoro de Colmar (Francia), al que pertenece este anillo, y en el Tesoro de Erfurt (Alemania) que se encontraron con monedas acuñadas pertenecientes a la época donde en Europa asolaba la epidemia de peste negra que se inició en Sicilia en 1347. Se acusó a los judíos de provocar esta peste obligándolos a huir de sus casas, en esta huida enterraron sus objetos de valor pensando que pronto volverían, sin embargo no fué así, permaneciendo en este caso oculto más de 500 años en una casa de Colmar hasta que en 1867 en una renovación de la vivienda el propietario descubre entonces el ahora conocido como Tesoro de Colmar. El Museo de Cluny de Paris estuvo encargado del Tesoro hasta la segunda Guerra Mundial luego se cedieron hasta enero del 2020 al MET de Nueva York donde se presentó la colección en un espacio «The Cloister» dedicado a la Edad Media donde se han concentrado piezas de gran interés de este periodo histórico.
Fuentes:
https://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2019/colmar-treasure-medieval-jewish-legacy
Samuel Burstein es Licenciado en Diseño Gráfico por la Universidad del Nuevo Mundo (UNUM), cuenta con una amplia experiencia con mas de 28 años en el diseño de joyería fina. Da vida a un nuevo concepto en el que utiliza una selección de piedras preciosas y semipreciosas combinadas con oro, plata y platino, en sus creaciones emplea materiales de la más alta calidad como las amatistas, los citrinos, turmalinas y las perlas tahitianas; piedras y perlas naturales que emplea, que son únicas en el mundo por su color y belleza, provenientes de las entrañas de la tierra y en el diseño, se traduce en líneas elegantes y formas estéticas son por sí solos un prodigio de la naturaleza; sus diseños tienen un estilo propio que se define como “exótico, vanguardista y elegante” que buscan satisfacer los gustos más refinados. Sus creaciones exaltan los elementos naturales.
Ha trabajado como Diseñador Creativo y Director Adjunto de la marca SB Collection, y como
Diseñador Creativo y Director Adjunto de la marca Expresiones
Entre sus estudios destaca la Licenciatura en Diseño Gráfico. el Curso de Restauro de Pintura en el Instituto de Arte, Ciudad de Florencia, Italia (Julio 1992) así como seminarios muy interesantes como el Simposium Área Gris – Ciudad de México (Abril 2010), Seminario Fotográfico UNUM Campus La Herradura – Kodak Mexicana (Abril 1992), 1er. Simposum de Diseño Gráfico, Ciudad de Sallas Texas (Verano 1993)
Curso de Pintura al Óleo – Hacienda Santa Mónica (1999)
Participación en Eventos
Asociación Gilberto – destacando Tendencias de Joyería 2007 – Peñoles (Septiembre 2006)
Miami Fashion Week Of The Americas (Mayo 2006)
Fashion Week México – Hotel Camino Real (Octubre 2005)
Fashion Week México – Expo Reforma (Marzo 2005)
Exposición Las Vegas – Pabellón Mexicano (Junio 2002)
Participa en numerosas Exposiciones Colectivas y tiene en su haber importantes Reconocimientos como
Ganador 1er. Lugar Categoría Set – Tahitian Pearl Trophy México 2003
Ganador 1er. Lugar en las
Categorías Anillo, Aretes, Brazalete (Octubre 2005)
Ganador 2º Lugar Categoría Collar (Octubre 2005)
Ganador 3er Lugar Categoría Set (Octubre 2005)
Para conocer más de Samuel:
Instagram : https://instagram.com/samuelburstein
Samuel Burstein está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
CLAUDIA VEGA
- Maquizcoatl o Serpiente de dos Cabezas – 1400 – 1521 D.C. (S.XV-XVI)
La Serpiente de Dos Cabezas es un pectoral datado entre los años 1.400 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca.
Se cree que habría sido un obsequio del gobernante azteca de Tenochtitlan a Moctezuma II y es una de las obras que escogió Neil MacGregor, director del Museo Británico, para contar «Una historia del mundo en 100 objetos».
Confeccionada por los mixtecos en madera de cedro, concha de ostra espinosa y turquesa (20.3 x 43.4 x 5.9 cm), siguiendo la técnica de mosaico, adherido con resinas diferentes, la Serpiente de dos Cabezas era usada como pectoral y se cree que representaba una figura mítica y simbólica (posiblemente Quetzalcóatl), representación de la vida, y de los poderes en la tierra y en la eternidad.
Sin certeza de su significaco histórico, la Serpiente de Dos Cabezas cuenta la historia de dos culturas.
Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.
Fotografía: https://mas-mexico.com.mx/maquizcoatl-la-serpiente-de-dos-cabezas-de-la-cultura-mexica/
Referencias bibliográficas: A History of the World in 100 Objects, Neil MacGregor, Kindle Edition
http://kokita-eri-historiadelarte.blogspot.com/2019/03/serpiente-de-dos-cabezas.html
Claudia Vega es arte…
Es pasión traducida en plata, transformación en formas abstractas, orgánicas y líquidas, en su sentido de vida, en calidez y sentido.
Es colección de diseño personalizado, es hilo de plata que retrata la vida y busca revelar significados, contra reflexiones y sentidos culturales, en colecciones limitadas de piezas únicas que se asemejan a la frágil naturaleza de la vida y la fuerza de su esencia, recordándonos cómo, momento a momento, tejiendo nuestras vidas podemos crear arte, piezas para personalidades únicas, que definan una forma de ser, que les guste la moda sin esclavizarse, que marcan tendencia …que no tienen miedo de llevar algo diferente, que valoran el arte y la belleza imperfecta, lo exclusivo, lo detallado, la calidad y el valor de la artesanía mexicana… que se entusiasmen por descubrir algo que respire vida y curiosidad .
Para conocer más de Claudia Vega:
Instagram @claudiavega.art
Claudia Vega está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
ALVARO LARROSA FUREST
- Brazalete del Tesoro de Bentarique 1492 D.C. (S.XV)
Brazalete perteneciente al Tesoro de Bentarique (Almería), compuesto en total por dos ajorcas ó brazaletes repujados, Las ajorcas o brazaletes, de gran volumen, no son de oro macizo: están formadas por dos láminas que envuelven un núcleo de pasta ligera. A finales del siglo XIX, en 1896, fue encontrado este tesoro de procedencia nazarita en un campo de cultivo de Bentarique, muy cerca de Laujar de Andarax dentro de una vasija de barro, a dónde fue a parar la corte de Boabdil tras la entrega de Granada, se considera la clásica, se trata de una clásica ocultación de bienes en la huida de Granada ante la inminente llegada del ejercito cristiano en 1492. Su posterior propietaria lo vendió al Estado en 1922 por 35.000 pesetas. Se puede ver en el Museo Arqueológico de Madrid.
Este tipo de joyas de gran valor eran utilizadas para las pedidas de mano entre princesas o mujeres de la nobleza del último reino de Granada. Para su fabricación, el anónimo orfebre utilizó el procedimiento que se empleaba para acuñar moneda. Está formado por dos finísimas láminas de oro; la pestaña de la interior se halla rebatida y sin indicios de soldadura sobre la exterior, la única adornada. Los dos revisten la pasta resinosa o mastic, que va en medio y es de cal o almizteca, según sabemos por las Ordenanzas de Orfebrería de Granada de 1538. Sobre ella fue moldeado el brazalete para conferirle la forma circular y de convexidad pronunciada. En la decoración, repujada, alternan una especie de medallones y nudos de ocho lazos entre vástagos enroscados y curvas, con hojas tangentes en los ápices.
A los lados se disponen varias líneas paralelas e incisas de distinta anchura, las interiores con curvas de puntos.
Fuentes:
http://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?Museo=MAN&txtSimpleSearch=Bentarique&simpleSearch=0&hipertextSearch=1&search=simple&MuseumsSearch=MAN%7C&MuseumsRolSearch=9&listaMuseos=%5BMuseo%20Arqueol%F3gico%20Nacional%5D
http://www.adurcal.com/enlaces/mancomunidad/guia/lecrin/mondujar/paseo/tesoro/bentarique.htm
http://legadonazari.blogspot.com/2019/08/museo-arqueologico-nacional-madrid-el.html
Alvaro Larrosa Furest (Barcelona 27/11/1976)
Nieto de Maestro Artesano Orfebre Nacional Barcelonés, inició su incursión en el mundo de la Joyería en talleres de Córdoba en 1992. Su inquietud por formarse a la vez de trabajar, lo llevó al Instituto de Diseño y Moda Andaluz (Idima) Cursando durante tres años Diseño de Joyería. Continuó su formación en la escuela de Joyería de Córdoba en el año 1997, durante tres años, Diseño de Joyería y Modelado en Cera/Metal.
En 1998 trabajó de Diseñador becado en Londres, gana la Competicíón de Diseño International Design 2000 de la feria de Londres.
En el año 2000 asistió a la escuela Goldschmiedeschule de Pforzheim, a la vez que trabajaba en una firma de Joyería.
En 1998 prueba el Diseño 3D y no se lo puede quitar de la cabeza. Años mas tarde en 2001 consigue sus primeros prototipos con fresadoras industriales y apuesta por el Diseño 3D combinándolo con la «astillera» en el banco de trabajo.
Veinte años después de empezar con el Diseño 3D aplicado a joyería, decide abandonar la empresa dónde tanto aprendió durante 17 años, (siendo finalista en varias Competiciones en Ferias de Joyería Internacionales y ganar en Las Vegas) para comenzar con su propio Estudio de Diseño de Joyería y dedicarse también a la Docencia para compartir lo aprendido con las nuevas Generaciones Joyeras. Para conocer más de Alvaro:
Alvaro Larrosa Furest está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
CAROLINA CASTELÁN ARELLANO
- Penacho de Moctezuma, S. XVI
Data del siglo XVI y fue hecho por los habilidosos artesanos amantecas mexicas que se dedicaban a confeccionar espléndidos ornamentos y atavíos con plumas preciosas. Pieza capital del arte plumaria se encuentra actualmente en el Museo etnográfico de Viena, Austria, donde ha sido cuidadosamente restaurado y conservado. El llamado Penacho de Moctezuma, en recientes investigaciones se le ha señalado como el tocado del Dios Quetzalcóatl a partir de representaciones en el códice Magliabecchi. Tiene una altura de 116 cm y un diámetro de 175 cm. La base del penacho está constituida por plumas azules de “xiuhtototl” (cotinga), ornamentadas con tejuelos de oro en dos hiladas dispuestas en media luna y encima de éstos otros veinte en forma de torrecillas. Inmediatamente después viene una franja de plumas de cuclillo marrón todas estas enmarcadas con tejuelos de oro. Finalmente, el penacho ostenta una hilada de plumas verdes de quetzal de las cuales las más largas miden 55 cm.
Fuentes:
El Arte Plumaria en México, Cándida Fernández de Calderón, Alberto Sarmiento, Fomento Cultural Banamex, 1993
https://es.wikipedia.org/wiki/Penacho_de_Moctezuma
https://www.bbc.com/mundo/noticias-54534222
https://www.milenio.com/cultura/penacho-de-moctezuma-historia-datos-y-linea-del-tiempo
Carolina es originaria del Estado de México, vivió desde niña en la Ciudad de México y desde hace 19 años reside en la ciudad de Torreón, Coahuila, maestra de inglés con certificaciones de la Universidad de Cambridge, instructora de yoga, Diseñadora de joyería egresada de la Escuela de Plata Laguna del Tecnológico de Monterrey Campus Laguna. Amante de la historia de su país y de las diferentes culturas que han dado historia a la humanidad. Ha participado en diferentes eventos y exposiciones como: Pueblos Mágicos de México en Barcelona, España en octubre de 2014, en la Galería Ismos de la Ciudad de México en 2015, en el Museo de los Metales de Met Mex Peñoles en Torreón, Coahuila, México de Julio a Noviembre de 2015, en el Museo de Arte Popular de la Ciudad de México en la Exposición del Concurso de Plata “Hugo Salinas Price”, así como participado en los concursos de diseño de la Cámara de Joyería de Jalisco en los años: 2013, 2014 y 2018 y en la Exposición “La Galería” del Tecnológico de Monterrey Campus Laguna en noviembre de 2017. Fue una de las 10 marcas seleccionadas a nivel nacional por la Cámara de Joyería de Jalisco para el programa “Joya Emprende 2019” y participado en Expo Joya Abril y Octubre 2019, así como Enero 2020 en WTC
Para conocer más a Carolina:
Carolina Castelán Arellano está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
ASUN TORRAS
- Colgante Miniatura pintado, S. XVI
“Hombre desconocido sobre un fondo en llamas”
Obra de Nicholas Hilliard
1588, Victoria and Albert Museum, Londres
Obra del Orfebre y retratista inglés Nicholas Hilliard, conocido sobre todo por sus retratos en miniatura.
Cómo miniatura nos referimos a un retrato pequeño, transportable. Ocuparon un lugar fundamental en la sociedad tanto por ostentación y expresión de riqueza y lujo y también como símbolo de cercanía
Los retratos en miniatura se desarrollaron a partir de las técnicas de las miniaturas en manuscritos iluminados y fueron populares entre las elites del siglo XVI, principalmente en Inglaterra y Francia.
Estos retratos a veces estaban lujosamente enmarcados dentro de medallones y colgantes, con frecuencia en un medallón ovalado
Estos delicados retratos se realizaban a la témpera con finísimos pinceles, en pergamino encolado. También se usaban diversas técnicas pictóricas como óleo sobre cobre, estaño, esmalte o marfil, aguadas sobre pergamino.
Fuentes
Sobre miniaturas
https://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_en_miniatura#Per%C3%ADodo_temprano
Nicholas Hilliard :
https://es.wikipedia.org/wiki/Nicholas_Hilliar
Artista multidisciplinar. Pintora, grabadora, fotógrafa, joyera en proceso. Con una larga trayectoria artística, vive entre España y EEUU.
Como artista se encuentra en formación constante y ahora buscando otra manera de acercar la pintura de una forma más asequible al público a través de objetos más cotidianos. Combinando pintura, grabado y joyería aportando mi particular forma de mirar, analizar y entender el mundo en el que vivimos. Siempre me han apasionado las gemas y las joyas, pero no me veía creando joyas en el concepto clásico sino algo más contemporáneo relacionado más con el arte que con el objeto. Agradecer a mi amiga Raquel Lobelos este maravilloso viaje por la historia y ayudarme en esta incursión, un viaje que una vez iniciado espero me lleve a nuevos descubrimientos y posibilidades artísticas.
Para conocer más a Asun:
https://www.facebook.com/asun.torras/
Instagram @asun.torras
Asun Torras está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
BÁRBARA TUTIFRUTI
- Dije en forma de mano S.XVII
“Dije en forma de una mano” – Creada durante la primera mitad del siglo XVII, probablemente de origen español. Se trata de cuarzo hialino tallado en forma de puño cerrado con oro esmaltado y esmeraldas. Esta pieza formó parte de la colección de “Jack and Belle Linksy (1982)”.
Esta pieza se estima haber sido creada en la península Ibérica entre 1600 y 1800, periodo que marca un giro significativo en la marea de fortunas para la Península Ibérica. La derrota inglesa de la Armada Española en 1588 es el primero de varios golpes debilitantes a la autoridad española sufridos por el país en la guerra en la que abunda en este periodo. Sin embargo, la vida artística de España florece, y los siglos XVII y XVIII producen los mayores maestros de la escuela española.
Fotografía y texto de:
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/207270.
https://elblogdelcoleccionistaeclectico.com/2015/11/16/higa-un-dije-cargado-de-magia-y-simbolismo/
Esta pieza actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Nueva York, EUA.
Nacida en 1992, Bárbara es una joyera mexicana «tapatía» graduada en Diseño Industrial por la Universidad Autónoma de Guadalajara y obtuvo una maestría en Publicidad y Comunicación Corporativa. Termina su especialización en Hard to Find, escuela de joyería de bellas artes aplicadas. Emprende en joyería a través de su marca LIMERE en temas sobre el amor y la sexualidad.
Ha participado en exposiciones pro LGBT y feminismo, su trabajo busca promover el diálogo entorno al reconocimiento de las libertades y derechos sexuales de las personas. Bárbara también es ilustradora. Ha expuesto piezas de joyería en Milán durante la semana de la joyería (2019), y en Rusia (2020).
Para conocer más de Bárbara:
https://barbaratutifruti.myportfolio.com/
Instagram: @barbaratutifruti/
Facebook: https://www.facebook.com/rainbowish
Bárbara Tutifruti está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
JUAN PACHECO
- Corona Imperial, Dinastia Ming 1600 D.C. (S.XVII)
La corona tejida en hilo de oro muestra dos dragones formados con alambre de oro dorado que se oponen entre sí y se enfrentan a una perla llameante del conocimiento. La perla consiste en una cuenta de vidrio fundido de color verde esmeralda que emula al jade. También hay dos alas que consisten en una malla de alambre de oro dorado unida a la parte posterior de la corona.
La época histórica a la que pertenece es la
dinastía Ming, penúltima dinastía de China, que gobernó entre los años 1368 y 1644, tras la caída de la dinastía mongol Yuan.
El año de realización de la corona dorada del Emperador Wanli está datada en el 1600 D.C. Fabricada por maestros orfebres chinos se localiza en 1960 en el Mausoleo Dingling del Emperador Wanli cerca de Beijing, proviene del ataúd del emperador Wanli.
Realizado en Alambre de malla de oro dorado, sus medidas son Alto: 16,5 pulgadas (41,74 cm)
Ancho: 8 pulgadas (20,24 cm)
En la actualidad la Corona del emperador Wanli, se ecuentra en el Museo Dingling está ubicado en el condado de Changping, al pie de las montañas Yanshan, en las afueras de Beijing.
Fuentes:
<http://www.mingtombs.com/jqyl/dl/ >
visita virtual del museo: < http://www.mingtombs.com/sslx/3g/changl/ >
Fuente de la fotografía:
<https://bernsteinjadeart.com/works-of-art/imperial-gilt-gold-mesh-crown-of-the-ming-dynasty >
Garrett, Valery M. (1994) Chinese Clothing: An Illustrated Guide. Published by Oxford University Press, New York
Licenciado en Arte por la Pontificia Universidad Católica del Perú; investigador de medios, técnicas y distintas modalidades del lenguaje escultórico. En 1992 creó la técnica de tejido a crochet con alambre. Técnica a la que denominó punto peruano y, desde entonces su obra se teje en alambres de cobre, plata, oro, fibras naturales y sintéticas, complementado con talla, labra, fundición o modelado e impresión 3D; mármoles, granitos, cristales, maderas, hierro, bronce, vidrio, entre otros tantos materiales. Asimismo, desarrolló diseños y patrones aplicados a la enseñanza y producción de joyería de autor y joyería comercial tejidas de punto peruano.
En 1998 recibió el primer premio de la Primera Bienal Nacional de Lima con la obra, Damero Reflexivo.
Más o menos el año 2006, retomó la teoría del eterno retorno; principio de repetición eterna que le dio datos e insumos con los que desarrolló y creó el movimiento neoancestral, motivado por el objetivo de actualizar a formato de uso actual hallazgos identificados entre la edad antigua, IV milenio a.C. y el surgimiento de la edad moderna, hacia finales del siglo XVI d.C. Para conocer más de Juan Pacheco:
Juan Pacheco está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
SOFIA NOUSAIRI BUCAY
- Colgante con pelo de María Antonieta de Francia y Navarra 1755 – 1793 D.C. (S.XVIII)
MEDALLON COLGANTE DE MARIA ANTONIETA, REINA DE FRANCIA Y NAVARRA
Finales del siglo XVIII- principios del XIX
Pertenece a la época de la Revolución Francesa.
Actualmente se encuentra en The British Museum , Londres.
DESCRIPCION:
Medallón colgante en forma de corazón con un mechón de pelo ( de Maria Antonieta), engastado bajo vidrio o cristal de roca con una tarjeta inscrita y montado en un engaste de filigrana de oro. Un pequeño candado dorado está suspendido de la base con una llave en una cadena unida al lazo de suspensión, a menudo representaban pequeñas joyas sentimentales que funcionaban como relicarios. María Antonieta vivió entre 1755 y 1793 cuando murió decapitada. Ella misma le dió un mechón de pelo a Lady Abercorn, está a su vez se lo dió a su hermana Lady Julia Lockwood y se lo pasa a su hija Lady Napier quien encarga hacer la joya y se lo da a W.S. en 1853 esto es el mensaje que pone en el colgante.
Fuente:
https://www.britishmuseum.org/collection/object/H_1978-1002-1202
SOFIA NOUSAIRI BUCAY
Diseñadora Orfebre, inicia su aprendizaje con la profesora Lilo Palma en Academia de Orfebres; crea su firma de joyas artísticas únicas inspiradas en la vida y su pasión, vivencias y los sentimientos que brotan del alma.
Ilusionada siempre con nuevos retos, proyectos y aprendizaje constante…
Para conocer más de Sofía:
Sofia Nousairi Bucay está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
RAQUEL DE QUEIROZ
- Pendientes de María Leopoldina de Austria 1797 D.C. (S.XVIII)
La primera emperatriz de Brasil murió a los 30 años, (Viena, 22 de enero de 1797 – Río de Janeiro, 11 de diciembre de 1826), fue una archiduquesa de Austria, regente del Reino de Brasil, primera emperatriz consorte de Brasil y durante poco más de dos meses en 1826, reina de Portugal. Ella era austriaca y en su educación estudió minerales, cuando exhumaron su cuerpo en 2012 solo encontraron aretes en oro y resina.
Los pendientes los trajo la emperatriz de Austria porque son hechos de oro y una resina como un tipo de ámbar, y en Brasil no existe ámbar, detrás de los pendientes tiene la letra L. (Leopoldina).
La colección estaba en el Museo Nacional de la ciudad de Río de Janeiro, que lamentablemente se incendió.
En mi investigación encontré material periodístico que habían realizado la exhumación por obra maestra de la arqueóloga y historiadora Valdirene do Carmo Ambiel, una exhumación con la autorización de descendientes de la familia real brasileña.
En esta exhumación, además de la primera emperatriz María Leopoldina, también actuaron Don Pedro I (en Brasil) Don Pedro IV (en Portugal), y la segunda emperatriz Amélia de Leuchtenberg.
Sin embargo, fue algo sorprendente que la emperatriz María Leopoldina fuera enterrada solo con estos aretes, por lo que se cree eran sus favoritos.
Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Leopoldina_de_Austria
https://cosasdehistoriayarte.blogspot.com/2019/10/maria-leopoldina-de-austria-primera.html
Raquel de Queiroz, joyera, su marca es Raquel de Queiroz.
Diseñadora de joyas, siempre le gustó crear y las piedras son de una belleza y atracción muy grande, es por ello que se interesa especialmente en el conocimiento y uso de las gemas brasileñas. Trabaja con materias-primas que son referentes nativos de Brasil rescatando y valorando la originalidad, fuerza y alegría de la cultura brasileña. Para conocer más de Raquel
Instagram @raqueldequeirozjoias
www.raqueldequeirozjoias.com
Raquel de Queiroz está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
ANA CRISTINA FERNÁNDEZ PRIEGO
- Diadema Pa´e kaha S.XIX
Diadema (pa’e kaha) hecha con tejido plano (fibra de palma de coco), caparazón de tortuga y concha de almeja. Alternando las placas de concha de tortuga con las de almeja y atados la diadema del tejido de fibras. Cada placa rectangular en forma, y curvas en una sola dirección y talladas en alto relieve sobre la superficie cóncava.
Accesorio para ornamentar la cabeza de las Islas Marquesas en la Polinesia Francesa. Con las placas de conchas inclinadas hacia abajo sobre la frente. Las siete placas de conchas muestran una figura central en bajo relieve flanqueados por dos figuras de perfil mas pequeñas. Algunos otros ejemplos tienen numerosas pequeños discos de concha nácar sobre la banda tejida de fibras naturales.
Comprado por: Paul Isaac Nordmann en 1934
Exhibicion: Museo Metropolitano de Nueva York
Historial de Exhibiciones:
2006 21 de Mayo- 13 de Agosto, Norwich, Sainsbury Centre for Visual Arts, Pacific Encounters.
2006-2007 28 de septiembre al 7 de enero, Londres, BM, Power and Taboo
2008 16 de junio al 14 de septiembre, Paris, Musée du quai Branly, Pacific Encounters
2011 24 de septiembre al 31 de diciembre, Dinamarca, Copenague, Ny Carlsberg Glyptotek, Gauguin and Polynesia: South Pacific Encounters
2012 9 de febrero al 29 de abril USA.
Fuentes
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/313672
https://www.britishmuseum.org/collection/object/E_Oc1934-3
Creativa de nacimiento, joyera por decisión. Mis primeros pasos en el mundo de la joyería empiezan en las aulas de la Universidad Panamericana de Texas para luego involucrarme de lleno en ella con los cursos de fabricación y producción a la cera perdida con Raúl Ibarra y José Manuel Calvo.
Buscando siempre el crecimiento, abro mi taller que con el paso de unos años se consolida y me permite lanzar mi propia marca: Joyería Cristina Fernández.
En mis diseños se refleja el ambiente que me rodea: Grandes árboles, caudalosos ríos y bastas lagunas, hermosas flores tropicales y una tradición indígena de talladores de hueso.
Para conocer más de Ana Cristina:
www.joyeriacristinafernandez.com
https://www.instagram.com/cristinafernandezmx/
https://www.facebook.com/JoyeriaCristinaFernandez/
Ana Cristina Fernández Priego está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
ÁNGELES LOAIZA RODRÍGUEZ
- Botón de Perno S.XIX
Boton de Perno, elaborado en Noruega, Gudbrandsdal entre 1800-1870
Exhibido en el Victoria & Albert Museum de Londres, Sala de exhibicion 91-93 mezzanine. Galeria de William y Judith Bollinger
El broche era la pieza mas importante de joyería en la vestimenta tradicional de Noruega. Hay mas de 50 nombres para los broches en Noruega. Botones y anillos complementaban los broches.
Hombres y mujeres en todo Noruega utilizaban un botón en el cuello, llamados halsknapper, para mantener el cuello de sus camisas cerrado y muchas veces era decorado con largos y elegantes pendientes.
Categoria: Joyeria/
Material: Filigrana de plata
Dimensiones: ancho 5.0 cm, largo 14.9cm, espesor 2.4 cm
Numero de acceso: 656-1872
Fuentes:
Ángeles Loaiza es Diseñadora Textil por la Universidad Iberoamericana con 20 años de experiencia en el ramo de la moda trabajando para compañías trasnacionales, que al tomar el diplomado de diseño de Joyería descubre su pasión por las joyas y crea su propia marca marca llamada Trimori Joyería de Autor hace 5 años.
Trimori Joyería de Autor expresa el amor a la cultura mexicana a través del rescate de técnicas ancestrales como lo es la Talavera típica del estado de Puebla considerada como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad combinándola con plata .925 mexicana, cristales y piedras semi preciosas para crear piezas únicas.
La diseñadora, Ángeles Loaiza, comparte con los portadores de sus piezas historias únicas que transmiten elegancia, sensiibilidad y a la vez fuerza y carácter.
Trimori Joyería de Autor apoya a instituciones de beneficio social mediante colecciones especiales diseñadas para cada una de ellas.
Para conocer más de Ángeles:
Instagram: https://trimorijoyeria.com.mx
Facebook: https://trimorijoyeria.com.mx
Ángeles Loaiza Rodríguez está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
LUZ RIVAS
- Broche «Copo de Nieve» Art Nouveau de Fabergé S.XIX
Broche Art Nouveau en forma circular con estrellas simulando copos de nieve con un rubí cabuchón al centro, rodeado de diamantes rose-cut, montado en platino.
Fue creado durante la Belle Époque por la firma rusa Fabergé. Su fundador, Peter Carl Fabergé fue abriéndose camino creando trabajos extraordinarios para la corte imperial. Su serie más famosa son los Huevos de Pascua, realizados uno por año de 1885 a 1917. Tiempo en el cual, la marca se convirtió en la más grande del mundo. En los talleres de Fabergé se seleccionaron a importantes orfebres expertos en diferentes áreas, como el joyero Albert Holmstrom, autor de esta pieza, sus hijos siguieron sus pasos en la firma y es su nieta Alma Pihl quien diseña dos de los famosos huevos de Fabergé Winter Easter Egg y el Mosaic Easter Egg
La fotografía donde aparece esta pieza, se muestra junto a un dibujo de una pieza muy similar en un cuaderno de dibujo de August Holstrom, datado en Enero 1914. Holstrom y sus hijos fueron parte de la fuerza laboral de Fabergé durante esa época.
Esta pieza forma parte de una colección de joyería de la marca que formaba patrones de copos de nueve y cristales de hielo en reminicsencia a los largos inviernos rusos. Y no está preciso, pero se cree que perteneció a la colección de joyería de la familia Orlov, actualmente pertenece a la compañía londinense Wartski Ltd.
Fuentes:
- Christian Orlov, @PrinceOrlov·FINE JEWELRY, JEWELS, PAINTING, SCULPTURE, ARCHITECTURE & ARTS OF ALL KINDS GO WITH MY FAMILY’S HERITAGE DATED TO 1550. https://www.pinterest.com.mx/pin/343118065359219912/
- Phillips, Clare. JEWELRY From Antiquity to the Present, Thames and Hudson World of Art, 2018. P. 158
Luz Elena M. Rivas Gómez originaria de Guadalajara, Jal., México.
Nació dentro de una familia que se dedica a la comercialización y fabricación de joyería desde 1950, por lo que desde niña se vio inmersa en el mundo joyero.
Al terminar la Licenciatura en Administración de Empresas por el ITESM en el 2009, comenzó a trabajar en el negocio familiar y junto con sus papás, se dedicó desde entonces a la venta minorista de joyería.
Está certificada en Gemología por el Gemological Institute of America, en Carlsbad, CA. desde el 2018. En el año 2019 realizó además algunos cursos en el tema de Valuación de Joyería por parte del ASA y de Ilustración de Joyería con Barbara Brocchi.
Recientemente, se reencontró con su gusto por las artes manuales y en el 2020 comenzó un diplomado en Diseño de Joyería en Hard to Find, escuela de artes situada en Guadalajara.
Actualmente, su tiempo lo dedica al negocio familiar, a la creación de piezas para su línea propia Luzelen y a cuidar de sus dos hijos.
Para conocer mas de Luz:
@luzelen.studio
@luzelenarivas
Luz Rivas está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
KAREN MARRUN
- Broche «La Mujer Libélula» Art Nouveau de René Lalique S.XIX – S.XX
Pertenece a la época del Art Nouveau, escuela de París.
La pieza tiene unas dimensiones de 23 x 26.5 cm y se exhibe en el Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa, Portugal.
Es una de las piezas más nombradas de René Lalique y muestra de su virtuosismo técnico, realizado entre 1897-1898 fue la que presentó en la Exposición Universal de Paris el 1900. Su famosa «Libélula» con cuerpo de mujer, que fue una autentica atracción en la Exposición y que tres años más tarde adquirió Calouste Gulbenkian, el mayor coleccionista del mundo de sus obras.
Esta joya está realizada en oro y con esmaltes opalescentes (irisados) de color azul y verde, piedras semipreciosas tales como: crisoprasa (variedad de calcedonia, piedra de luna) y diamantes.
La cabeza de la libélula termina en un torso de mujer, cuya cabeza aparece rematada por un casco y alas de vidrio a modo de delicado mosaico y sus pies en forma de garras.
Los materiales se funden y cincelan lo que demuestra que la joya adquiere un valor artístico y pierde el valor intrínseco que tenía hasta entonces. Consecuencia de ello, es el poco uso de los diamantes, sólo se usan alguna piedras de color y perlas periformes.
A pesar de que al principio la gente opinaba que sus joyas eran dignas de ser admiradas, pero no aptas para comercializar o portar en la vida cotidiana, poco a poco los novedosos colores y formas que fue introduciendo en su joyería, se ganaron al público, y durante más de una década sería la figura referente para la joyería francesa.
Las joyas de Lalique no tenían en cuenta las convenciones sociales y rompieron con las tradicionales reglas del diseño. El resultado dio piezas que fueron concebidas como trabajos independientes de arte más que meros ornamentos, y a Lalique le gustaba usar distintos materiales para conseguir el efecto deseado.
Él usaba piedras semipreciosas, no como sustitutos baratos, sino por sus colores, vetas o superficies. Como siempre en el trabajo de Lalique las piedras eran solamente una parte de la composición. Usó todo los tipos de metales, ónix, cristal, esmalte, vidrio, madreperlas, ámbar y marfil.
Con esta gran cantidad de materiales, era capaz de producir trabajos de enorme variedad de formas y colores, ideas que le sugerían su fantasía. Aunque el coste de los materiales variaba extraordinariamente de los costes habituales de la artesanía, esto no supuso que se perdiera el interés por sus creaciones, extremadamente complicadas, debido a su ingenio, originalidad e imaginación.
Fuentes:
https://prezi.com/x8adanljrmim/mujer-libelula-rene-lalique-c-1899-oro-esmalte-piedras/
manifiestodearte.com/rene-lalique-el-joyero-del-art-nouveau
http://mundodelmuseo.com/ficha.php?id=1200
https://gulbenkian.pt/museu/en/artist/rene-lalique-2/
Karen Marrun Matuk, empezó su trayectoria de artes en Montreux, Suiza donde tomó cursos de artes plásticas, fotografía e historia del arte en la escuela Surval Montfleuri.
A su regreso a la Ciudad de México, Karen estudió la carrera de Diseño industrial en la universidad Iberoamericana donde se recibió con mención honorífica por su tesis de investigación: «El papel del diseñador industrial en la industria joyera de plata en México». Antes de concluir sus estudios, Karen empezó a estudiar las técnicas básicas de confección de joyería en el taller de Adriana Lieberman. Estableciendo su taller propio con venta exclusiva por cita.
Más tarde Karen vivió en Chicago, donde tuvo la oportunidad de ser directora de escaparatismo para el museo de arquitectura y diseño, el Chicago Athenaeum y su gerente de tienda de diseño, incluyendo sus líneas de joyería (piezas únicas confeccionadas a mano por ella misma); trabajó como aprendiz y asistente en el estudio de la artista Christine Simpson; estudió en la Galería Lill Street donde cursó varios talleres de joyería y otros materiales como vidrio y cerámica y fue maestra de joyería para los talleres infantiles Gallery 54. Formó parte de la exposición Good Design Awards con piezas de su colección Natura.
En Barcelona, Karen tuvo la oportunidad de trabajar como directora de diseño y del cambio de imagen para la empresa de perlas Majorica y participó dando clases en la Escola Massana junto con Ricardo Domingo; así mismo, tomó clases de engastado de piedras, gemología y esmaltes en la Escola de Artes y Oficis y fue ganadora del premio FAD.
A su regreso, Karen empezó a diseñar joyería y abrió su consultora para asesorar empresas mexicanas en la apuesta por el diseño y caminos alternativos a sus modos de generar joyería; impartió clases de Materiales artesanales en la universidad Iberoamericana. Actualmente Karen Marrun trabaja como diseñadora de colecciones de joyería (propias y para empresas) asesoría de imagen y dirección creativa para varias empresas reconocidas; da cursos de calidad, diseño y comercialización de joyería y hace proyectos de investigación y conferencias. Ha ganado premios de diseño nacionales e internacionales, participado en numerosas ferias de joyería, exposiciones colectivas y pasarelas. Es miembro activo de Fashion Group México y de Joyeros MX
Para conocer más de Karen:
Instagram @karen.marrun
Facebook karenmarrun@gmail.com
Karen Marrun está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web
MARÍA LAURA MUGUIRO ÁLVAREZ
- Colgante «Buste Feminin» Art Nouveau de Lluís Masriera S.XX
Colgante «Buste Feminin» Art Nouveau de Lluís Masriera S.XX
Joya realizada a principios del siglo XX, 1908, realizada en oro, esmalte, perlas y diamantes, cuando florece el Art Nouveau, arte que nace en Europa y se extiende a USA y parte de Rusia.
El artista es Lluis Masriera, nace en barcelona España(1872-1958), heredero de una estirpe de orfebres plateros y joyeros. Se enamora de el esmalte y el plique-a-jour que destacan en este arte, practica y saca sus propios diseños y llega a ser un destacado y reconocido joyero tanto como Rene Lalique en Paris y C.Tiffany, en USA..
Hizo muchos colgantes de perfiles de mujeres, ninfas,libelulas etc sus diseños
Esta pieza está realizada en oro con perlas,diamantes y esmalte. El título es “Buste Feminin”
Muy apreciados, este en especial ha sido muy fotografiado(Arnin Shultz)
Publicado también por Laurent Fonquernie (agosto 2012 Pieza Art Nouveau
Se encuentra en el Depósito de la Colección Bagues Masriera y disponible para su compra en cellinijewelers.com
Fuentes:
https://www.museunacional.cat/es/la-joyeria https://www.cellinijewelers.com/jewelry/designer/masriera/woman-in-profile-brooch-pendant
https://cronicaglobal.elespanol.com/pensamiento/historias-cataluna/coleccion-bagues-masriera-joyas-queridas-monjas_320360_102.html
http://www.goldandtime.org/noticia/43644/Nexogold/La-mas-completa-exposicion-de-joyas-modernistas-del-maestro-Lluis-Masriera-puede-visitarse-en-Barcelona.html
https://www.hotelbagues.com/es
https://www.derbyhotels.com/coleccion-de-arte/coleccion-de-arte-del-hotel-bagues/
María Laura Muguiro Álvarez es una artista multidisciplinar, hace 25 años el esmalte la atrapa y unos años después es la pintura, el óleo, acrílico, pastel, que luego experimenta también sobre la porcelana. sus inquietudes artísticas la llevan a experimentar con la joyería, comienza en la escuela de Eduardo Gudiño y luego con Tania Maria Benoit para luego seguir 14 años en la escuela de Lilo Palma.
En búsqueda constante de conocimiento sigue formándose y especializándose en técnicas nuevas y ancestrales de joyería.
Participa en concursos:
Creatividad Brillante, competencia de Cristal Joyas
XVll concurso Nacional de Joyería en Guadalajara
XVll Concurso Nacional de Joyería Cámara de joyería de Jalisco
Concurso Nacional de Taxco
Para conocer más de María Laura:
Instagram @laumuguiro
Facebook Laura.Muguiro
María Laura Muguiro está trabajando en la reinterpretación de su pieza en cuanto este terminado lo subiremos a la web