La Venus de Hohle Fels, fue hallada en 2008 en cuevas de Hohle Fels en el valle del rio Achr en la Jura de Suabia cerca de Schelklingen (Baden-Wurtemberg, Alemania). Pertenece al paleolítico superior, datada entre 40.000 – 35.000 años A.C. Realizada en Marfíl de mamut. Actualmente se encuentra en el Museo de Prehistoria de Blaubeuren en Alemania.
Esta estatuilla femenina, de unos seis centímetros de altura, fue tallada en marfil de mamut y se trata por tanto de la escultura humana más antigua que ha sido hallada. Muestra unos pechos muy desarrollados, el vientre hinchado, las caderas anchas y la vulva marcada, se asocian con expresiones de fertilidad. “La cabeza y las piernas no importan. Se trata de sexo, reproducción”, explicó el arqueólogo Nicholas Conard, quien dirigió el proyecto de excavación. La figurilla presenta un agujero en la minúscula cabeza para ensartarla en un cordel, probablemente para ser utilizada como amuleto, aunque aún se discute sobre su función originaria. En la cueva de Hohle Fels, en Schelklingen, se han encontrado otras figurillas que representan a animales, otra que representa un falo e incluso una flauta de hueso que constituye uno de los instrumentos musicales más antiguos del mundo. Todos estos hallazgos datan del Auriñaciense, cuando los humanos modernos se extendieron rápidamente por toda Europa, desplazando a los neandertales autóctonos.
Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Venus_de_Hohle_Fels
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/estatuilla-voluptuosa_9629
https://www.bbc.com/mundo/cultura_sociedad/2009/05/090514_0346_escultura_nature_jg
Orfebre y Diseñadora de joyas; con más de veinticinco años de experiencia creando propuestas entorno a la moda, vestuario y arte. Sus diseños personalizados, hacen de sus creaciones piezas únicas y exclusivas, las cuales elabora totalmente a mano.
Alterna de manera innovadora en su marca LUCIA ORTIZ MONSALVE Diseño de Joyas; la joyería tradicional o clásica, con la contemporánea, de esta manera extiende su campo de diseño tanto en la moda como en el arte.
Sus diseños comunican innovación y experimentación de las formas, texturas y materiales no convencionales, creando piezas con diseño puro.
Su fuente de inspiración la ha encauzado en la apropiación de temas como son la geometría pura, la naturaleza, el tejido, la feminidad y la arquitectura, plasmando en sus joyas gran versatilidad y un interminable de variaciones en toda su obra.
La Joyería como Arte, es expresada a través de su esencia y su concepto de estética, para el placer y la conexión de quien la porta.
“Las joyas son una manera de expresión, cuentan historias y dejamos una parte de nosotros en ella” Lucía Ortiz Monsalve
Para conocer más de Lucía:
https://www.instagram.com/luciaortizmonsalve/?hl
www.facebook.com/luciaortizmonsalve
ARTISTA: LUCIA ORTIZ MONSALVE.
TIPO: Broche
TÍTULO: FEMENINO.
METALES: Bronce reciclado, Pigmento natural de la flor del achiote, cera de abejas.
MEDIDAS: 16 x 8 x 4 centímetros.
PESO: 90, 5 gramos.
TÉCNICA: Armado y soldadura – Cincelado – Patina.
INTERPRETACIÓN
Encontrar un objeto milenario que plasma las características físicas de una mujer, me llevó a pensar en el concepto de lo “FEMENINO” asociado a la esencia de la mujer, más allá de lo físico.
La Pieza reinterpreta la Venus de Hohle Fels, rescatando “lo primitivo” de los mamíferos que amamantan a sus críos, como esencia de vida, en una intensión femenina del cuidado y protección. También se refiere a “lo voluptuoso”, como fuerza y capacidad de procrear, de allí surgen diversos vientres sobrepuestos, como manifestación de los múltiples ciclos o momentos biológicos de una mujer. Se tradujo como componente fundamental “lo sinuoso” vinculado las curvas y formas circulares que representan el movimiento y hacen referencia nuevamente a lo femenino arquetipo de la naturaleza.
“FEMENINO” es una pieza que reinterpreta conceptos vigentes a lo largo de la historia de la humanidad. De allí la importancia que el referente fuera una pieza primitiva, para equiparar que el fundamento sigue siendo el mismo. El tema Broche, está vinculado directamente a lo femenino, pues se localiza a la altura del pecho que es la razón por la cual la “Venus de Hohle Fels” sea considerada la primera representación de la mujer que se conozca.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Porque representa el poder femenino, a través de la escultura más antigua que se conozca en el planeta, del periodo Paleolítico entre 35.000 a 40.000 mil años A.C. La cual fue encontrada en Hohlefels Alemania, tallada en un pequeño marfil de escasos centímetros: 3,0 de profundidad x 3,5 de ancho x 6,0 de altura, con atributos “Venusinos”, asociados al vientre, la mujer y a lo femenino.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Conservando e interpretando las características morfológicas y rusticas de la pieza original en relación con su poder femenino, la vida, la fertilidad, la simbología, los ciclos y lo que representan desde las primeras civilizaciones hasta nuestros días. Mediante la elaboración de una abstracción de vientres yuxtaponiéndolos unos sobre otros, como arquetipo de los ciclos de diferentes embarazos y transformación del cuerpo de la mujer, que a su vez dan movimiento a la pieza.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Busco comunicar la manera en que una pieza artística milenaria está vigente en nuestros días, siguiendo el concepto fundamental de valorar lo “femenino”, mediante variaciones de formas, texturas y materiales no convencionales, creando una pieza única como es la Venus de “Hohle Fels”. A través de proponer un diseño transformador, que unifica un lenguaje compositivo de la tradición de la joyería clásica con la innovación y técnicas de la contemporánea.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Porque es importante la herencia y el legado de conocimiento que han dejado en el tiempo, los maestros de las antiguas civilizaciones en técnicas joyeras y que se siguen conservando y transmitiendo en nuestros días.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
https://youtu.be/CXx_Em0rx70
Collar de variscita, época neolítica (6200-5900 a. C.). Yacimiento: Minas Prehistóricas de Gavà (Gavà)
Encontrado en la mina número 83 de las Minas Prehistóricas de Gavà. Está formado por 61 decenarios, de los que 42 son discoidales y 19 tienen forma de barril. Se encuentra expuesto en el Museo de Gavà
Una visita al Museu de Gavà siempre es recomendable. En una de las vitrinas se exhibe (sin ánimo de abrir desde aquí una discusión con los egiptólogos) el Tutankamon catalán. Es el ajuar mortuorio de una tumba neolítica local en apariencia no extraordinaria, pero el muerto fue enterrado con una talla de obsidiana de Cerdeña, puntas de sílex de Provenza y piezas de jadeíta de los Alpes, y un collar de cuentas de variscita, un tesoro para aquellos tiempos, que solo se comprende si se tiene en cuenta qué tenía para ofrecer al mundo aquella sociedad primitiva que creció alrededor de las minas de Can Tintoré.
La variscita, sin ser ni por asomo una piedra preciosa, tiene una hermosa historia detrás. Las minas de Can Tintoré fueron descubiertas, accidentalmente como siempre en estos casos, en 1972. Solo a partir de entonces se comenzó a comprender que Gavà jugó un importante papel durante buena parte del neolítico europeo.
Gavà hace 6000 años fue la cuna de la joyería del neolítico, durante un periodo de más de 1.000 años Gavà fue el mayor centro productor del mundo de joyas de variscita, un mineral escaso, pero que por su singular color verde fue la materia prima con la que se tallaron algunas de las joyas más hermosas de la prehistoria.
Las más estimadas son de color verde esmeralda” , estaba en Gavà. Es el yacimiento por referencia y más conocido de variscita por su gran explotación de este mineral , “ Se ha supuesto siempre que las decenas de abolorios encontrados en sepulturas neolíticas del Mediterráneo occidental fueron manufacturadas allí, junto a las minas de Can Tintoré.
El Centro de Investigación y Restauración de los Museos de Francia, con sede en el Louvre, analizo la composición química exacta de aquellos ancianos tesoros. El resultado de la investigación fue crucial, son de Gavà, fue en su tiempo … la 1ª construcción de una especie de Mercado Común Europeo del neolítico.
Fuentes:
http://www.patrimonigava.cat/
El negocio familiar de Joyeria fundado en 1970 Barcelona, es mi Origen , Represento la 2ª Generación de Joyeros, mi padre me inicio en el maravilloso mundo de las joyas, recogí desde mi inicio la tradición, su nombre Abraham y el entusiasmo por la Joyeria.
Desde pequeño alguien empezó a llamarme ADI, mi nombre Abraham es de origen hebreo, que significa: adorno, ornamento, joya. Y a los 22 años abrí mi primer Show Room en donde empezó mi sueño de crear joyas mágicas, dando el nombre a mi marca: A D Y, creando un estilo personal, único, basado en el Concepto Joya-Moda, con una sabia mezcla de tradición y Vanguardia extrema que hacen de mis Joyas verdaderas piezas únicas.
He realizado Exposiciones Internacionales en España, Alemania, Italia, Estados Unidos, Inglaterra e Italia
Participante Proyecto Automaton 20/21 España-Canada. He ganado importantes premios a lo largo de mi carrera.
Creador del SOL de Or Festival de Cine Internacional de Medi Ambient
Diseño de Joyas Institucionales de Gavà, Viladecans y Begues.
Diseño Colección Institucional Museo de Gavà Colección VENUS inspiradas en la figura femenina del neolítico de 5800 años de antigüedad y Mineral Variscita. Desarrollo desde 1999 – 2020
Creador y Director 6K Gavà Fashion Week www.6kgavafw.com 2019
Colecciones Joyas Essencial- Biography-Simbol-Enigma-Lujuria-Totem-Signos-Origem
www.instagram.com/abraham_vazquez_by_ady/
ARTISTA: Abraham Vázquez
TIPO : Collar
TÍTULO: Time of life ( Tiempo de Vida )
METALES: Plata 925
GEMÁS: Variscita
MEDIDAS: 60 cm largo x 4 cm Ancho
PESO: 238,60 Gramos
TÉCNICA/S: Creativa Artesanal, el proceso de la joya se realizado de forma manual, usando las técnicas de estirado, laminado, soldado, para darle la forma y aspecto deseado con ayuda del calor y de herramientas.
Terminación grabado laser, Plata oxidada y mate.
INTERPRETACIÓN
El concepto antes de empezar a crear, fue de inspírame en el collar de cuentas, sin serlo, lo 1º no podía tener cierre, y que cada pieza del calendario podría cambiar la posición, poder añadir piezas nuevas, y el poder dar un sentido mágico a la entrega de una cuenta a un ser humano, para su intercambio o estatus.
Y que pudieran tener un mensaje binario 0 o 1 solo girando la cuenta, un símbolo o una variscita.
Además el sistema de unión y dar la vuelta o cambiar o entregar, o añadir una pieza debería ser fácil de realizar.
Lo 2ª como seria su interpretación crear 12 cuentas que fueran un contenedor de la gema la variscita y que esta pieza representara 12 lunas del año, y girándola una imagen que nos trasmita a la sociedad un hecho.
Y piezas principales para la compresión y la comunidad pudiera leer y trasmitir en que luna estaba y poder leer el futuro.
Para ello cree la gema del Culto, de la vida, del laberinto de Venus, del Sabio, y la Comunidad… descubre mi “Time of Life “ mágico.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Un reconocimiento a mi ciudad Gavà, hace 6000 años fue la cuna de la joyería del neolítico, durante un periodo de más de 1.000 años Gavà fue el mayor centro productor del mundo de joyas de variscita, un mineral escaso, pero que por su singular color verde fue la materia prima con la que se tallaron algunas de las joyas más hermosas de la prehistoria.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
No existe, y es todo, contar la evolución del tiempo, la vida a través de cuentas y símbolos junto a un gema la variscita , combinando, aportando el trascurso de la vida; un collar Calendario constelación de conceptos, valores, percepciones y prácticas
Compartidos por una comunidad, que conforman una particular visión de la
Realidad que, a su vez, es la base del modo en que dicha comunidad se
Organiza. Descúbrelo o interpreta su tiempo, o el futuro.
¿Que buscas transmitir con tu trabajo?
El arte es en sí mismo un medio de expresión del ser humano. Mediante el arte se manifiestan sentimientos, emociones e ideas, y la forma en que nos relacionamos con el mundo. Yo deseo comunicar con esta obra una conexión con el pasado y el futuro, a través de una concepto, de lo que en principio hace 6000 años era una collar de cuentas de Variscita , hasta mi interpretación más allá de un calendario del tiempo, con mi obra o con la interpretación de exposición pueda trasmitir esa energía al público. Esa percepción única que es distinta para cada persona, es donde reside la belleza del arte, y su conocimiento.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Desea poner en conocimiento y trasmitir la historia de la joyería en proyecto artístico de divulgación. Desde proyecto Denísova cada artista elija la época y la joya que mejor se adapta a su estilo y que con una visión actual del diseño interprete la pieza elegida del pasado, generando en nuestro tiempo una joya con la magia, la luz, el brillo, la emoción, la fascinación que desde el principio de los tiempos las joyas, la decoración corporal ha tenido para el ser humano.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
https://youtu.be/FB8VcQvjL28
Realizadas en oro, plata, lapizlázuli y cornalina.
El Cementerio Real de Ur fue descubierto por el arqueólogo Leonard Woolley en 1922 en Mesopotamia, la actual provincia de Dhi Qar (sur de Irak), gracias a una misión conjunta del museo Penn de Filadelfia y el British museum de Londres.
La principal tumba de dicho cementerio es la de la reina Pu-bi. Su cuerpo fue encontrado junto con su sello personal, en el que se lee su nombre y título, sin asociación a ningún rey, por lo que se deduce que ella era la reina-sacerdotiza soberana de la ciudad-estado sumeria de Ur. Su importancia y rango están remarcados por la suntuosidad de las piezas con las que ella y su séquito fueron enterrados: objetos, instrumentos musicales, artefactos y joyas de oro, plata, lapizlázuli, marfil y cornalina. Estos materiales eran importados desde Afganistan, la meseta iraní y la India, lo que comprueba la extensión de la red comercial e intercambios culturales de Sumeria, una de las primeras civilizaciones urbanas del mundo.
Los tesoros del Cementerio Real de Ur se encuentran actualmente en el Museo Penn de Filadelfia, EUA, British Museum de Londres y el Museo Nacional de Irak en Bagdad.
Las excavaciones del Cementerio Real de Ur se llevaron a cabo gracias a la misión conjunta del Penn Museum y el British Museum. La tumba principal es de la reina Pu-Abi. El poder Pu-Abi queda remarcado por la suntuosidad del asombroso ajuar funerario: artefactos y joyas de oro, plata, lapizlázuli, marfil y cornalina. Estos materiales fueron importados de lugares lejanos como la India y Afganistán, lo que comprueba la importancia de Sumeria, una de las primeras civilizaciones urbanas del mundo.
Referencia:
https://www.youtube.com/watch?v=4jwxUcoHL5Y&feature=emb_logo
Fotografía:
Objeto númreo B17711A. Cortesía de http://www.penn.museum
Object B17711A Courtesy of the Penn Museum
Fuentes y Fotografía:
https://www.youtube.com/watch?v=4jwxUcoHL5Y&feature=emb_logo
Objeto númreo B17711A. Cortesía de http://www.penn.museum
Object B17711A Courtesy of the Penn Museum
https://www.penn.museum/collections/object_images.php?irn=108736#image4
https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_1929-1017-130-a
https://www.penn.museum/collections/object_images.php?irn=108736#image4
https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_1929-1017-130-a
Especialista en Joyas y Gemóloga
Socia de JoyerosMX, Instituto Gemológico Italiano y Mubri Internacional
Desde que fundo Beatriz Biagi Design Studio a principios de los ’90s ha colaborado con organizaciones, instituciones y compañías del sector joyero en Asia, Europa y América como consultora de diseño, coordinadora de producción, investigadora y docente.
Además de llevar adelante la constante actividad de experimentación y aprendizaje para la innovación en la joyería, imparte cursos de diseño y apoyo a marcas emergentes para la producción de colecciones limitadas, piezas únicas de alta joyería y accesorios, combinando técnicas tradicionales con nuevas tecnologías digitales.
“Me apasionan la estética, los materiales y las tecnologías de la joya, así como su contexto social y comercial en las diferentes culturas”.
Para conocer más de Beatriz:
https://www.linkedin.com/in/beatrizbiagi/
ARTISTA: Beatriz Biagi
TIPO: Anillos componibles
TÍTULO: Inanna
METALES: Oro 750/1000 y plata 925
GEMAS: Lapislázuli, Cornalina
OTROS MATERIALES: Cerámica esmaltada
MEDIDAS de la composición completa:
62.00 mm x 48.00 mm x altura 33.00 mm
PESO: 58,70 g
TÉCNICA/S: Diseño CAD, prototipación e impresión digital, fundición directa, terminado y engastado a mano (acabados: cepillado y grabado con buril)
INTERPRETACIÓN DE INANNA
Conjunto de 5 anillos en oro 18Kt y plata 925, para llevar en 2 o más dedos de una o de las dos manos. La versatilidad de estos anillos está inspirada en el tocado de la reina sumeria Pu-Abi, del 2500 a.C, formado por capas de guirnaldas sobrepuestas. Retomando los motivos más destacados de dicho tocado, los anillos pueden llevarse superponiendo hojas de sauce en oro grabado con buril y con terminaciones de cornalina sobre hojas de álamo en plata cepillada, dispuestas alrededor de una estrella de 8 puntas en oro, con elementos en cerámica esmaltada blanco y azul y un cabujón de lapislázuli al centro. Esta forma geométrica es símbolo de Inanna, diosa de la fertilidad, figura y simbología presentes en muchas mitologías y religiones a lo largo de la historia de la humanidad.
Aplicando las posibilidades que ofrecen las técnicas artesanales, junto con tectologías de vanguardia, obtuve como resultado una pieza innovativa, que se adapta al uso contemporáneo de la joyería y logra un estilo que, aún estando fuertemente ligado a su fuente de inspiración ancestral, pertenece sin duda al lenguaje estético actual y al contexto de uso contemporáneo.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
El conjunto de joyería y artefactos encontrados en la tumba real de la ciudad-estado sumeria de Ur de es el primer gran tesoro de la historia de la humanidad hasta ahora descubierto y perteneció la soberana/sacerdotisa Pu-Abi, que reinó por su propio derecho. Sus joyas son arquetipos tanto universales como contemporáneos, por lo que traducir su valor estético y simbólico al presente me representaba un reto extremadamente interesante. Un ejercicio proyectual fascinante, que me permitió una vez más proponer mi respuesta original a la búsqueda incesante de equilibrio entre tradición e innovación de la joya.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Actualizar los elementos distintivos de las joyas de la reina Pu-Abi (elementos decorativos, materiales, versatilidad y riqueza), aplicándolos a un diseño contemporáneo de anillo, que es el tipo de joyería que más gozo crear. Es un conjunto de 5 anillos para llevar en dos o más dedos. Los anillos pueden llevarse superponiendo hojas de sauce en oro grabado con buril y con terminaciones de cornalina sobre hojas de álamo en plata cepillada, dispuestas alrededor de una estrella de 8 puntas en oro, con elementos en cerámica esmaltada blanco y azul y un cabujón de lapislázuli al centro. Esta forma geométrica es símbolo de Inanna, diosa de la fertilidad, figura y simbologías presentes en muchas mitologías y religiones a lo largo de la historia de la humanidad.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
No obstante, la joya sea un producto universal y milenario, siempre se pueden descubrir declinaciones originales, individuales e innovativas.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
El Proyecto Denisova expone la exquisita complejidad de nuestra relación con las joyas y lo que representan.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Fuentes
http://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?Museo=MAN&txtSimpleSearch=Diadema%20de%20Caravaca
https://es.wikipedia.org/wiki/Diadema_de_Caravaca_de_la_Cruz
Nacida en valencia, en el mediterraneo español, teresa andrés bueno es una apasionada del arte, la historia, la luz, el color y aromas
De su tierra. Diseñadora industrial, ha pasado media vida diseñando todo tipo de objetos he ilustrando libros. La joyería ha sido siempre
Su hobby, hasta hace doce años que pasó a ser su trabajo y pasión, mezclando diferentes materiales y cohesionando mundos. Sus
Colecciones son tan distintas como historias que contar, cada joya, ya sea de metal, tela, resina, arena, o cualquier otro material tiene
Su propio dialogo, su historia, su vida. El arte y sus ideas lo expresa en pequeñas joyas, como en grandes colecciones. Desde su marca
Teu son intenta transmitir la belleza de la vida.
Taller: avd burjasot nº 100 b. 46009 valencia
https://teu-son3.webnode.es/
Amazon handmade : joyería : “teu son”
https://www.instagram.com/teusonvcia/
ARTISTA: TERESA ANDRÉS BUENO
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): COLLAR
TÍTULO: TODAS SOMOS REINAS
METALES: TITANIO
GEMÁS: AZABACHE, LARIMAR
MEDIDAS: 23×13
PESO: 41 gr
TÉCNICA/S: CORTADO, LIJADO, PULIDO, TALLADO, ANODIZADO, OXIDACIÓN TERMICA, ESMALTADO TRAPEADO.
INTERPRETACIÓN
En mi pieza he querido transmitir la cultura argárica, intentando no perder la forma, la esencia, esa milimétricamente perfecta línea que recorre todo el collar como una sociedad perfeccionista y meticulosa en su trabajo. Pero a la vez mostrando una rebeldía e inconformismo, ante una sociedad clasista y dictadora, en la terminación, engaste de piedras y color, no quiero una reina, quiero que cada una se sienta reina de su vida. También he intentado demostrar que de la imperfección puede salir la perfección. Por último, para mí, el interior es igual o más importante que el exterior, por ello la pieza está igualmente trabajada en su interior.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Por su estética, tiene un diseño que me encantó dede que la vi, hace unos cuantos años, y eso que hablamos de una pieza de la primera mitad del segundo milenio A.C.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
En un primer momento haciendola collar, ya que era una corona, cambio varias veces el primer diseño por el uso del titanio al igual que las gemas.
¿Que buscas transmitir con tu trabajo?
Belleza, constancia, historia, cambios, sentirse siempre reina de tu vida
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Para poder transmitir a los demás la necesidad del hombre de crear arte desde sus origenes y querer embellecerse ya sea por gerarquia o simplemente por placer, por aportar un granito de arena en la cultura e historia de una forma tan visual y utilizada como las joyas con todos sus matices.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Pectoral con collar de Sith-athor-yunet con el nombre de Senwosret II, Período: Reino Medio, dinastía 12 reinado de Senwosret II, Fecha: ca. 1887-1878 A.C.
El pectoral esta elaborado en oro, cornalina, lapislázuli, turquesa, granate y el collar en oro, cornalina, lapislázuli, turquesa, feldespato verde. Fue excavado por Flinders Petrie en Lahun 1914 , es un pueblo de obreros en Fayum , Egipto . El Lahun se asocia con la Pirámide de Senusret II (en griego : Sesostris II ). EL pectoral se encuentra en exhibición en el Museo Metropolitano de Arte de NY. Está elaborado en técnica cloisonné con incrustaciones de 372 piezas de piedras semipreciosas cuidadosamente cortadas, todas perfectamente presentadas y perfectamente colocadas. Los signos jeroglíficos componen el diseño y en conjunto se puede leer: “El dios del sol naciente concede vida y dominio sobre todo lo que el sol rodea durante un millón cien mil años, es decir, la eternidad. Esencialmente, fue el rey quien se benefició de los poderes mágicos inherentes a las joyas que usaban las mujeres de su familia, lo que explica por qué su nombre, en lugar del de la princesa, aparece en los diseños.
Fuente:
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/544232
https://es.qaz.wiki/wiki/El_Lahun
Diseñadora Industrial, Técnica en elaboración de joyas, Master en Diseño Sostenible en Joyería, soy Artesana Joyera y desde hace 10 años soy una emprendedora Colombiana, creé mi marca de Joyas llamada Cinq Chats con mucha pasión y amor, en mi taller elaboro mis diseños, que desde siempre se han inspirado en la biodiversidad de mi país, en mi marca nos enfocamos en expresar el arte de la joyería artesanal a través de técnicas como la filigrana y la aplicación de cristales y gemas de diversos colores logrando piezas de arte únicas. Hoy sigo luchado por mi sueño llamado Cinq Chats, cada día busco aprender, conocer y perfeccionar técnicas y formas de lograr diseños excepcionales que expresen mi sentir y participo en convocatorias que me reten a crear lo inimaginable.
Para conocer más de Andrea María:
https://www.linkedin.com/in/andrea-rios-yunda-a499113a/
Instagram: @cinq.chats.joyeria
Facebook cinq.chats
ARTISTA: Andrea Maria Rios Y.
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Gargantilla – Choker.
TÍTULO: Ofrenda
METALES: Bronce, Plata y Oro.
GEMÁS: Lapislazuli, turqueza, coralina y Granate
MEDIDAS: 34, 5 cm de largo x 23 cm de alto x 8 mm de ancho.
PESO: 238,6 gr.
TÉCNICA/S: Corte CNC, Calado, Filigrana y armado, pointiage como
técnica decorativa.
INTERPRETACIÓN
Los jeroglíficos hacen parte de los templos y tumbas egipcios, y a través de este arte escrito, nos comunicaron la vida de ciertas personas y su historia.
Con mi joya quise manifestar todos estos aspectos de la cultura egipcia y la vida de la princesa Sit Hathor Yunet a quien perteneció la joya en la que me inspiré, pero de la cual no hay mucha información, de manera que la joya que diseñé, represente a travez de quien lo luzca un templo en cuyo cuello largo como una Columna se escriba el nombre la princesa, siendo parte de la historia y sintiéndonos como igual. En la gargantilla tomé en cuenta detalles que hacen parte del pectoral y la historia que se cuenta, la
protección del halcón a través de sus plumas, el color de la noche y el día
con las piedras, el ank y la serpiente y así cada detalle de mi gargantilla se
fue tejiendo en un grabado que interpreta un relieve egipcio en un templo, y por esto la he llamado ofrenda, porque es un tesoro que se da en vida a quien se aprecia o se ofrece en su paso al mas allá para que lo acompañe siempre. Así se relaciona mi joya con la vida de la princesa como una ofrenda a su recuerdo y su belleza
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Porqué representa el concepto que yo manejo ahora mismo en la joyería, y
me asombra como pudieron lograr en un espacio tan pequeño, incrustar 375
gemas con una perfecta técnica de manufactura.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Desde el momento en el que elegí la pieza tenía en mente una joya diferente inspirada en los detalles el pectoral y en su significado, ya que cada detalle del pectoral está ahí por una razón, para comunicar un mensaje, y quería incluir en mi diseño Significados similares incluyendo técnicas del pasado combinadas con elementos de nuestro tiempo, elaborando un diseño muy
artesanal, pero agregando detalles sutiles de alta joyería.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
El respeto hacia la cultura egipcia y como comunican a través del arte, la
importancia que se la da a sus joyas en esta vida y en la que sigue para ellos, pero sobre todo el saber hacer del joyero desde el inicio de las civilizaciones y como con tan pocas, poquísimas herramientas, demostraban su maravillosa
técnica de elaboración de joyas y demás objetos preciosos.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
EL proyecto Denísova es una puerta hacia el pasado y el futuro, es un túnel del tiempo, es un mensaje que muchas personas con ganas de llevar sus ideas a una realidad necesitan conocer, para inspirarse y tomar ejemplo, y descubrir que todo absolutamente todo con esfuerzo es posible.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
La Reina Ahhotep, XVIII dinastia, ejerció de regente durante la minoría de edad del faraón Ahmosis y promovió la expulsión de los dirigentes hicsos.
El collar realizado en oro, tiene 3 moscas de 9 cm cada una.
La mosca en el Antiguo Egipto tenía un valor profiláctico y protector. Durante la predinastía existían amuletos de piedra en forma de mosca y en numerosas pinturas cerámicas. Más tarde, con el Nuevo Imperio (1550-1070 a.C), aparece la Condecoración de la Orden de la mosca Dorada o la mosca del Dolor. Las moscas se llevaban colgadas al cuello. Era la mayor condecoración que un faraón le daba a sus soldados más valientes. Normalmente se hacían en oro aunque se han encontrado otros en plata. El significado de la condecoración era que, así como la mosca picaba a los animales y por mucho que se insista en apartarla no se aparta «del campo de batalla» molestando hasta el final, los soldados atacaban a los enemigos sin descanso. Valor, fuerza, dominio, insistencia y tenacidad eran sus máximos atributos. De hecho, hubo un soldado de la época de Tutmosis I que recibió hasta 6 moscas por su valor. También aparecieron algunas moscas en las tumbas de varias esposas de Tutmosis III, aunque no se sabe el por qué.
Fuentes:
https://supercurioso.com/el–collar–de–la–moscas–en–egipto/
https://www.sinek.es/collar–moscasegipto/#:~:text=Estas%20condecoraciones%20militares%20hechas%20para,a%20los%20hi csos%20de%20Egipto.
https://es.wikipedia.org/wiki/Ahhotep
https://es.wikipedia.org/wiki/Auguste_Mariette
https://www2.uned.es/geo–1–historia–antigua–universal/EGIPTO%20HISTORIA/Reinas_1DXVIII.htm
Pilar Trillo, Úbeda. Llevo en el sector de la joyería más de 20 años, pero más centrada en los acabados de las piezas. En 2018 empiezo una nueva etapa en Córdoba, en el Consorcio Escuela de Joyería estudiando lo que más me apasiona la creación y diseño de joyas.
Allí realizo SISTEMAS CAD/CAM PARA EL MODELADO Y PROTOTIPADO APLICADO A JOYERÍA Y ELABORACIÓN DE ARTICULOS DE PLATERÍA. En esta etapa aprendo técnicas que desconocía, también realizamos un proyecto muy bonito donde hicimos una interpretación de piezas arqueológicas.
Después también me embarco en el mundo de la porcelana aplicada a la joyería con María Torné y todo esto sin parar de formarme, me lleva al camino del emprendimiento en el que me encuentro actualmente con el objetivo de crear mi Marca de joyería sostenible.
Para conocer más de Pilar:
Instagram https://www.instagram.com/pilar_trillojoyasdeautor
ARTISTA: PILAR TRILLO ROMERO
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): COLLAR
TÍTULO: METAMORFOSIS
METALES: PLATA ECOSILVER, LUSTRE DE ORO ( EN PORCELANA )
GEMÁS: LAPISLAZURI, PORCELANA
MEDIDAS: 29,5 X 15
PESO: 89 GR
TÉCNICA/S: EN LA PLATA : TEXTURA EN LAMINADORA ,SEGUETEADO,LIMADO,UNION POR SOLDADURA, CONFORMADO, ENFILADO CON HILO. EN PORCELANA : LAMINADO DE PORCELANA FRESCA, DAR FORMA A LA PIEZA, TALLADO DE PIEZA, COCIDO DE ALTA TEMPERATURA, ESMALTADO CON CRAQUELE, Y LUSTRE DE ORO.
INTERPRETACIÓN
Aunque hoy en día la mosca la vemos como un insecto impertinente no lo fue así en los primeros tiempos. La mosca tenía para los egipcios un valor profiláctico y protector, apareciendo en el imperio nuevo como condecoraciones militares, pero no solo los soldados las recibían, el mejor ejemplo es el “Collar de Moscas” o “ Moscas del valor” que la reina ahhotep recibió de su hijo Amosis por su gran papel político y militar que realizó durante su regencia y que gobernó con sabiduría y equidad un difícil Egipto que tenía que reconstruir por completo. Era su forma de reconocer los grandes esfuerzos y sacrificios que ella hizo.
En mi interpretación he realizado una metamorfosis, para condecorar a todas esas personas que con valor luchan en su interior contra ciertos aspectos o momentos de su vida para generar un cambio.
El collar lo he interpretado con tres moscas en continuo cambio, como en continua evolución, cada una está con un acabado diferente y que además son desmontables.
El acabado de las moscas están inspiradas en Egipto, con lustre en oro mate antiguo, el craquelado remonta a piezas vidriadas desquebrajadas antiguas y como no, el lapislázuli, tan de esta cultura.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Soy una apasionada de las culturas ancestrales, en especial de la egipcia. Esta pieza ya de por sí, impresiona, pero la historia que hay detrás le da más “valor” .Además las moscas las vemos como algo que no gusta e incluso que molestan. Quería darle otra perspectiva inspirándome en estas piezas.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Bueno quise hacer un collar diferente tanto en los materiales como en el diseño, con plata ecosilver y porcelana, dándole unas pinceladas de oro y un craquelado. Con un toque personal propio “imperfectamente perfecto”. También e incorporado el lapislázuli que estaba tan vinculado a los egipcios.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Pues “el Valor” que cada uno de nosotros tenemos dentro y sacamos en ciertos momentos de la vida generando en nosotros un cambio…una metamorfosis.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Porque ha sido el motor para continuar adelante con mi propio proyecto, Joyas de autor con un concepto sostenible. De este proyecto saldrá mi primera colección. Además es para mí una experiencia enriquecedora poder ver a otros artistas con otras perspectivas.
ENTREVISTA YOUTUBE
La máscara funeraria de Tutankamón, está construida en oro, obsidiana, lapislázuli, cuarzo, turquesa, cornalina y cristal. Y fue la única tumba descubierta no saqueada, hasta nuestros días. Con un peso total de 11 kg.
La máscara funeraria de Tutankamón, es sin duda, la pieza arqueología más conocida del antiguo Egipto. La tumba descubierta por Howard Carter el 28 de octubre de 1925 fue un hallazgo sin igual ya que la tumba se encontró intacta.
Tutankamón,1 llamado en vida Tutanjatón,a (c. 1342 – c. 1325 a. C.) fue un faraón del Antiguo Egipto, último monarca de su familia real en el final de la dinastía XVIII que gobernó entre 1334 y 1325 –según la cronología convencional del Imperio Nuevo de la Historia de Egipto–. Su padre era el faraón Akenatón, que se cree que estaba enterrado en la tumba KV55, mientras que su madre era la hermana de este, identificada como tal por una prueba de ADN realizada a una momia desconocida llamada La Dama Joven, que fue encontrada en la tumba KV35.2
Tutankamón accedió al trono con ocho o nueve años bajo la tutela del visir Ay, que finalmente sería su sucesor y probablemente también era pariente. Tutankamón contrajo matrimonio con su medio hermana Anjesenamón, con quien concibió dos hijas que murieron, la primera a los 5 o 6 meses de embarazo y la segunda poco después de nacer.3 Los nombres del faraón -Tutanjatón y Tutankamón- se cree que significan «imagen viviente de Atón» e «imagen viviente de Amón», aunque el reemplazo de Atón por Amón se hizo después de su muerte.
Tutankamón reinstauró la religión politeísta del Antiguo Egipto después de las reformas monoteístas de su padre, enriqueció y fue generoso con las órdenes de dos importantes cultos, entre ellos el de los sacerdotes de Amón, y comenzó a restaurar los monumentos antiguos dañados durante el anterior periodo amarniense. Trasladó los restos de su padre al Valle de los Reyes y movió la capital desde Ajetatón a Tebas. Sufría una discapacidad física por una deformidad en su pie izquierdo junto a una osteonecrosis que le obligaron a apoyarse en bastones, varios de los cuales fueron hallados en su tumba junto a armaduras y arcos, en cuyo uso debía estar instruido. Estaba aquejado de otros problemas de salud como escoliosis y había contraído malaria.
En 1922 Howard Carter descubrió su tumba casi intacta en el transcurso de unas excavaciones sufragadas por Lord Carnarvon,4 un hallazgo que captó la atención de la prensa de todo el mundo. El descubrimiento de este hipogeo con más de 5000 artefactos, entre ellos la máscara funeraria de Tutankamón, expuesta en el Museo Egipcio de El Cairo, despertó un renovado interés en el Antiguo Egipto. Las muertes poco tiempo después de varios de los implicados en el descubrimiento de su momia se han atribuido popularmente a la maldición del faraón. Desde el descubrimiento de su enterramiento se lo conoce también como «Rey Tut».
Parte de su enorme ajuar funerario ha viajado por todo el mundo despertando una expectación sin precedentes. El Consejo Supremo de Antigüedades de Egipto autorizó esas exposiciones desde 1962, cuando se celebró la primera en el museo del Louvre de París. Esas exhibiciones atrajeron millones de visitantes hasta 1979, aunque después no se celebró ninguna más hasta que se retomaron en el período 2005-2011, cuando además se incluyeron objetos de los predecesores de Tutankamón en la dinastía XVIII, como su padre Akenatón o la reina Hatshepsut.
Se encuentra en el Museo Egipcio del Cairo
Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A1scara_funeraria_de_Tutankam%C3%B3n
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/mascara-tutankamon-se-exhibe-nuevo-museo-egipcio-cairo_9993
https://egiptologia.com/la-mascara-de-tutankhamon/
https://www.lacamaradelarte.com/2016/04/mascara-de-tutankamon.html
Lluis Solano Gifre, Palafrugell, de padre relojero y tradición joyera familiar, quería ser arquitecto, pero la mala relación con las matemáticas fueron un impedimento para estudiar arquitectura.
Entonces estudia micromecánica en el instituto politécnico, y por las tardes joyería en la escuela industrial y más tarde en la prestigiosa escuela de joyería Massana, centro de arte y diseño, ambas en Barcelona.
Después de unos años de trabajar en medios de comunicación, periódicos, radio y televisión, incluso escribir una novela, lo deja para seguir el negocio joyero familiar.
La monotonía del negocio familiar hace que emprenda una aventura en el mundo del diseño, para crear sus propias joyas, así nace la marca ChoKolate Luxury, para que los sueños y la fantasía en las joyas sean muy reales. En la búsqueda constante de un lenguaje artístico propio.
Cuenta con sus méritos el 3º Premio de joyería San Eloy, una mención Amberif Desing Award en Polonia y un Artistar Jewels en Italia.
Para conocer más de Lluís:
Redes sociales @lluisolano (Facebook e Instagram)
Web: www.chokolateluxury.com
ARTISTA LLUIS SOLANO GIFRE
TIPO COLLAR
TITULO OBJETIVO LA TIERRA
METALES PLATA
GEMÁS TALCOS
MEDIDAS 15 LARGO x 6 ANCHO x 6,5 ALTO
PESO 795 gramos
TECNICAS DISEÑO 3D / PROTOTIPADO 3D / MICROFUSIÓN / SOLDADURA OXIDRICA / OXIDACIÓN DE SUPERFICIE DE LA PLATA / ESMALTE DE CATALIZACIÓN POR LUZ ULTRAVIOLETA / LACAS / XAPADO ELECTROLITICO 18 KLTES / ESMALTE BICOMPONENTE FLUORESCENTE NO RADIOACTIVO PARA ESFEREAS DE RELOJ
INTERPRETACIÓN
Un oopart, es un objeto de interés histórico, arqueológico o paleontológico que se encuentra en un contexto muy inusual o aparentemente imposible que podría desafiar la cronología de la historia convencional.
La daga de tutankamon. Es una daga de hierro, aparecida dentro del féretro del emperador, en plena edad de bronce, y en una época que aún no se conocía como trabajar el hierro, en Egipto.
En 2016, unos análisis demostraron que ese hierro, era de procedencia extraterrestre, seguramente del grupo 76, es decir de un meteorito.
Pero las dudas persisten, si el hierro terrestre, ya de por sí para las primeras culturas, de la edad de hierro, les era difícil trabajar el hierro, aún lo sería más el hierro de un meteorito, con una composición diferente y más difícil de trabajar.
Todo eso unido al enigmático imperio egipcio, y a las constantes preguntas que siempre surgen, de como los egipcios con herramientas muy sencillos, creaban esas maravillas, o el porqué de la orientación a Orión de las pirámides. O los gravados de tanques, helicópteros o naves espaciales gravadas en el techo del Primer Salón del Templo de Seti I en Abydos.
Que no podamos explicar de donde vienen, no quiere decir que tengamos de ocultar que los egipcios venían de las estrellas. Este es solo uno de los misterios que me animo a realizar esta pieza.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Elegí esta pieza, por su gran trasfondo cultural, mitológico, oculto y por su gran potencial interpretativo que ofrece sus enigmáticos misterios, de la época. Egipto es sin duda una de las culturas que más huella ha dejado en lo arquitectónico, en la joyería, y todavía quedan muchos misterios por descubrir. Siempre me ha llamado la atención la perfección y capacidad técnica, la riqueza con la que creaban cada objeto y que hoy en día con toda nuestra tecnología no es comparable.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Planteé la pieza, directamente con su enigmático trasfondo que tiene el imperio egipcio, del contenido temático muchas veces inexplicable de como hacían las cosas. Siempre se ha jugado con la idea de que vinieron del espacio ha dejar esos conocimientos a diferentes culturas por el hecho de que no podemos explicar ciertas cosas que nos han dejado, y por ello he interpretado el ajuar mortuorio de Tutankamon representando a un Cristo que viene del espacio con rasgos extraterrestres, creando una joya con múltiples partes, así es que el Cristo está con su mascara bellamente esmaltada y engastada de gemas dentro del sarcófago y este dentro de la nave espacial de la que las llaves al paraíso sirven como soporte al collar y de cierre del mismo.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Quiero transmitir, que la historia, los sucesos, los enigmas, aunque no los podamos explicar, no los tenemos de ocultar sino seguir trabajando en encontrar la verdad.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Porque permite a cada artista elegir la pieza con la que contar un pedazo de historia e interpretarla en el presente con total libertad.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
https://youtu.be/75wnd0M6mww
Edad del Bronce en Irlanda.
Descubierta en el 1932 en el condado de Clare en Irlanda, esta pieza representa uno de los grandes tesoros de la Era de Bronce en este país. Está compuesta por 5 piezas de fina lámina de oro: 2 pares de discos circulares montados uno sobre otro y un collar en forma creciente unido a ellos. Está realizada con las técnicas de cincelado, grabado y trabajo en alambre. Se encuentra en el Museo Nacional de Irlanda.
Fuentes:
https://studylib.es/doc/4540779/gu%C3%ADa-del-museo-nacional-de-irlanda-arqueolog%C3%ADa
https://efivern.blogspot.com/2012/08/historia1Irlanda.html
Nacida en Puerto Rico, se titula en Ingeniería Industrial en 1988. Vive en México desde 1994 y hace 6 años descubrió la orfebrería en Academia de Orfebres donde ha encontrado una pasión por este arte. Ha tenido la oportunidad de aprender diferentes técnicas modernas y antiguas de la mano de grandes maestros como Lilo Palma, Carles Codina y César Cárdenas, trabajando la plata y el oro.
Para conocer más de Edna:
ARTISTA: Edna Eileen Feliciano Prieto
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Collar transformable a prendedor o dije
TÍTULO: Transformación
METALES: Plata 925
GEMÁS: Labradoritas
MEDIDAS: 24 cm de ancho X 28 cm de largo
PESO: 188 gramos
TÉCNICA/S: Calado, martelinado, filigrana, texturizados
INTERPRETACIÓN
No hay mucha información sobre la Gorguera de Gleninsheen, pero lo que se sabe es que estas piezas eran usadas por los miembros más importantes de los clanes en esa época. Presumiblemente hombres, al usarlas querían demostrar su estatus social y riqueza. Las gorgueras eran piezas para ser admirados y vistos. Eso mismo quise transmitir con esta joya: que la mujer que la porte se sienta bella, vista y admirada por ella misma y por los demás.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Desde el momento que me encontré con esta gorguera, me pareció espectacular. Es lo que hoy en día se conoce como statement piece. Está expertamente elaborada y los elementos de decoración que tiene el collar (círculos concéntricos, repujado, cincelado y trabajo en alambre) son muestra de la capacidad, tanto en diseño como en ejecución, de los orfebres de Irlanda hace casi 3000 años.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Quería hacer una pieza de impacto al igual que la original. Inmediatamente, me la imaginé como una joya que además fuera versátil y se pudiera utilizar de diferentes formas y en distintas ocasiones. En mi opinión, incorporar la filigrana es un buen contraste con la fuerza que tiene el collar.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Quería transmitir la fuerza y delicadeza que tiene la pieza original. Y simplemente crear una joya bella y versátil, con la cual la persona que lo porte se sienta hermosa y segura de sí misma.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Me parece una idea súper original, que no creo que se haya hecho anteriormente y con la cual se puede dar a conocer la historia de la joyería, incluso a nosotros los orfebres. Son tesoros de los cuales yo desconocía mucho y que estoy muy contenta de haber descubierto.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
https://youtu.be/i5Ksnz2W8Hc
Pazuzu es una estatua fabricada en bronce de 14,5 cm. de altura, datada aproximadamente entre los siglos VIII a.C. y VII a.C. (período comprendido entre los años 800 a.C. y 601 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico. Fue encontrada en Irak y desde 1872 forma parte de los fondos del Museo del Louvre de París, Ala Richelieu, sala 6, vitrina 4.
Su figura es hibrida, cuerpo humano desnudo con cuatro alas, cabeza canina con dos cuernos, pene serpentiforme, manos humanas, patas de ave de presa y cola de escorpión. Se muestra con la palma de la mano derecha hacia arriba, y la izquierda hacia abajo. Esta posición de las manos simboliza la vida y la muerte, o la creación y la destrucción.
Pazuzu es el rey de los demonios del viento y fantasmas Lilu, Lilitu y Ardat-lili fue conocido como Pazuzu, hijo de Hanpa en la mitología sumeria, asiria y acadia. Fue un dios demoniaco, documentado a partir del primer milenio precristiano. A su personalidad se le atribuye un doble aspecto maléfico y benéfico. Se le creyó propagador de epidemias, entre ellas, la malaria, pero también era invocado contra ellas. A veces aparecía asociado a su consorte y enemiga Lamasthu (demonio femenino que se alimentaba de recién nacidos y sus madres), siendo utilizado contra ella a las que obligaba a retirarse de sus víctimas. Se labraron infinidad de amuletos con su imagen o con su cabeza que se colgaban del cuello las mujeres encinta para protegerlas de la Lamasthu.
Para los sumerios, también representaba el viento del suroeste, que traía tormentas, y portador de la peste y las plagas, del delirio y de la fiebre.
Esta figura con la leyenda que la representa, fue utilizada como modelo para algunas escenas de la película de terror “El Exorcista” de 1973
CONJURO:
Oh Pazuzu, poderoso que atraviesas altas montañas, que resistes todos los vientos, viento iracundo que cuando se levanta es terrible, furioso propenso a la ira, que aparece furiosamente.
Asesino de las regiones del mundo, destructor de altas montañas, que agosta las tierras pantanosas, que secas sus cañaverales!
Él golpeó en el bosque, tiró sus árboles, entró en el jardín, hizo caer sus frutos, bajó al río, hizo caer hielo, golpeó al joven, lo tiró, golpeó contra la joven, deformó sus caderas.
Cuando tú soplas las regiones del mundo se tambalean.
Subió al desierto, hizo caer escarcha. ¡Oh dolor de cabeza de la humanidad, malestar de cabeza de la humanidad, enfermedad de la humanidad!
No entres en la casa en donde yo esté, no te acerques a la casa donde yo me aproxime.
¡Sé conjurado por Anu, Antu, Enlil y Ninlil, Ea y Damkina, Cielo e Infierno!
Fuentes:
Mitos de la antigua Mesopotamia. Héroes, dioses y seres fantásticos.-Federico Lara Peinado.
Editorial Dilema
https://www.louvre.fr/es
https://hablemosdemitologias.com/c-mitologia-sumeria/pazuzu/
http://kokita-eri-historiadelarte.blogspot.com/2019/07/pazuzu.html
Ana Ruíz, madrileña con estudios en Dibujo Publicitario y Joyería Artística. Su trabajo nace de un concepto, de una vivencia, de una inquietud, haciendo que las joyas cuenten historias, transmitan sentimientos, comuniquen mensajes y provoquen y respondan preguntas.
La función simbólica da significado a su joya, la permite representar diferentes conceptos en diferentes culturas, comunicar mensajes dentro del entorno sociocultural, una inquietud, una vivencia, por lo que le permite representar ante los demás lo que significa para ella misma
Estudia la joya desde su significado simbólico y su materialidad, buscando encontrar una posible relación que le ayude a configurar un producto capaz de transmitir un mensaje sin palabras solo con los materiales con los que construye su obra, una pieza que pueda significar y ser leyenda en una sociedad. Con el metal texturado o patinado, o los objetos cotidianos intenta transmtir declaraciones que pueden ser de naturaleza política, social o personal. Cuando crea una pieza, al principio no piensa en su portabilidad o su papel funcional, su idea es documentada y seguida por el desarrollo del diseño para después adaptarlo a la pieza.
Para conocer más de Ana:
instagram: @reciclanar
faceboock: Ana Ruiz
Artista: Ana Ruiz
Tipo: Broche
Título: Vacuum
Metales: Latón
Gemas: Amatistas
Medidas: 6,96 X 6,41 X 1,85 Cm.
Peso: 37 Gr.
Técnicas: Fundido a la cera perdida, calado, embutido, soldado, limado, lijado, oxidado y engastado.
INTERPRETACIÓN
Mi amuleto VACUUM que preserva del virus de la pandemia del 2020, con sus brazos móviles que mano arriba y mano abajo representa, la salud y la enfermedad, el bien y el mal; su cuerpo con nervaduras por cuyos espacios fluye nuestra energía vital y fuerza interior; sus ojos con dos amatistas que protege de la negatividad energética de otras personas o cosas y sana la enfermedades pulmonares.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Oí hablar de PAZUZU en una emisora de radio temática dedicada al misterio, me pareció interesante y me informé sobre ella, al comprobar que era un colgante y toda su historia y lo que representa me animó a elegir esta original pieza.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
La he planteado como un ser híbrido llevado al séptimo arte y ciencia ficción, dada la repercusión que tuvo la película de El Exorcista en el año 1973 en el que PAZUZU es el demonio que se apodera de Regan (la niña del exorcista) de ahí que tenga la cabeza de Joda y las manos de Miki Mouse.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Más que transmitir, he creado este amuleto como protección contra la pandemia que nos ocupa en este siglo XXI, y he elegido el broche porque va prendido cerca de los pulmones, que son los órganos que más se ven afectados por este virus, podriamos decir que quiere transmitir sanación.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Es importante, es cultural y es muy interesante dado que este proyecto nos transporta a otras culturas en el tiempo y nos transmiten sus costumbres y creencias dándonos la oportunidad de reinterpretar con toda libertad el significado que arroja llevado a nuestro tiempo.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Museo Nacional de Arqueología de Madrid, España
Es una escultura que esconde muchos misterios sobre su origen. Uno de los aspectos más llamativos de la Dama de Elche son las impresionantes joyas que luce que nos recuerdan el mundo fenicio-púnico
Sobre el vestido lleva tres collares con colgantes: dos de ellos con pequeñas ánforas y uno con una especie de lengüetas, probablemente porta amuletos.
Esta preciosa imagen fue encontrada por casualidad en la finca La Alcudia (Elche) provincia de Alicante, en 1897 por Manuel Campello, un niño de 14 años que llevaba agua a los obreros de la finca propiedad de Manuel Campello Antón.
La escultura de la Dama se enmarca en la época del ibérico pleno, período del siglo V al siglo IV a.C. Fue ofrecida al Museo Arqueológico Nacional en España, el cual la rechazó y se vendió al Museo del Louvre de Paris. En el Louvre, por iniciativa de S. Reinach, la obra recibió el nombre de la Dama de Elche.
En 1939 se traslada al Castillo de Montauban (Toulouse). En 1941 se traslada al Museo del Prado.
La Dama de Elche permaneció en el Museo del Prado hasta el año 1971, cuando fue trasladada al Museo de Arqueología Nacional, en Madrid.
Fuentes:
ARANEGUI GASCÓ, Carmen: “La Dama de Elche y las otras damas ibéricas” en La Dama de Elche: figura y símbolo (folleto). Elche: Fundación Universitaria de Investigación Arqueológica La Alcudia de Elche. 2006.
OLMOS, Ricardo: “Y la Dama compuso su semblante” en La Dama de Elche: figura y símbolo (folleto). Elche: Fundación Universitaria de Investigación Arqueológica La Alcudia de Elche. 2006.
VV.AA. La Dama de Elche: figura y símbolo (folleto). Elche: Fundación Universitaria de Investigación Arqueológica La Alcudia de Elche. 2006.
Pilar Aymerich, es una diseñadora cuya vida ha tenido siempre un estrecho vínculo con el mundo de la joyería. Hija de padres joyeros, su formación dio comienzo en la emblemática Escuela Massana de Barcelona durante siete años, donde se especializa en Artes plásticas y diseño.
Fascinada por la cultura asiática, viajé por Tailandia y Bali durante doce años, aprendiendo de su buen hacer, su respeto y delicadeza.
Todas y cada una de mis creaciones son únicas e irrepetibles. Su conexión con las piedras preciosas y los minerales va más allá de la simple relación entre el artista y su obra, dotando de personalidad propia a cada una de sus joyas.
Poco a poco fui participando en ferias del sector del lujo como la “Fira del luxe” en el Castillo de Peralada, la “Luxury fair” en Barcelona, y la “Fira del luxe” en S’Agaró.
Básicamente, sus creaciones son con piedras sin pulir mezcladas con otros minerales pulidos y bronce artesanal, dándoles el nombre de “Glamour salvaje”.
Para saber más de Pilar:
Instagram @pilaraymerich
facebook.com/lajoia.pilar
ARTISTA: PILAR AYMERICH
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): COLLAR
TÍTULO: EL ALIENTO DE LA DAMA
METALES: BRONCE
GEMÁS: HEMATITES CHAPADOS EN ORO, CORAL NATURAL TEÑIDO, LAPISLAZULIS Y LAVA CHAPADA EN ORO.
MEDIDAS: 36 cms de largo X 22,5 cms de ancho (expuesto en peto)
PESO: 355grs.
TÉCNICA/S: Cerámica hecha a mano con enfilado de gemas.
INTERPRETACIÓN
La Dama de Elche, es un enigma muy controvertido ya que no se sabe exactamente quien pudo ser. Se dice si era una Gran sacerdotisa, o si era una dama de alto rango, pero exactamente no está clara su identidad. También se la ha comparado con la Diosa Istar de los anonakis, los antiguos pobladores de la desaparecida Atlántida…
Es un personaje que siempre he admirado por sus rasgos tan perfectos y su gran belleza, por eso cuando se me propuso participar en este gran proyecto fue Ella quien estuvo en mi mente.
Si hoy en dia existiera, la veo una mujer distinguida, exuberante y muy actual con un halo de misterio y amante del esoterismo.
Mi interpretación de su célebre collar es un tributo a esa mujer mitad sacerdotisa, mitad Dama que se sabe envidiada y se protege con sus porta-amuletos pero con frescura y actualidad.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Porque es la representación más importante de la cultura íbera y de la civilización que da nombre a nuestra península. Aparte, es una imagen que siempre me ha cautivado por su perfección y belleza.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Al ser los íberos un pueblo básicamente mediterráneo, me inspiró el color azul del mar, y a continuación pensé en sus trabajos de alfarería y vino la representación de las ánforas porta-amuletos en cerámica y la frescura de los tonos azules.
¿Que buscas transmitir con tu trabajo?
Pienso que la joyería no debe de encasillarse en oro o plata, sino en metales y materiales alternativos muy acordes con la época actual. Para mi es muy importante la creatividad y el diseño, y el concepto de joya no ha de ir ligado a su precio sino a su calidad y vanguardismo.
¿Por qué es importante el Proyecto Denísova?
Al haber estudiado Bellas Artes, Pintura y Diseño gráfico, soy una amante de la Historia del Arte. Pensar en que 50.000 años atrás existía una civilización que recorría 100 kms para ir a buscar minerales me apasionó y no pude resistirme a participar en este gran proyecto.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Peine representando una batalla, realizado en oro, pertenece a la cultura escita. en un principio fue un pueblo nómada hasta que se asentaron en la región de Belsk, Ucrania, donde se cree asentaron la capital escita en Gelonus, en cuyas restos arqueológicos se han encontrado talleres de artesanía y alfarería griega con los que tuvieron un gran intercambio cultural y económico.
Los escitas trabajaron una amplia variedad de materiales, tales como oro, madera, cuero, hueso, bronce, hierro, plata y oro blanco. Como nómadas, los escitas trabajaron en materiales decorativos para usar en sus caballos, tiendas y carretas y muchas de las piezas eran pequeñas para que fueran portables. Las piezas más tempranas reflejan las tradiciones asirias de estilo animal; mientras que muchas piezas del período posterior, especialmente en metal, fueron producidas por artesanos griegos que adaptaron estilos griegos en los gustos y en los motivos para el mercado escita y probablemente trabajaron en el territorio escita.
En los últimos años, los arqueólogos han hecho descubrimientos importantes en varios lugares de la zona. Así, se han hallado elementos decorativos que muestras bestias antropomórficas, motivos geométricos o animales. También se han descubierto alfombras de fieltro, así como herramientas y utensilios domésticos. La vestimenta encontrada por los arqueólogos también ha sido elaborado con bordados y diseños aplicados. Al parecer, la gente rica vestía prendas cubiertas de placas de oro en relieve.
Hallado en las cercanías del Rio Dnieper en la Región de Zaporozhye. Ucrania se encuentra en el Museo de Hermitage –San Petersburgo, Rusia.
Fuentes:
https://www.marqalicante.com/ermitage/peine.php
https://es.qaz.wiki/wiki/Scythian_art
Rosa Sempere, Joyera con una larga trayectoria, monta su empresa Joyas con Alma en 1997 recreando réplicas antiguas de las Joyas de Aragón, y una línea de joyas más contemporáneas con un estilo steampunk. Especialista en joyas modernistas sobre todo en broches y peinetas de la época. Rosa es original y creativa, lejos de la ostentación y la mediocridad, artesana certificada por la Generalitat Valenciana. Para sus creaciones, siempre artesanales y realizadas por ella misma, utiliza materiales nobles como plata, asta de toro, nácar, palo santo, ébano, y por supuesto añade nuevos materiales como el acero, aluminio, resinas, etc. Aplica a sus joyas otras técnicas como la fabricación de abanicos. Premio a la Innovación 2011, Premio Europa 2015 y Premio honorífico nacional de joyería, PRENAMO 2019. Realiza colaboraciones habituales en joyería para el cine, máscaras para los Carnavales Venecianos, ha participado en desfiles como la Fashion week poniendo sus joyas al prestigioso diseñador Francis Montesinos.
Para conocer más de Rosa:
Instagram @semperejoyasconalma
ARTISTA: Rosa Sempere (Sempere Joyas con Alma)
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Peineta
TÍTULO: Peine Escita
METALES: Asta de Toro y Pan de Oro
GEMÁS: no
MEDIDAS: 11×9.30
PESO: 40 gramos
TÉCNICA/S: Planchado. Tallado. Torneado. Maqueado en Oro. Pulido
INTERPRETACIÓN
Es una peineta hecha con un gran amor y respeto a la cultura Escita con la representación de su modo de vida, trasformada con otros materiales que cuando la ves piensas que es de la época. Es una cultura con una fuerte influencia griega que se aprecia en su joyería y que me atrajo desde el principio.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Por mi andadura con las Peinetas, me sentí atraída desde el primer momento que la vi. Fue Amor a primera vista, ver como las mujeres Siglo IV-V se cuidaban sus cabellos tan delicadamente.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Y trabajo mucho con Acero y Asta de Toro y vi como las personas de la época utilizaban mucho los huesos y Astas para hacer joyas y eso me animo a sentirme identificada con ellas.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
El Amor por las joyas sin tener que ser materiales preciosos y que nuestras antepasadas ya las utilizaban y puede ser tan actual como ahora poder utilizarlo
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Porque nos hace llegar a los artesanos, los grandes olvidados. A que puedan disfrutar de los trabajos de nuestros antepasados con la fabricación de sus manos a seguido trasmitiéndose en la historia y poder obtener una pieza exclusiva como son todas las piezas de mis compañeros que son grandes maravillas, y la magnitud y representación de unos artistas que trabajamos con nuestras manos.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
También conocido como Medallón con el busto de Eros, es un medallón de oro, elaborado en la Antigua Grecia y que data del año 250 – 200 A. C., durante el llamado Período helenístico, El medallón representa a Eros que en la mitología griega era el dios primordial responsable de la atracción sexual, el amor y el sexo, venerado también como un dios de la fertilidad. En algunos mitos era hijo de Afrodita y Ares, pero según El banquete de Platón fue concebido por Poros (la abundancia) y Penia (la pobreza) en el cumpleaños de Afrodita. Esto explicaba los diferentes aspectos del amor.
El medallón se encuentra expuesto en el Museo del Louvre en París.
Fuentes de información del medallón:
http://kokita-eri-historiadelarte.blogspot.com/2019/09/medallon-de-eros.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Medallón_de_Eros
https://sherryv99.tumblr.com/post/126718304081/medallón-de-eros-también-conocido-como-medallón
Alejandro Carrero es un joven andaluz, diseñador de joyas, dueño y creador de la firma joyas que lleva su mismo nombre Alejandro Carrero Jewelry.
Apuesta por una joyería innovadora con espíritu joven, respetando las técnicas artesanas de la joyería tradicional, con una fuerte influencia de la naturaleza en sus joyas, disfruta creando y combinando técnicas para dar vida a sus ideas.
Para conocer más de Alejandro:
www.instagram.com/alejandrocarrerojewelry
www.facebook.com/alejandrocarrerojewelry
ARTISTA: ALEJANDRO CARRERO
TIPO: BROCHE
TÍTULO: AMOR
METALES: PLATA Y ORO
GEMÁS: ESMERALDAS NATURALES
MEDIDAS: 13x9cm
PESO:130 gr
TÉCNICA/S: Técnicas manuales tales como modelado en cera, micro fusión, segueteado y modelado del metal, repujado, grabado con buriles, también apliqué distintas durezas de soldaduras, engastado, también efectos de satinado, pulido y baño de oro.
INTERPRETACIÓN
Con este broche que muestra la divinidad de Eros y bajo el nombre de Amor, represento todos los aspectos del amor comunes a todos los tipos de amores que existen, que son:
En primer lugar, este llega a todas las personas, no conoce límites, es por esto por lo que en esta pieza represento a un Eros victorioso, con una corona de laurel y con unas grandes alas emplumadas.
En Segundo lugar, el amor erótico y sexual es la potencia que reproduce el mundo, solo basta un inicio de atracción mutua por dos seres para cultivar la fertilidad , es por esto ,que Eros surge de una corona de ornamentación natural decorada con esmeraldas naturales, que a su vez enreda la flecha de Eros, la cual representa la chispa de la atracción.
Por último, son las “obligaciones” autoimpuestas a consecuencia de dicho amor, es decir, cuando existe un compromiso hacia alguien o algo, hay ciertas responsabilidades que van implícitas al mismo. Esto lo represento con las cadenas y de estas cuelgan rosas, que representan el símbolo del amor que las he querido mostrar en distintos estados de madurez, que simbolizan desde el amor más florido hasta el amor más marchito.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Elegí esta pieza porque siempre me llamó la atención la joyería de la época griega, representaban casi siempre motivos naturales que a mi me encantan y sobre todo las joyas que representaban Divinidades eran las mas usadas por el pueblo.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Quería hacer una versión que representase amor en todas formas, usando el motivo principal del medallón original, Eros, como eje central de la pieza.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Para entender la pieza que presento, tenemos que saber quién era Eros en la mitología griega, es el dios primordial responsable de la atracción sexual, el amor y la fertilidad, su equivalente en época romana y hasta hoy, es Cupido
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Es importante porque es una oportunidad de exponer y visualizar la creatividad en el sector joyero como ARTE, puesto que considero que es un arte que engloba tanto el dibujo como la destreza manual, que a veces, se ve opacada por el genero comercial seriado.
ENTREVISTA YOUTUBE
https://youtu.be/A0c3VKRxJMk
Collar guanche realizado en cuentas de barro cocido.
Hallado en 1959, Los Silos (Tenerife)
Museo Arqueológico de Tenerife. Organismo Autónomo de Museos y Centros del Excmo. Cabildo de Tenerife. (MUNA)
Cuentas de collar realizadas a mano pertenecientes a elementos de adorno personal, hallados frecuentemente en cuevas de enterramiento como parte del ajuar funerario. La mayoría de estas cuentas son de forma discoidal y están elaboradas con pastas de muy buena calidad, presentando algunas de ellas un intenso pulimento. Al tratarse de islas los pobladores originarios de este territorio no tenían acceso a otros materiales para crear sus objetos ornamentales adaptándose a aquellos que podían encontrar y fabricar con sus propias manos.
La pieza pertenece al Museo Arqueológico de Tenerife. Organismo Autónomo de Museos y Centros del Excmo. Cabildo de Tenerife. Fue cedida al Museo Arqueológico Nacional para formar parte de la exposición El poder del pasado. 150 años de arqueología en España celebrada entre 2017 y 2018. La imagen que se acompaña pertenece al catálogo que se editó con motivo de la exposición.
Bibliografía y fuentes:
Catálogo de la exposición “El poder del pasado. 150 años de arqueología en España”. 2018. Gonzalo Ruiz Zapatero. Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.
Fuentes:
https://www.museosdetenerife.org/assets/downloads/publication-2b6825ee9d.pdf
https://es.wikipedia.org/wiki/Abor%C3%ADgenes_canarios
https://www.youtube.com/watch?v=4spacinaglA
https://www.rtve.es/rtve/20201116/2-estrena-documental-momias-guanches/2056608.shtml
Ha construido con constancia, perseverancia e ilusión la marca “Arena y Plata” un sueño hecho realidad que comenzó en Brasil en 2014, allí conoció a grandes maestros joyeros como Kjeld Boesen que le enseñaron el apasionante mundo de la joyería, estando vinculada hasta ese momento con el sector de la construcción.
Amante de la joyería artesanal su formación ha sido constante en técnicas de moldeado en cera, esmaltado y engaste de piedra. En estos momentos sigue aprendiendo de la mano de Rafael Martín Kreijer, centrándose en técnicas antiguas de engastes y restauración de piezas. Su formación comenzó con cursos de diseño de joyas y modelado en cera en el Studio DuO de Debora Maulee y continúo en el Atelié Labriola de Geraldo Labriola ambos en Sao Paulo, contando, además, con la acreditación como artesana del Excmo. Cabildo de Tenerife.
Dibujar sonrisas con sus creaciones es su recompensa, trabajando diariamente porque su marca sea de primera línea, referente y símbolo de calidad, centrándose en la plata y apostando por aportar una visión actualizada a diseños clásicos.
Para conocer más de Leticia:
Instagram @Arenayplata
Facebook https://www.facebook.com/arenayplata/
ARTISTA: ARENA Y PLATA – LETICIA PALENZUELA GUTIÉRREZ.
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): GARGANTILLA.
TÍTULO: TIZZIRI (LUZ DE LUNA).
METALES: PLATA 925.
GEMÁS: CIRCONITAS DE COLORES VARIOS.
MEDIDAS: 16 X 13 CM.
PESO: 37.30GR.
TÉCNICA/S: Fundición, Laminación, Soldar, Limado, Lijado, Pulido, Limpieza Y Engastes: Invisible Y A Grano.
INTERPRETACIÓN
En la gargantilla que he creado, partiendo del collar de cuentas, he querido de forma indirecta, representar elementos muy canarios, como los tubos, que se asemejan a los tubos volcánicos. Tiene tubos pulidos, como sus callados (piedras redondeadas y pulidas de la playa o barrancos) y otros con efecto texturizados como las zonas de lavas que dieron origen a las Islas.
Otro elemento fundamental son los colores de las circonitas que representan todas los pigmentos que se pueden ver en Canarias a lo largo de un día; desde sus amaneceres y atardeceres en tonalidades amarillas, naranjas y rojas, pasando por su cielo y sus aguas con los diferentes tonos de azul hasta llegar a las zonas más al norte de las islas occidentales en las que el verde en todas sus expresiones es el protagonista.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Soy canaria y esta pieza es un claro ejemplo del rico patrimonio que tenemos en nuestra tierra de la época aborigen, los guanches, y considero importante divulgar su conocimiento.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
En primer lugar consideré primordial conservar las formas tubulares de la pieza original, algo muy característico de la joyería guanche. Canarias tiene a lo largo de su territorio infinidad de tubos volcánicos y cuevas a los que los guanches dieron diferentes usos.
La pieza original destaca también por estar muy pulida, a pesar de los pocos recursos con los que contaban. A partir de ahí considere alargar cada una de las piezas que conforman el collar, como un tubo volcánico (*1) e introducirle color para que ganará en luminosidad.
(*1): La cueva del Viento en Tenerife: el tubo volcánico más largo del mundo (fuera de Hawái) Es el más largo de Europa y del planeta si excluimos cuatro tubos volcánicos más extensos que existen en Hawái. Un fenómeno natural impresionante, labrado por la fuerza de la lava y que es posible visitar.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Mi primer objetivo era transmitir los colores, brillos y texturas que representan las Islas Canarias. Como una pieza puede ser sencilla pero elegante a le vez, que sea una joya que se pueda utilizar en cualquier momento del día o de la noche. En definitiva Tizziri es una pieza actual y funcional.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Este proyecto pone de relieve la importancia de la joyería en toda la historia de la humanidad dándole una visión actual a piezas creadas en otro tiempo con pocos recursos pero con gran creatividad. Asimismo, Desínova es importante porque permite que joyeros de diferentes puntos podamos dar a conocer nuestro trabajo en un marco incomparable.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Periodo Helenístico
Las amphoras en miniatura fueron un tipo de decoración popular para collares y aretes en los siglos III y II a.C. Forman algunas de las piezas de joyería helenística más atractivas y finamente trabajadas.
La pieza presentada realizada en cuarzo y oro, esta compuesta de un cuerpo alargado tallado en cuarzo inclinado suavemente hacia la base puntiaguda con un cuello cilíndrico, con elegantes asas gemelas, cadenas de oro unidas a ambas asas y un tapón de oro abovedado, todo unido a un bucle de suspensión dorado con terminales de cable trenzado. Mide 8.2cm de alto.
La palabra “amphoriskos”, en griego para “amphora pequeña”, se refiere a la forma de este objeto, una versión en miniatura de los recipientes de metal o cerámica de dos asas que contenían aceite o vino. En este caso el amphoriskos cumple la función de transportar ungüentos, aceites o perfumes, los cuales eran generalmente importados de tierras exóticas, hecho que encarecía el producto. Su pequeño diámetro hace que sea fácil de taponar con un trozo de corcho, esponja o a veces una tapadera.
Se encontraba en la colección Gawain McKinley, adquirido en 1996 antes de ser subastado por Christie’s en 2010.
FUENTES:
-Metropolitan Museum of Art. 2000. “One Hundred Thirtieth Annual Report of the Trustees for the Fiscal Year July 1, 1999 through June 30, 2000.” Annual Report of the Trustees of the Metropolitan Museum of Art, 130: p. 18.
https://www.artic.edu/artworks/67448/amphoriskos-container-for-oil
https://www.jbagot.art/obra/anforisco-2
https://www.christies.com/lot/lot-5358399
Gabriela Avelar es diseñadora industrial especializada en diseño, producción y comercialización de joyería con estudios en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey Campus Guadalajara y en Hard to Find Escuela de Artes Aplicadas.
Sus conceptos de diseño se basan en el simbolismo, dualidad, abstracción y la mente misma.
A pesar de crear piezas muy dependientes en un concepto, le da la misma importancia a la técnica utilizada, buscando un balance entre estética, y la calidad de trabajo.
Criada en varios estados de México, Gabriela aprendió a observar e inspirarse en la riqueza de estos paisajes, arquitectura y curiosidades que encuentran quienes se atreven a observar con detenimiento. Encuentra inspiración también en la belleza de la decadencia y la transformación constante de las personas y objetos con el paso del tiempo.
Ha participado en exposiciones como NYCxDesign, exhibición de objeto de interacción para la plataforma Wanted Design de la exposición NYCxDesign, NAO Land Design, exhibición de 14 piezas únicas para la exhibición de joyería de arte en Hard To Find junto con la exposición del artista Jamie Bennett y próximamente tendrá una pieza de joyería expuesta y publicada en la plataforma Artistar 2021.
Para conocer más de Gabriela:
ARTISTA: Gabriela Avelar
TIPO: Colgante
TÍTULO: Lacrimatorio
METALES: Plata
GEMÁS: Aguamarina y piedra luna arcoíris
MEDIDAS: 7.2×1.8cm sin cadena, 29×1.8 con cadena
PESO: 14.3 gramos
TÉCNICA/S: Cera perdida, embutido, calado, soldado, engaste de gemas
INTERPRETACIÓN
Se ha hablado de unos pequeños frascos llamados lacrimatorios, en donde al fallecer un ser querido se depositaban las lágrimas derramadas por la partida de este, el tiempo de luto se da por finalizado cuando las lágrimas se evaporan. Lamentablemente no se ha encontrado evidencia convincente de que hayan existido, así es como nace este proyecto
Se desarrolló este lacrimatorio con el deseo de guardar figurativamente algo igual de valioso a las esencias y perfumes que se traían de tierras lejanas: las alegrías y penas que puede sentir una persona durante su vida, lágrimas de felicidad y tristeza, esto para siempre poder volver a eventos importantes que definen a una persona. En este contenedor se evaporan las penas y se conserva la dicha, convirtiéndose en un relicario del alma.
El lacrimatoio desborda sus contenidos líquidos así cómo salen las lágrimas al no poderlas contener, convirtiendo las lágrimas en piedras preciosas (aguamarina). Los contenidos del frasco son resguardados por un tapón con una piedra luna arcoíris que convierte la luz ordinaria en colores.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Siempre me ha apasionado la joyería de diferentes épocas y la historia que guardan, en especial las piezas de joyería hechas para contener algo, ya sean fotografías, recuerdos o en este caso perfumes y aceites. El periodo helenístico me pareció buen punto de partida por su aportaciones de joyería significativa y cargada de simbolismo hecha principalmente en oro.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Reflexioné sobre lo que me gustaría guardar en mi reinterpretación del amphorisko, algo igual de preciado que los perfumes que llevó en su interior hace tiempo. Había leído anteriormente sobre los llamados lacrimatorios victorianos que presuntamente tenían origen en la antigua Roma y Egipto, sin embargo no encontré pruebas convincentes de que fueran una pieza que en realidad existió, por lo que decidí crear mi propio lacrimatorio.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Con mi trabajo me gusta transmitir el sentimentalismo que siempre ha caracterizado portar una pieza de joyería. Además del valor estético, busco que la pieza tenga un concepto o metáfora oculta.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Me parece un proyecto importante y necesario pues siempre es importante conocer nuestra historia para poder seguir avanzando y creando. Sin saber de dónde viene la joyería ni cómo fue evolucionando, no podemos entender por completo lo que creamos hoy.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
https://youtu.be/LH-uANpZbCs
La gema, una cornalina tallada, captura el momento en que Eneas, hijo del príncipe troyano Anquises y la diosa Venus, escapa con su familia de Troya al final de la Guerra de Troya. Eneas sube los escalones hasta un barco que espera, con su padre sobre su brazo derecho y su hijo, Ascanio, sosteniendo su mano izquierda. Eneas lleva un corsé pero ninguna otra armadura; su padre viste túnica con un manto sobre la cabeza. Ascanio, que se muestra justo en el momento de salir de las puertas de la ciudad, usa un gorro frigio, un quitón y una capa mientras sostiene un pedum (un palo arrojadizo de cazador) sobre su hombro izquierdo. Anchises sostiene una caja cilíndrica con un patrón en X en el lateral. Detrás de ellos, los muros de Troya se levantan, y un soldado griego con cascos con cresta mira hacia ellos desde las almenas mientras sostiene una antorcha encendida en alto en su brazo derecho levantado, una lanza en posición vertical en el izquierdo. Tres troyanos los esperan en el barco, todos con gorros frigios: uno maneja el timón, otro el aparejo todavía enrollado del barco y el tercero levanta una trompeta u otro objeto en forma de cuerno. Sobre ellos, una sola estrella.
– 1965 Giorgio Sangiorgi, italiano, 1886-1965, por herencia a su hijo Sergio Sangiorgi, 1965.
1965-2015 Sergio Sangiorgi, por herencia a sus herederos, 2015.
2015-2019 Herederos de Sergio Sangiorgi [vendida, Christie’s, Nueva York, Piezas maestras en Miniatura: Antiguas Gemas Grabadas Anteriormente en la Colección G. Sangiorgi, 29 de abril de 2019, lote 30, al Museo J. Paul Getty.]
En la actualidad se encuentra en el Museo J. Paul Getty, Colección Villa, Malibu, California; Declaración de derechos: Sin derechos de autor – Estados Unidos
Los romanos fueron expertos en el tallado de gemas que montaban posteriormente en anillos, colgantes, pendientes, era común entre los soldados entregar a la familia una gema tallada con su rostro por si no volvían de la guerra para que se pudieran acordar de ellos.
Fuentes
https://www.getty.edu/art/collection/objects/336770/unknown-maker-intaglio-with-scene-of-aeneas-and-his-family-escaping-from-troy-roman-about-20-bc/?dz=0.5000,0.5273,0.53
https://mymodernmet.com/es/historia-camafeos/
https://www.instagram.com/lizworks/
De Puebla, México, estudió la licenciatura en Historia, su marca “Tania Marzuca, Joyería de Autor”, fusiona sus pasiones: Historia, Creatividad y Sustentabilidad; piensa y crea joyas de plata modernas con un toque del pasado, cada pieza narra un trocito del tejido del tiempo y el espacio.
Joyas de Autor únicas y sustentables, la exclusividad de piezas irrepetibles, que están cargadas de armonía, elegancia, significado y estilo.
Su Joyería está hecha con Arcilla de Plata, es una de las pioneras en el país en diseñar, trabajar y enseñar con este material desde 2012.
Su trabajo ha sido expuesto múltiples veces en el Teatro Metropolitano de Tokio.
Expone su trabajo en el Museo Franz Mayer de la Ciudad de México en la Exposición de Art Clay dentro del marco del Abierto Mexicano de Diseño.
Semifinalista de Muestra de Moda Mexicana Barcelona y del concurso Barroco XXI de la Universidad Iberoamericana.
Recibe el reconocimiento por ser una mujer líder con sentido humano que otorga la Universidad de Oriente de Puebla a mujeres destacadas
Su trabajo ha sido publicado en diversas revistas
Para conocer más de Tania:
https://www.taniamarzuca.com.mx
Instagram @taniamarzuca
Facebook https://web.facebook.com/taniamarzuca
ARTISTA: Tania Marzuca Rivero
TIPO: Collar largo
TÍTULO: “Un Grito de Ayuda”
METALES: Plata fina 999
Cadena y argollas de Plata de ley 925
GEMÁS: Madre perla “Rainbow lipped” Pteria Sterna Del Mar de Cortez
Goshenitas, Aguamarina natural facetada, corte briolette. Diamantes
MEDIDAS: 51 cm de largo por 8 cm en su parte más anch, espesor 3 cm en su parte más cóncava
PESO: 105.4 gr.
TÉCNICA/S: Técnica Plata Moldeable tallada a mano y moldeada. Grabado a mano de la madreperla. Engaste
INTERPRETACIÓN
“Un grito de ayuda”
Mi collar es una forma de hacer voltear la mirada de la sociedad ante esta terrible situación. La concha de madreperla con su tapa de plata significa un frasco que encierra el “producto” o sea a las mujeres, niños, niñas y hombres que sufren este encierro y calvario; para representarlos utilizo un óvalo de plata y los símbolos de masculino y femenino con dos lagrimas, tallados a mano, con un acabado esmerilado mate y con unas circonitas, para hacer énfasis en ellas están patinadas en negro cada una.
En la concha de madreperla está grabado a mano un código de barras simbolizando la venta de estas personas, tiene dentro una cadenita con goshenitas que también simbolizan las lágrimas del gran sufrimiento de estos seres humanos.
Cada lámina de madreperla de la cadena también tienen grabado a mano un código de barras que, mientras por un lado entran al frasco como nueva “mercancía” por el otro están saliendo hacia un destino terriblemente indescriptible, en un círculo macabro que parece no tener fin.
Los eslabones de la cadena de plata también tienen lágrimas de goshenitas y el broche de cierre es también una gota de plata que representa otra lágrima.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Primero que nada porque al ser una pieza que cuenta una historia, me permitiría a mi explayarme y contar esta Historia junto con temas de más actualidad, además de ser una historia clave para desarrollar la mía.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Dentro de la múltiples piezas que había escogido, surgió la sugerencia de los camafeos que se tallan en concha y de ahí decidí escoger un intaglio ya que el grosor de la concha no me permitiría trabajar un camafeo, también surgió la palabra transgresión, lo que me llevó a pensar en temas de este tipo en la actualidad que además pudiera conectar con el intaglio, de ahí surge el tema de la trata de personas, que es algo gravísimo que vive nuestra sociedad a nivel mundial, y después de todo, la guerra de Troya comenzó con un secuestro, ese es el hilo conductor de mi interpretación, ademas de poder usar las técnicas de tallado en diferentes materiales.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Hacer que la sociedad voltee la mirada a esta situación, dejar de colaborar consiente o inconscientemente para que pare, parece pasar desapercibida, no podemos llamar a una sociedad civilizada cuando sigue pasando algo que es milenario aún en sociedades que también se decían civilizadas como la griega, por mencionar una, más no la única, lo cual me indica que el ser humano no sólo no ha aprendido nada de la Historia sino que la sigue repitiendo, y cada vez con mayor violencia, descaro y sin un ápice de compasión.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Primero porque me encantó el proyecto desde que supe de el, al ser mi formación académica como historiadora, no podía no participar, además de que es increíble como podemos transmitir un mensaje a través de una joya antigua reinterpretándola, que el hecho de que desde hace 50,000 años ya se hacía este tipo de joyería en esas condiciones ambientales, para mi significa que la joyería juega un papel muy importante como parte de nuestra indumentaria, y que de alguna manera ha ido perdiendo el protagonismo que merece, por diferentes circunstancias, dependiendo de cada país. Por otro lado, es el marco perfecto para poder transmitir un mensaje poderoso a través de nuestras joyas y que demuestra que no sólo con pinturas o esculturas se transmite el sentir de una sociedad, las joyas también pueden ser arte con un profundo mensaje.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
El Tintinnabulum de Sasamón fue hallado en el primer tercio del s.XX en Segisamum, en el actual Sesamón, pueblo de la provincia de Burgos. Y pasó a la colección privada de Darío Chicote, de Valladolid, donde fue estudiada por Pérez Barradas, que fue el primero en publicarla entre 1933-1935. Posteriormente ésta colección fue vendida, y el falo de Sasamón pasó al Museo Arqueológico de Barcelona donde se conserva en la actualidad según J.M. Martínez Santa- Olalla. Se dice que existe una réplica en el Museo de Burgos, donde se encuentran otros objetos del tesoro de Sasamón.
En un principio a este tipo de figuras se les dio una procedencia Alejandrina, hoy no se les tiene por tal. De Hispania se conservan las halladas en Mérida y Sasamón en muy buen estado de conservación, y con bastantes similitudes a los ejemplares que se encontraron en Pompeya y Herculano.
Se trata de un amuleto un tanto peculiar; representa un falo múltiple, erecto, realizado en bronce, de 14cm. de longitud, terminado en los cuartos traseros de un perro, con un segundo falo entre las piernas y un tercero en el rabo. Cabe destacar la figura de una ménade desnuda que cabalga el falo de manera triunfante, coronándolo del laurel que espera a los vencedores. En su moño encontramos una anilla donde pasaba la cadena o cuerda de sujeción. En las patas encontramos dos perforaciones, con dos anillas pasadas de ellas cuelgan unas cadenitas con unas campanillas. Estas, de forma piramidal en sus orígenes, indicaban la esencia etérea de la divinidad y servían de hechizo contra los demonios. Parece que el sonido metálico era especialmente efectivo para ahuyentar embrujos y toda clase de efectos perniciosos sobre el animal que los portaba o la estancia de la que pendían. Estos amuletos solían estar en la entrada de una tienda o de una casa. Colgados del techo y junto a la puerta servían para alejar a los malos espíritus y atraer la buena suerte.
Júlia Ortega Canalda, Técnica en Artes Plásticas y Diseño de Joyería Artística en la Escuela Industrial de Barcelona. Completando los estudios con diversos monográficos como joyería Berber, Urushy, modelado en cera , PMC , grabado al ácido con esmaltes entre otras técnicas en la Escuela Massana y Llotja. Bajo la firma Joc Art En Joia crea sus diseños generalmente en plata, joyas conceptuales, contemporáneas, utilizando elementos reciclados y en los últimos diseños integra el 3D en el taller. Ha participado en diversas exposiciones colectivas y eventos de joyería contemporánea como Autor, Enjoia’t y Amber Trip.
Para conocer más de Julia:
https://linktr.ee/joc_art_en_joia
Instagram https://www.instagram.com/joc_art_en_joia/
Facebookhttps://www.facebook.com/jocartenjoia
ARTISTA: JÚLIA ORTEGA CANALDA
TIPO: COLLAR
TÍTULO: TINTINSFAYER
METALES: PLATA
GEMÁS: 2 PERLAS COLOR VERDE
MEDIDAS: 4 X 40 CM
PESO: 44,5 GR
TÉCNICA/S: DISEÑO 3D, FUNDICIÓN, PMC, TÉCNICAS VARIAS TALLER, PULIDO.
INTERPRETACIÓN
Tinntinsfayer 2021 una pieza empoderada libre y satisfecha. Se trata de una versión moderna y actualizada del antiguo amuleto romano. Los tiempos cambian, la cultura evoluciona, y las consignas deben cambiar.
Años y años sometidos a una cultura patriarcal y falo forme. Estamos en una era de transición, de cambio donde se empieza a ver de vuelta una mujer resiliente, empoderada, sin tabúes. Nosotras decidimos con que jugamos y que colgamos tras nuestras puertas. Si quiero un falo pues lo cojo, si quiero un succionador de clítoris pues también juntos o por separado o todo revuelto.
En la era de los juguetitos sexuales multiformes y revolucionados quien no conoce al satisfayer??? En los medios, en la prensa, en la calle, en el trabajo todo el mundo lo comenta hasta si quieres te lo prestan. Este artículo esta de moda y es ideal para plasmar el cambio y hacer una pieza mejorada, una nueva versión más actualizada de un clásico. Mostrar una sociedad menos falocrática y más satisfecha. Con un pensamiento conjunto e igualitario, donde unidos creamos para ir más lejos.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Me parece una pieza muy curiosa, unas campanillas muy simpáticas. Un aplique muy original, Me parece curioso que fuera para colgar detrás de las puertas de la tienda o de las casas incluso que lo llevaran colgado del cuello los animales. Me encanta la delicadeza que muestra el metal y me sigue impresionando el trato del metal y el detalle que se conseguía en aquellos tiempos con el dominio de la cera perdida.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Quise darle un giro, un cambio de versión. En la antigua Roma se veneraba al Dios Priapo. Era de buen augurio ponerlo a la entrada de todas las casas. Lo que destacaba de este semidios era su gran falo. Bien a lo que iba con lo del giro, quería mostrar una sociedad menos falocrática, dar una visión menos patriarcal. Lo primero que pensé es que el gran falo central no tenía que ser un falo y pensé en los juguetes eróticos, y que estos fuesen femeninos. Y se me vino la imagen de un dildo, pero me seguía pareciendo un falo central. Hasta que caí en el objeto de moda. El succionador de clitoris este me daba una visión más femenina, y claro pensé en el que está más de moda como objeto central. Para guardar la línea respete los otros dos falos que también daban su juego y las patas de animal. A lo que también le di otra interpretación es que la mujer en lugar de estar coronando el falo con el laurel, que se coronara a ella misma como vencedora. Sin necesidad de colgar medallas ni de que se las cuelguen.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
El respeto por la joyería y la evolución de la misma. Intentar interpretar un amuleto de la antigua roma es todo un reto. Eran grandes artistas y dominaban plenamente la técnica de la cera perdida. He querido hacer una versión moderna tanto en el concepto como en la técnica. He echado mano de los medios del s.XXI, y mediante el diseño 3D y la impresión del mismo conseguir una pieza que se merezca el trato de un nuevo amuleto.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
El Proyecto Denísova es una propuesta muy interesante . Donde rápidamente despierta el interés por buscar información de objetos de antaño. No tenemos que olvidar de donde venimos y como las joyas han ido cambiando a lo largo de los tiempos. Me parece una manera muy interesante de recopilar información de manera cronológica. Concretamente de la historia de nuestros adornos, accesorios, objetos que nos atan de manera conjunta global a todos los seres humanos. La belleza que nos aportan, la magia que esconden cada uno de ellos y sobre todo sus historias. El proyecto Denisova creo que es muy importante no solo por recordar y disfrutar de piezas que han trascendido a lo largo de los siglos sino por mostrar nuevas versiones, no mejoradas, sino distintas. La evolución de la joya a nivel cultural y conceptual, y procedimental.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
https://youtu.be/YzcuJyw5ad0
Este gran pectoral con forma de hombre jaguar, fue encontrado en Carcalá, Quindio, Colombia, y actualmente se encuentra en el Museo del Oro del Colombia (Número O06029). Elaborado por un experimentado orfebre mediante la técnica de la fundición a la cera perdida en una tumbaga –aleación de oro y cobre– de color rojizo debido a su alto contenido de cobre. Los diseños calados en el cuerpo y el tocado de la figura fueron finamente recortados en la cera antes del vaciado.
La pieza muestra una imponente figura antropomozoomorfa con las extremidades desplegadas lateralmente, de estilo esquemático, que se destaca por su simetría, formas rectilíneas y equilibrio de las proporciones. Personifica probablemente un hombre-jaguar, según lo sugieren los calados en el cuerpo que parecieran simular las manchas de la piel, la boca prominente exhibiendo los dientes y la postura abierta del cuerpo como si estuviera echado sobre su vientre. El rostro, de aire humano, presenta dos bandas longitudinales de pintura facial que atraviesan los ojos.
La filiación cultural de este pectoral ha sido siempre problemática para los arqueólogos, pues en él se combinan tanto elementos de la orfebrería del estilo Tolima del valle medio del Magdalena como de la Quimbaya del periodo Temprano del Cauca Medio. La forma de la figura es claramente del primer estilo, mientras la tecnología de elaboración remite a la segunda. La pieza fue encontrada a comienzos del siglo XX, por buscadores de tesoros, en una tumba de un cementerio de élite en las montañas del Quindío sobre la Cordillera Central colombiana, en la región del Cauca medio.
La cultura Quimbaya comienza su historia en el 500 A.C y se prolonga hasta el 1600 D.C. Pasando por tres periodos diferenciados, el período temprano o clásico, medio y tardío a lo largo de los cuales desarrollaron una gran cantidad de piezas de orfebrería.
Fuentes:
* https://artsandculture.google.com/asset/pectoral-en-forma-de-hombre-jaguar-magdalena-medio-tolima-per%C3%ADodo-medio/IgEwXvGh2U882A?hl=es
https://enciclopedia.banrepcultural.org/index.php/Quimbaya
https://www.caracteristicas.co/cultura-quimbaya/
Emprendedora, creativa, artesana sostenible y llena de sensibilidad; Nació en Colombia (en una de las zonas Quimbayas de mayor intensidad orfebre desde 600 años a.C), y residiendo en España desde 2008.
Estudió Ingeniería de Diseño de Producto con énfasis en Eco Diseño, aprendizaje que aplica desde 2015 en su taller de joyería artesanal en Las Palmas de Gran Canaria, donde además de desarrollar su propia firma, enseña a otros el oficio.
Ha participado en diferentes exposiciones y pasarelas locales, nacionales e internacionales, ha ayudado a impulsar asociaciones de joyeros y actualmente desarrollando el proyecto hagamosjoyas.com y fundando la Asociación Internacional de Joyas Sostenibles.
La pieza elegida es un pectoral en forma de hombre jaguar, realizado con vaciado a la cera perdida. Fue encontrado a comienzos del siglo XX, en una tumba de un cementerio de élite en las montañas del Quindío sobre la Cordillera Central colombiana, en la región del Cauca medio.
La propuesta es crear un pectoral con una interpretación personal del diseño original y la cultura, mezclando técnicas de ayer y hoy desde la sostenibilidad.
Para conocer más de Paola:
www.paoladuque.com
Instagram @paoladuquejewellery
Portal de joyería y emprendimiento: @hagamosjoyas / com
Asociación internacional de joyas sostenibles: @joyassostenibles / org
ARTISTA: Paola Duque
TIPO: Collar – Pectoral
TÍTULO: Mujer Jaguar
METALES: Plata 930 mm
(Material con certificado CoC – Chain of Custody N.º C00000125
del Responsible Jewelery Council.)
GEMAS: 6 Esmeraldas en cabujón ovalado.
MEDIDAS: 185 mm (alto) x 225 mm (ancho)
PESO: 42 g
TÉCNICA/S: Totalmente hecho a mano. Principalmente calado. Laminado, trefilado, calado, conformado, soldadura y engaste.
INTERPRETACIÓN
En este collar / pectoral MUJER JAGUAR, hacemos un viaje semiótico desde el poder del hombre hacia la mujer firme del siglo XX1.
Vamos de la línea recta, a la curva divina y flexible, del oro como metal masculino a la plata como metal femenino, de la versatilidad y valentía del jaguar asumida en la mujer actual, para dejar atrás los miedos y ver en la oscuridad.
La cara de la mujer jaguar, va aquí invertida, pues empezamos a ver el mundo desde otra perspectiva; con los ojos y la boca abiertos, para que como mujeres, dejemos la sumisión del silencio y de la obediencia hacia la libertad e igualdad, sin secretos y con la voz en alto.
Además, en la corona, he añadido color verde con 6 esmeraldas Colombianas, para conferir a la mujer que usa este pectoral la naturaleza pura, real y veraz.
La simetría y los patrones lineales se conservan, aunque estos últimos con algunas pequeñas diferencias, pues como los jaguares, cada uno tiene sus manchas identificativas únicas, como las huellas digitales.
El poder asignado a los caciques que usaron el pectoral de Hombre Jaguar, se debe sentir ahora por cada mujer que existe y va a existir, esto es MUJER JAGUAR.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Reconectar con la raíz. Es una pieza excepcional de una zona cercana a mi lugar de nacimiento.
Personalmente, estoy en un periodo de transición donde para dar pasos al futuro debo reconectar con mi raíz y esencia, y permitirme ver la belleza de ese pasado que se va transformando.
Este pectoral de diseño recto y simétrico, que representaba el poder masculino, ha sido un reto para mí, pues me inspiré sobre todo en su simbolismo, fusionando elementos esenciales del diseño, de las formas y las texturas.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Haciendo la transición de HOMBRE JAGUAR a MUJER JAGUAR a partir de un análisis semiótico de transformación.
Quise contar la evolución y transformación del ser humano desde el periodo al que pertenece el Pectoral de Hombre Jaguar (-1 / 700 periodo medio), donde el Cacique, hombre de poder se consagraba al jaguar para apropiarse de sus facultades, siendo el animal más temido.
Llegando al siglo 21, el siglo de la mujer, donde el Jaguar, como animal de poder, representa las almas que necesitan recuperar su propio poder personal después de haberlo perdido en algún momento de su vida.
MASCULINO -> FEMENINO
Linea recta -> Linea Curva
Sol -> Luna
Oro -> Plata
HOMBRE JAGUAR -> MUJER JAGUAR
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Fuerza, el papel de la mujer en el siglo XXI, de mujeres empoderandose.
Este pectoral es para que la mujer que lo use, sienta su poder interno florecer, que se transforma en jaguar, caminando por diferentes mundos sin miedos, con los ojos abiertos y con voz.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
A todos los participantes nos une la pasión por la creación de joyas y la historia. Este proyecto nos ha dado la libertad de expresar creativamente nuestra visión y unirnos en una muestra única.
Todo lo que hemos aprendido, desde que se nos planteó el proyecto, la búsqueda de nuestra inspiración, la creación, el ver a los compañeros y lo que ellos han aprendido, es una oportunidad de enriquecer nuestras perspectivas y nuestros mundos creativos y compartir.
ENTREVISTA YOUTUBE
https://youtu.be/YKIRTFMkUgQ
Fuentes
Bajo la dirección de su fundadora y diseñadora, Carmen Landa, MelanieLandová Joyas nace de una ilusión artística en búsqueda de la difusión de la orfebrería como forma de arte. La elegancia, lo inigualable y lo atrevido fueron los componentes que llevaron a Carmen Landa a introducirse en el mundo de la joyería. Fue en Caracas, Venezuela que este orfebre decide incursionar en esta forma de arte, descubriendo que sus ilimitadas oportunidades y magnifica creatividad serían la combinación para cumplir su sueño: hacer orfebrería para realzar la belleza de quien las luciese. Siguiendo los pasos de su madre, Melanie Landová, quien comparte su pasión por las joyas, se incorpora a la marca y destaca creando diseños nuevos para la marca. MelanieLandová Joyas realiza sus piezas utilizando metales como el oro y la plata, y piedras preciosas y semipreciosas. Juntas, madre e hija, incursionan en el diseño abstracto y paradójico que caracterizan cada una de las joyas de esta marca familiar.
Para conocer más:
https://www.instagram.com/melanielandova/?hl=en
ARTISTA: Carmen Landa
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): collar
TÍTULO: Resplandecer
METALES: plata
GEMÁS: perlas y granates
MEDIDAS:
PESO: 106.04 gr
TÉCNICA/S: básicas de orfebrería
INTERPRETACIÓN
En la época romana, donde se sitúa el origen de esta pieza, el portar una prenda que emitiese sonidos y portara perlas como gemas, era sinónimo de lujo y estatus. Esto se debía al limitado acceso a estas gemas y a lo laborioso del proceso para elaborar la joya. Los rayos creados del metal de la pieza, representan el choque que emitía los sonidos de las elaboradas prendas que llevaban estas mujeres. Adicionalmente, estos son los rayos que sostienen las perlas que, junto a granates, protagonizan la interpretación de esta pieza. Esta pieza buscaba poder interpretar el significado, el trabajo, y la dedicación de una pieza antigua; e incorporar las técnicas contemporáneas de la orfebrería moderna para poder dar vida a una pieza única como lo es Resplandecer.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Me pareció interesante indagar como los artistas de aquella época lograban hacer piezas de este estilo sin tener las herramientas y técnicas disponibles en la actualidad. Los desafíos en abastecimiento de gemas de esos tiempos hacen aun mas valiosa la pieza final alcanzada.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Los crótalos significan sonajeros, que utilizaban las mujeres de la alta sociedad de la época y que representaba, a través del sonido del choque de las perlas, estatus y lujo. Dicho sonido es interpretado en la pieza por los rayos con movimiento que sostienen las perlas.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
La trascendencia de las técnicas de orfebrería y el desarrollo del arte que las mismas interpretan. En principio, busco poder modernizar una pieza antigua sin perder su esencia original.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
El concepto del proyecto se alinea con la idea de poder rescatar piezas antiguas y adaptarlas a la época contemporánea. Es un proyecto que permite la fusión del pasado y el presente para poder definir la orfebrería del futuro.
ENTREVISTA YOUTUBE
Anillo hallado en una excavación arqueológica en el norte de Francia. Perteneciente a la dinastía Merovingia. Fue una familia de estirpe germánica que gobernó la actual Francia, Bélgica, una parte de Alemania y de Suiza, desde mediados del siglo V hasta el año 751, cuando el último rey Merovingio Childerico III fue destituido por Pipino el Breve, de la dinastía carolingia.
Está realizado en oro y granate. La elección de esta piedra no es casualidad. El granate es la gema usada por excelencia en la dinastía Merovingia.
Este tipo de anillos arquitectónicos, tienen formas muy similares a los primeros baptisterios medievales. Con estas joyas las mujeres merovingias querían mostrar que se habían convertido al cristianismo. Buscaban imitar el lugar donde habían sido bautizadas. Aunque ninguno de ellos llevaba una inscripción o un motivo claramente cristiano como suelen ser las cruces, los peces o las aves, muchos autores consideran que sí tenían la función de subrayar la adhesión a esta religión.
Actualmente se encuentra expuesto en “The Metropolitan Museum of Art” de Nueva York.
Origen: Francia.
Fecha: Segunda mitad del siglo VI dC.
Material: Oro y granate.
Museo: The Metropolitan Museum of Art, New York.
Imagen: Richard Goodbody, Inc.
Jesús Vázquez comenzó su andadura en el mundo de la joyería en 2007 como estudiante en la Escuela de Arte de Sevilla. Posteriormente continuó sus estudios en la Escuela de Arte de Córdoba y en el Consorcio Escuela de Joyería.
En 2009 creó su marca de joyería “Vazón” y comenzó a presentarse a diferentes concursos de diseño, obteniendo varios primeros premios.
Primer premio Joyacor 2009, 2011 Y 2012.
Primer premio concurso «San Eloy» 2009 y 2010.
Primer premio emprendedores «La Caixa + La Ceca».
Finalista en Portojoia design 2010 y 2013, Oporto.
Finalista 25 concurso internacional de diseño de joyería, organizado por la Cámara de Joyería de México.
Finalista primer concurso internacional de diseño de joyería «Nuevos valores», organizado por la asociación de joyeros de Córdoba.
Medalla de San Eloy, patrón de los joyeros. Entregada por la asociación de plateros y relojeros de Córdoba, Diciembre 2013.
También ha participado en diferentes exposiciones sectoriales como Joyacor, Bisutex, Spajoia e Iberjoya.
Desde 2019 es maestro de taller de orfebrería y platería de la Escuela de Artes de Sevilla.
Para conocer más a Jesús:
ARTISTA: Jesús Vázquez Pavón
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Anillo
TÍTULO: Crono.
METALES: Plata chapada en oro.
GEMAS: Granate
MEDIDAS: 20mm x 21mm x 38mm
PESO: 9,1gr
TÉCNICA/S: Granulado, filigrana, microfusión, Engaste, Sacado de fuego, pulido, baños galvánicos.
INTERPRETACIÓN
Pieza basada en anillo arquitectónico Merovingio, hallado en el norte de Francia. Siglo VI. Perteneciente a la dinastía Merovingia. Fue una familia germánica que gobernó la actual Francia, Bélgica, una parte de Alemania y de Suiza. Estos anillos, tienen formas similares a los baptisterios medievales. Con estas joyas las mujeres merovingias querían mostrar que se habían convertido al cristianismo y buscaban imitar el lugar donde habían sido bautizadas.
Este anillo simboliza el paso del tiempo y la vuelta a los orígenes. Qué mejor nombre, que el del dios del tiempo: Crono, hijo de Urano y Gea, padre de Zeus.
Para representar el paso del tiempo, he creado un cabezal giratorio, y así trasmitir como “una vuelta a los orígenes”, ya que para mí este concurso me ha devuelto eso, la ilusión por participar con piezas de mi propia creación.
Con el tiempo, me he ido centrando en hacer lo que el cliente me pide, por
lo que, al volver a concursar, he vueltos a mis orígenes, cuando participaba en diferentes proyectos y cuando estudiaba y trabajaba en Córdoba. Por eso elegí la filigrana, porque fue una de las técnicas que aprendí allí, la más representativa de la ciudad
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
No sabía en qué época inspirarme. Tenía claro que quería hacer un anillo, y a ser posible con unas dimensiones atípicas, voluminosas, fuera de lo normal. Cuando estaba en clase con mis alumnos, un día, les hablé del proyecto Denisova. Consultando libros de historia del arte en clase, dimos con unos dibujos de unos anillos merovingios. Tanto a ellos como a mí, nos pareció una buena idea trabajar sobre este tema. Después de investigar en su procedencia, sus usos… finalmente me decidí a realizar esta pieza.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Tanto por las formas arquitectónicas que usaban en la realización de estos anillos, como cuando esta pieza, inmediatamente me la imaginé en mi cabeza reinterpretándola en una de las técnicas más representativas de la
ciudad donde aprendí la joyería: la filigrana Cordobesa.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
El anillo representa el paso del tiempo, y a través de un cabezal giratorio trasmitir como “una vuelta a los orígenes”, ya que para mí este concurso me ha vuelto a mis orígenes, a la ilusión por participar con piezas de mi propia creación. Con el tiempo, me he ido centrando en el trabajo y en hacer lo que el cliente me pide, por lo que, al volver a concursar, he vueltos a mis orígenes, cuando participaba en diferentes proyectos y cuando estudiaba y trabajaba en
Córdoba.Por eso elegí la filigrana, porque fue una de las técnicas que aprendí en Córdoba, y la más representativa de la ciudad.
¿por qué es importante el proyecto Denisova?
Como ya he comentado, el proyecto Denisova me ha devuelto la ilusión por participar, y ha supuesto una vía de escape de mi día a día y donde poder dar rienda suelta a mi imaginación y mi creatividad.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Realizado en plata, cloisonné y filigrana con granates, amatistas y cristal de colores. Los granates decoran los ojos del águila y los peces esmaltados con la técnica del cloisonné, que consiste en dividir la superficie con paredes de metal donde en cada hueco se posiciona el esmalte evitando que se toquen los colores.
Los broches o figuras se hicieron populares entre las tropas romanas durante sus campañas, esta influencia la adoptaron muchos pueblos con los que se cruzaron como los Barbaros, cuyos metalúrgicos desarrollaron la técnica añadiendo gemas, complejas filigranas y esmaltes. En la parte superior vemos la cabeza de un águila, símbolo del imperio romano, fue adoptado por las connotaciones de estatus y poder.
La función de las Fibulas era para atar y sujetar la ropa, estos objetos eran caros de fabricar y se creaban en exclusiva para sus dueños que eran enterrados con ellas.
La dinastía merovingia fue una familia de estirpe germánica que gobernó la actual Francia, Bélgica, una parte de Alemania y de Suiza, desde mediados del siglo V hasta el año 751, cuando el último rey merovingio Childerico III fue destituido por Pipino el Breve, de la dinastía carolingia.
Los merovingios eran descendientes de Meroveo, un jefe militar franco. Este era el fundador de la dinastía y también le dio su nombre.
Se encuentra en el Musée des Antiquities Nationales, Saint-Germain-en-Laye
Fuentes:
https://www.Musée de Antiquities Nationales, Saint-Germain-en-laye
https://www.metmuseum.org/search-results#!/search?q=merovingian%20looped%20fibulae
https://musee-archeologienationale.fr/
https://sites.google.com/site/adairarthistory/iii-early-europe-and-colonial-americas/53-merovingian-looped-fibulae
Fibulae
https://www.oxfordartonline.com/groveart/view/10.1093/gao/9781884446054.001.0001/oao-9781884446054-e-7000056961?mediaType=Image
https://sdhc.instructure.com/courses/12974/pages/merovingian-looped-fibulae
https://es.m.wikipedia.org/wiki/F%C3%ADbula
https://es.m.wikipedia.org/wiki/Dinast%C3%ADa_merovingia
https://es.m.wikipedia.org/wiki/Reino_de_los_francos_en_la_%C3%A9poca_merovingia
Licenciado universitario en las especialidades de Marketing & Publicidad y Administración en Ventas, con una trayectoria en agencia de publicidad en Venezuela.
Durante su crecimiento y desarrollo como Orfebre en la Joyería ha obtenido acreditaciones como: Gemological Institute of América/ Jewelry Profesional en Diamond Essentials, color stone, Jewelry Essentials Color Stone. Máster en joyería en el Collegi Offecial de Joiers D’ Orf, en Barcelona/España. Además de cursos internacionales en Cearcal (Valladolid/España) , Chile en la Escuela de Pamela de la Fuente, entre otros..
Como Orfebre venezolano/mexicano se ha dedicado al desarrollo de la joyería de autor con el nombre de WEM25 Jewelry Design, cada una de sus colecciones presenta un carácter innovador en el mundo de la moda. En cada creación se resalta la femineidad y elegancia de la mujer actual y versátil. Y un estilo particularmente innovador y moderno al diseño masculino.
La inspiración nace de sus raíces latinas, donde sus creaciones evocan y reflejan lo exótico combinado con hermosas líneas que le dan un sentimiento único e irrepetible al portador de sus joyas.
En su caminar ha llevado sus propuestas a diferentes eventos nacionales e internacionales en los siguientes países: Venezuela, México, Perú/ Cajamarca/ Arequipe/ Lima, España/Barcelona, Colombia/Bogotá, Chile.
Ha sido jurado en un concurso internacional en Perú/Lima 2019.
También ha participado en eventos organizados por fundaciones activas en México en pro de niños de escasos recursos…
En los actuales momentos es miembro dentro de la mesa directiva de Fashion Group México of City Internacional y de Joyeros MX.
Para conocer más de William:
Instagram: http://www.instagram/william_mentado_wem25
Facebook: http://www.fecebook/william.mentado
ARTISTA: WEM25 / William Mentado
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Collar: Gargantilla con Dije.
TÍTULO: “Renacer”
METALES: Plata Ley. 925.
GEMÁS: Zafiro, zafiros: blancos y Naranja, rubí, ónix y granates.
MEDIDAS: Dije: largo 13cms, ancho: 8,5cms, alto: 13mm
Gargantilla: diámetro 15,5cms.
PESO: Dije: 113,8grs
Gargantilla: 55grs.
TÉCNICA/S:calado, modeladoen cera, vaciado, laminado, soldado, burilado, engaste pave, satinado, pulido, étc.
INTERPRETACIÓN
RENACER…. “ Volver a nacer “
Como titule la pieza, es la esencia y la culminación del programa de un renacimiento. Es empezar de nuevo, pero desde otro punto de partida, es el lugar que nunca se debió abandonar…es el origen de mi “ADN”. Es la fuente que contiene toda la sabiduría y que aún estoy por descubrir en mi corazón; nuevas esencias que me permitirán conectar con nuevas expresiones artísticas..
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Más que por su historia, contenido religioso o procedencia, fue por su gran trabajo y variedad en la aplicación de importantes técnicas de Orfebrería, que marco un punto de identidad dentro su época tanto en lo social como en lo cultural y religioso.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Estudiando y analizando su estructura, construcción y uso como accesorio dentro del vestuario, lo que representaba socialmente en su época. Además sus técnicas y símbolos religiosos o místicos en los entierros. Partiendo de ello inicie con una propuesta creativa, una interpretación de sus símbolos y formas, dando lugar a la creación de una nueva versión que llevará el nombre de “Renacer”.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Que el desarrollo creativo e inspiracional siempre nos llevará a lugares, objetos, formas y épocas; creando una conexión y motivaciones a nuevas propuestas artísticas o comerciales al mercado del arte y la moda.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Me permitió entender que las generaciones son hilos conductores de grandes oportunidades no aisladas de grupos sociales que nos identifican dentro de la evolución de la sociedad y la cultura.
En lo personal me hizo ver que las oportunidades siempre están presentes y que cuando debes ser parte de ellas no hay lugar a cambios o ausencia. Este proyecto me ayudó a encontrarme nuevamente con mí línea de inspiración, identidad y sobre todo con un ADN ya establecido como identidad propia.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Brazalete del Periodo Bizantino. – Elaborado entre el 500–700 DC
Realizado probablemente en Constantinopla
Los materiales del brazalete son Oro, plata, perla, amatista, zafiro, ópalo, vidrio, cuarzo,esmeralda
Dimensiones:
Total: 1 7/16 x 3 1/4 pulg. (3,7 x 8,2 cm)
Correa: 15/16 x 7 7/8 pulg. (2,4 x 20 cm)
Bisel: 1 5/16 pulg. (3,4 cm)
Se encuentra en el Museo Metropolitano de NY (cat. 17.190.1670).
Esta pulsera elaboradamente decorada tiene exteriores ricamente enjoyados y patrones opus interrasiles finamente detallados en sus interiores. La luminosa belleza de las perlas era muy apreciada en el mundo bizantino.
La Orfebrería Bizantina conservó las tradicionales técnicas y estilos romanos, y a partir de allí se implementaron nuevas técnicas, marcando una gran influencia en la Edad Media.
Fuentes:
www.metropolitanmuseum.org/art
Sofía Betech Tawil, es orfebre y diseñadora de joyas desde hace 16 años.
Ha realizado gran parte de sus estudios con la profesora Lilo Palma en Academia de Orfebres Interlomas, en la Cd de México.
Apasionada de los materiales nobles prefiere para sus creaciones el trabajo con oro, plata y gemas naturales. En cada pieza plasma los sentimientos y las sensaciones que le transmiten estos materiales.
La mayoría de sis piezas son únicas ya que los sentimientos son únicos e irrepetibles.
Para conocer más de Sofía:
ARTISTA: Sofia Betech
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Brazalete
TÍTULO: Transformación
METALES: Plata 925
GEMÁS: Perlas y aquamarina en bruto
MEDIDAS: 7 cm diámetro x 3,5 de ancho
PESO: 119 gramos
TÉCNICA/S: Calado, soldado y engastado de piedras
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Desde el primer momento que empecé a buscar joyería antigua me apareció esta pulsera, la cual me cautivo por las perlas el zafiro de la parte frontal del brazalete, las bisagras y el calado interior. Cuando pensaba en la posibilidad de hacer otra pieza esta siempre regresa a mi mente.
Me gustan mucho las pulseras y los brazaletes ya que son una pieza de joyería que me pongo y la puedo ver y admirar cuando la tengo puesta.
Me apasionan los mecanismos en la joyería porque son como mágicos, pues te dan diferentes posibilidades en algo que es estático y este brazalete me permitió realizar tres bisagras lo cual me parece fascinante.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
El mundo está en constante movimiento. Yo plasmo este movimiento en las bisagras. Estas permiten abrir y cerrar el brazalete, así como yo abro mi corazón a nuevas experiencias.
El aguamarina está en bruto porque mi esencia al igual que mi corazón están en proceso de perfeccionamiento.
El calado es un elemento cargado que se encuentra en el interior del brazalete bizantino que elegí.
En mi brazalete está en el exterior y es delicado y sencillo por que representa mi esencia, la cual estoy deseando compartir con el mundo.
Conforme fui calando mi pieza iba explorando mi interior, permitiendo que mi luz se proyecte a mi alrededor.
Las perlas son un elemento que me ha acompañado desde mi inicio como orfebre, me gustan muchísimo pues me dan una sensación de pureza, paz e integración.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Para mí la joyería es un arte que transmite el proceso del alma
Me queda muy claro que mi pieza habla de proceso de transformación durante la pandemia.
Fue un viaje a mi interior en el que pude descubrir parte de mis fortalezas y mis cualidades permitiéndome compartirlas con el mundo.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
La constante en el ser humano, misma que no terminamos de lograr es la evolución en la búsqueda de estar en un lugar de mayor unidad y menos lucha de poder y separación.
El proyecto muestra la trascendencia del ser humano a través de las historias que cuenta la joyería.
Con mis estudios de antropología puedo reconocer que también la joyería es una representación del comportamiento del ser humano.
Reinterpretando una pieza antigua nos ayuda a reconocer el cambio en la visión de la humanidad a través del tiempo
ENTREVISTA DE YOUTUBE
La corona de Recesvinto es una obra de orfebrería visigoda del siglo VII mandada a realizar por el rey Recesvinto. Fue confeccionada por el taller de la Corte de Toledo y en su realización se empleó oro, granates, zafiros y perlas. Se emplea la técnica de granatesincrustados, que fue la preferida por los pueblos germánicos. Las letras de la corona están ejecutadas con alvéolos de oro donde se han incrustado granates tallados en el hueco. En la corona votiva de Recesvinto, estas letras colgantes dicen en latín lo siguiente: RECCESVINTVS REX OFFERET (El rey Recesvinto la ofreció). El estudio gemológico de Juan S. Cozar y Cristina Sapalski reveló que contiene 243 zafiros azules, cuyas características los hacen procedentes de la antigua Ceilán, hoy Sri Lanka, 3 cordieritasazules o iolitas, 14 esmeraldas, 1aguamarina, 2adulariaso piedras de luna, 21 cuarzos amatista, 9 cuarzos hialinos, 6 calcedonias azuladas, 169 perlas, 154 piezas de nácar, 56 vidrios artificiales verdes, 26 vidrios artificiales azules, 2 pardo-anaranjados, 26 de color indefinido, 1 rojo y muchas piezas diminutas de granate piropo-almandino. Dimensiones: 20,6 x 20,6 x 80cm.
Forma parte del llamado tesoro de Guarrazar descubierto en 1858 en la localidad de Guadamur, provincia de Toledo, España y se encuentra expuesta en el Museo Arqueológico Nacional (España)
Fuentes:
http://www.man.es/man/coleccion/catalogo-cronologico/edad-media/guarrazar.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Corona_de_Recesvinto
Diseñadora de Joyas y Perito en Gemas.
Desde siempre me gustó coleccionar gemas y aunque no sabía muy bien porqué siempre traía esos “extraños souvenirs” de mis viajes. Así que cuando nos trasladamos a vivir a España inicié mis estudios de Gemología, casi por casualidad. Sin embargo, poco a poco se sumarían una serie de situaciones que irían cobrando un sentido especial y que traerían como resultado uno de los acontecimientos más importantes de mi vida: descubrir mi verdadera vocación.
Después de estudiar Pericia en Gemas en ADesign Rio de Janeiro y capacitarme en el Instituto Gemológico Español, estudié orfebrería, con los mejores expertos.
Así comenzó la aventura: Diseñé mis primeras colecciones de joyas inspiradas en mis viajes, personas, paisajes, el arte … Y siempre con el máximo respeto al trabajo artesanal cuidado y minucioso. Utilizando metales nobles y gemas poco usadas en la joyería tradicional.
Poco a poco llegaron importantes Reconocimientos:
Las oportunidades se siguieron incrementando y surgieron poco a poco grandes Exposiciones y Eventos Internacionales en los que presenté mis colecciones: Madrid Joya, Vicenza Oro, International Fashion Weeks, ExpoGema, Joia Brasil entre otras. Y, como reconocimiento a mi trabajo, las innumerables menciones en Prensa que fueron ayudando a dar visibilidad a la marca,entre las que destacan: Gold &Time ,Vogue, Hola Gemmolgy Today, Harpers Bazaar, ABC,Vanitatis , Hello, Vanity Fair entre otras. Esto recién empieza!!!
Para conocer más de Lisi
www.lisifracchia.com
Instagram @lisifracchia
Facebook @lisifracchiajoyas
ARTISTA: Lisi Fracchia
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Joyero
TÍTULO: El Joyero de Recesvinto
METALES: Oro 18K blanco, amarillo y rosa, oro 9K amarillo, plata 925, cobre, bronce, latón, alpaca. Cadenas: Triple anilla, barbada, rolo alargada, corazones, barbada plana, rolo oval, forzada.
GEMAS: grandidierita, cromodiópsido de Rusia, cianita, crisoberilo, esmeralda Colombia, topacio imperial Brasil, ópalo de fuego México, ópalo Australia, moldavita ,diáspora, berilo Golden, ópalo Etiopía, espinela Sri Lanka, piedraluna India, aguamarina Brasil, zircón Camboya térmico, apatito Madagascar, zafiro Tailandia, tsavorita, citrino Brasil, citrino Rio Grande, rubí Madagascar, rubí Groenlandia, rubí estrella, rodolita, turmalina Brasil, turmalina Mozambique, morganita Brasil, amatista Argentina, granate hessonita Sri Lanka, granate Mali, esfena Sri Lanka, zafiro Tailandia, zircón Camboya, esfalerita España, iolita, peridoto, tanzanita Tanzania (3,93ct)AAA, topacio blanco, topacio Swiss blue, prasiolita Brasil, cuarzo rutilado, larimar República Dominicana, perlas Australia, Venezuela, China, diamantes Sudáfrica, topacio flamingo, natural topaz dublet, zafiro estrella, labradorita, rubelita Brasil, meteorito de Argentina.
MEDIDAS:35cm de alto por 8cm de ancho.
PESO: 300gramos.
TÉCNICA/S: artesanal, microfusión, sketches, modelado y prototipado, corte láser, soldadura láser, engastado bisel, garras, chatón, a granos, cincelado, rodio, martillado, texturizado, sistema de terraja, chapado, loopimg, pulido, laminado, limado, lijado.
INTERPRETACIÓN
Mi pieza es una reinterpretacion y está inspirada en la magnífica corona de Recesvinto, la cual es una obra de orfebrería de arte visigodo del Siglo VII confeccionada por el taller de la Corte de Toledo.
Desde la grandiosidad de la pieza original, llevada a la actualidad con mucho respeto e ilusión, quiero mostrar la evolución que han tenido las diferentes técnicas, los acabados y los materiales de uso en joyería a lo largo de la historia, integrado en una pieza colorida, versátil, atemporal y de múltiples usos.
La pieza en su conjunto es un joyero integrado por más de 90 elementos, como colgantes, brazaletes, pulseras, dijes, pendientes, etc. los cuales también pueden usarse en múltiples combinaciones o por separado en forma individual.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Durante una visita al Museo Arqueológico Nacional de Madrid quedé maravillada por esta magnífica obra del Taller Real de la corte de Toledo. En ella se puede admirar una sabia combinación del amarillo del oro, el azul de los zafiros, el rojo de los granates y el blanco de las perlas y el cristal de roca, metales nobles y piedras preciosas materiales con los que trabajo, además del exquisito trabajo de orfebrería.
Para crear mis colecciones busco inspiración en la belleza de aquellos lugares que visito, como la colecciones Elche, Lanzarote, Illetas, entre otras. En este caso esta deslumbrante corona me enamoró y fue la fuente de inspiración para la creación de la pieza que presento en el proyecto Denisova y que formará parte de mi futura colección “Toledo”.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Pensé en lo que quería comunicar y transmitir con mi pieza: mostrar la variedad de metales de uso en joyería y los diferentes tipos de Ley, las diferentes texturas y acabados que se pueden dar a los mismos, los distintos tipos de cadenas, las diversas técnicas de engaste, la gran variedad de gemas poco conocidas y de raro uso en joyería. Todo ello combinado en una pieza atemporal, colorida, transformable y con múltiples posibilidades de uso, rasgo que intento que posean mis diseños.
La obra en sí es un joyero, el cual está integrado por más de 90 piezas, como colgantes, brazaletes, pulseras, pendientes, cadenas, dijes y tobilleras, que combinados dan vida a esta versátil pieza, pudiéndose lucir también individualmente.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Tiene un propósito educativo, que incite a la curiosidad, que genere preguntas sobre procesos, la variedad de gemas y los materiales con los que se puede trabajar en la joyería tradicional y contemporánea. Así poder valorar una pieza a la hora de adquirirla.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Porque gracias a este proyecto se revalorizan el arte y la cultura de diversos lugares y se dan a conocer obras de arte y hechos históricos a las nuevas generaciones.
ENTREVISTA YOUTUBE
Comencé a trabajar con metales en la escuela de Lilo Palma y desde entonces vivo en una búsqueda constante, creando piezas atemporales que puedan ser llevadas con elegancia y sencillez.
Me gusta contar historias a través de mis piezas y en los viajes encuentro inspiración para cada colección que hago, buscando la combinación de piedras y metales con texturas y colores.
He participado en varias exhibiciones en México, Panamá, Ecuador, y recientemente en España.
Además de hacer trabajos por encargo, tengo cinco colecciones actualmente:
Links, Floating Flowers, Naica, Coco i Mel, Presente y Pasado
En Instagram:
https://www.instagram.com/maria_bringas_orfebreria
ARTISTA: MARIA BRINGAS
TIPO: COLLAR
TITULO: IMPERMANENCIA ó EN LA SELVA DE MI MENTE
METAL: BRONCE
GEMAS: DIAMANTE NEGRO, PERLA BARROCA Y JADE NEFRITA
MEDIDAS: 38cms diámetro interior, 52cms diámetro exterior, 14cms contrapeso
PESO: 350 gramos
TECNICAS: VACIADO A LA CERA PERDIDA, SOLDADURA Y PATINA
INTERPRETACIÓN
Pakal fue uno de los gobernantes con mayor esplendor de la cultura maya, vivió del 603 al 683 DC durante el período Clásico Tardío, en Palenque, Chiapas. Este conjunto funerario fue elaborado para que Pakal se presentara al Inframundo; en su lápida lo sitúan en el centro del universo, simbolizando que es eterno y no muere. Todo el conjunto funerario es de jade probablemente traído de Guatemala. La tumba fue descubierta por Alberto Ruz en 1952 en el Templo de las Inscripciones.
Quise hacer una interpretación en donde mi pieza reflejara el paso del tiempo enterrada en la selva, con texturas de palma y pátinas de café, que irá cambiando de color y tomando otras tonalidades. El broche está inspirado en las orejeras, tiene piezas de jade nefrítico, un diamante negro en el ojo de Pakal y una perla, todas ellas sirven como contrapeso .
¿PORQUE ELEGISTE ESTA PIEZA?
Elegí esta pieza porque durante una visita al Museo de Antropología de la Ciudad de México me pareció magnífico todo el conjunto funerario, saqué varias fotografías y pensé que en algún momento lo utilizaría como inspiración para alguna pieza, además de que proviene de Palenque, Chiapas que es mi sitio arqueológico favorito en México, escondido en la selva entre palmas, monos aulladores, ríos y plantas de café al pie de una majestuosa montaña llamada la “Gran Montaña del Quetzal Descendente”.
¿COMO PLANTEASTE LA INTERPRETACION DE LA PIEZA?
Elegí el bronce porque era un material que nunca había trabajado y estaba buscando un metal con el que pudiera lograr una pátina en los tonos del jade. Decidí texturizar la cera con restos de palmera para que pareciera como si se hubiera quedado enterrado muchos años y la naturaleza se lo hubiera devorado. Estuve en contacto con la Dra. Laura Filloy, restauradora del INAH a cargo de esta pieza. Me ayudó a resolver varias dudas que tenía y que me causaban una gran intriga, por ejemplo, el uso de las orejeras y el tipo de perlas, que son del tipo Pinctada Mazatánica. Se me hizo tan interesante que decidí integrarlas como parte del broche, buscando una perla similar para utilizarla como contrapeso. Tallé una cara de Pakal en cera y la añadí al contrapeso.
¿QUE BUSCAS TRANSMITIR CON TU TRABAJO?
Elegí hablar sobre la impermanencia de la vida y de las cosas, cuando estamos muy contentos quisiéramos que el tiempo se congelara y que nada cambiara, nos cuesta trabajo entender que cada segundo es irrepetible, que no vuelve a ser lo mismo, y tenemos que aceptar que ese cambio es el ciclo natural de la vida, de la naturaleza, de las cosas y por eso debemos disfrutar cada instante.
Quiero transmitir que cada una de las piezas que elaboré y conforman el collar es única e irrepetible, cada una tiene tonalidades diferentes y brillos distintos, y con el tiempo irán cambiando de color. Las armé sobre un cordón de papel que con el tiempo se irá degradando.
También lo nombré EN LA SELVA DE MI MENTE ya que soy una persona con una mente que vive siempre muy ocupada con ideas, proyectos, aprendizaje y experimentación y, dentro de esa selva, trato de ir dando forma a cada uno de ellos.
¿PORQUE ES IMPORTANTE EL PROYECTO DENISOVA?
Me encanta la propuesta del Proyecto Denisova ya que me ha acercado a buscar muchas fuentes de información para mi investigación sobre la cultura maya especialmente en Palenque. Me encanta reflexionar sobre las personas y las manos que hicieron cada una de las piezas en la que nos estamos inspirando, las técnicas que utilizaron sin las herramientas con las que contamos en el s XXI y la pasión que pusieron en el trabajo que realizaron.
Pensar en todos ellos, hombres y mujeres con alma, corazón, ideales que perseguir, familia, preocupaciones, logros y todos los sentimientos que los seres humanos experimentamos!
ENTREVISTA YOUTUBE
Tz’ Akbu Ajaw, La Reina Roja de Palenque
Conjunto funerario de la Reina Roja del Siglo VII sepultada en el templo XIII de Palenque fue Esposa de Pakal I.
En 1994 se descubrió en un templo de la ciudad maya de Palenque el sepulcro de una princesa del siglo VII impregnado de cinabrio, es por ello que se le llamó la Reina Roja por el color de este material. Un arqueólogo observa el interior del monumental sarcófago que contenía los restos de la Reina Roja, sepultada en el templo XIII de Palenque. La Reina Roja fue enterrada con una diadema de jade, una máscara de malaquita, un cinturón con una máscara de jade, collares y pectoral, pulseras, tobilleras, perlas, agujas de hueso, navajitas de obsidiana y conchas. En el lujoso ajuar funerario de la Reina Roja destacaba su magnífica máscara funeraria. Esta pieza, que se halló completamente fragmentada compuesta por 119 fragmentos de malaquita, dos láminas de obsidiana hacían las veces de pupilas, y cuatro piezas de jade imitaban a los iris, restaurada por Alfonso Cruz, cubrió el rostro de la soberana y estaba hecha de malaquita, tal vez procedente de la cueva Santa Fe, situada en los límites de los estados de Tabasco y Chiapas. En la tumba se halló otra máscara más pequeña, realizada con jade, que adornaba una especie de cetro o cinturón. La pequeña máscara de jade se componía de 106 fragmentos de este material y dos placas de obsidiana, concha marina de la cual surge una figurita humana, descubierta en el templo XIII de Palenque.
Las labores de restauración del k’ub o pectoral de la Reina Roja, partieron del registro fotográfico de los objetos que en 1994 aparecieron sobre el tórax del personaje: 172 cuentas de jadeíta, cuatro navajillas de obsidiana, cinco conchas de nácar, dos perlas y una aguja de hueso.
El arqueólogo Arnoldo González y el restaurador Constantino Armendáriz explican que por su cantidad, forma y tamaño, las cuentas debieron estar sujetas a un soporte de tela y se ubicaron solamente en la parte frontal del cuerpo, pues 90 por ciento de ellas aparecieron en la primera capa de deposición. El k’ub era una capa que cubría una superficie continua, las cuentas de mayores dimensiones se ubicaban a lo largo de las orillas delimitando entre siete y nueve hiladas.
Los objetos más importantes del mismo eran dos emblemas de la realeza: una pequeña concha esgrafiada y un rosetón con los rasgos sobresalientes de un mono araña. Juntos formaban un medallón con la representación del dios Sol que debería ir en la parte inferior del tórax y sujeto al pectoral.
Cada cuenta fue pesada y medida. Armendáriz trazó un dibujo de forma radial para ver si guardaban un patrón entre sí —la mayoría son de forma discoidal con una perforación al centro—, capa tras capa, descartando que tuvieran una doble faz. Para unirlas como lo estuvieron alguna vez sobre el pecho y los hombros de la Reina Roja, se utilizó un textil y adhesivos que no hacen reacción con los materiales líticos.
Al lado del templo XIII, donde se descubrió la tumba de la Reina Roja esta la cripta donde fue enterrado Pakal I, en uno de los principales edificios de Palenque.
Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Palenque en Chiapas, México.
Fuentes:
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/misteriosa-tumba-maya-reina-roja-palenque_11262/7
https://www.inah.gob.mx/boletines/2533-tumba-de-la-reina-roja-de-palenque
Leticia Salgado es originaria de Baja California Sur, apasionada por su país y legado cultural.
Estudió y se graduó en el 2019 en Hard to Find Escuela de Artes Aplicadas especializada en joyería en Guadalajara, Jalisco, Mexico.
Leticia Salgado Jewelry es una marca emergente con el objetivo de mostrar al mundo el legado cultural milenario de México. Su mayor reto es crear joyería que haga sentir que eres parte de su cultura milenaria y por ello portar arte en el cuerpo y que sea una extensión de tu corazón.
Ha participado en exposición de Joyería en Milan 2019 y fui seleccionada por la muestra de moda mexicana y latinoamericana 2021 para exponer en Barcelona.
Para conocer más de Leticia:
Web: www.leticiasalgadojewelry.com
Instagram: @Leticiasalgadojewelry
Facebook: Leticiasalgadojewelry
ARTISTA: Leticia Salgado.
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Collar o pectoral.
TÍTULO: Ajaw (significa reina en Maya).
METALES: Plata.925
GEMÁS: Rodolita, jade verde menta y piedra caliza.
MEDIDAS: 29 cm. de largo por 22 cm. de ancho.
PESO: 253 gr.
TÉCNICA/S: Fundido, laminado, trefilado, embutido, soldado, engaste a bisel y engaste con garras, esmalte a fuego, talla a medida de piedra de Jade y piedra caliza.
INTERPRETACIÓN
En mi joya quiero transmitir que la cultura maya nos dejó un gran legado a las mujeres, que desde tiempos ancestrales somos poderosas, bellas e inteligentes, es un símbolo de feminidad.
Que todas somos reinas, que portamos nuestro legado cultural con orgullo y que también somos madres, esposas, hijas y que nuestro linaje perdure por siglos para ser recordados por siempre.
Que las piedras hablan y nos protegen. Que el amor y la sensualidad es algo que traemos en nuestro ADN porque esa es nuestra esencia.
Además, mi más grande deseo es que al portarla evoquen a las reinas y princesas en sus palacios, que sientan la magia de la selva, su olor a naturaleza y flores y sientan la libertad de ser y vivir en un mundo al que debemos cuidar y preservar por su riqueza natural y cultural.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
De niña, mi primer contacto con la arqueología fue Palenque, me impresionaron las pirámides, cuando descubrieron la tumba de la Reina Roja, saber que fue mujer y la primera tumba de una gobernante Maya en Mesoamérica y que su entierro sea uno de los más ricos.
Su poder y majestuosidad es digno de admirar, además, la Reina Roja es un símbolo de inspiración y un símbolo para las mujeres mayas.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Leí e investigué sobre la Reina Roja, así como también vi videos de cómo fue su descubrimiento. La Reina Roja era una mujer muy poderosa e inteligente ya que vivió en una civilización muy avanzada para su época. Así fue como decidí poner en el pectoral las orejeras que son símbolos de poder y status y el Jade que era una piedra que sólo portaban los Dioses y gobernantes.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Estética, belleza e historia. Sentir que al portar la joya, estas portando cultura y eres poderosa.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Porque por siglos el hombre buscó la manera de expresarse y admirarse y no que no contaran con herramientas nos hace cuestionarnos e imaginarnos todo su proceso, además del valor en la historia.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
https://es.wikipedia.org/wiki/Broche_de_Tara
https://www.museum.ie/en-ie/home
Helenca Martínez Pizarro ( 7 de junio de 1989) es una diseñadora y artífice joyero que en 2011 abrió una tienda-taller de joyería de autor en el pueblo que la vio crecer, inicialmente en su tienda llamada Helenka Joyas sólo comercializaba joyería de autor pero con el paso del tiempo empezó crear y vender joyería más comercial además de complementos de fiesta como Tocados, es en 2020 durante el confinamiento cuando decide volver a sus inicios y crear una nueva colección con estilo propio llamada Abróchame, en Abróchame Helenca crea broches de plata de estilo vanguardista con gemas y texturas diferentes volviendo a crear piezas de autor únicas.
En la actualidad sigue formándose en su profesión realizando diferentes cursos, actualmente está cursando el Máster Perito Tasador de Arte, Joyas y Antigüedades avalado por la Universidad de Nebrija.
https://www.linkedin.com/in/helenca-martADnez-b406486b/
https://www.facebook.com/HelenkaJoyas
En Instagram @helenkajoyas @tocadoshelenka @abrochame
Puedes encontrar más información en su web www.helenkajoyas.es
ARTISTA: Helenca Martínez Pizarro
TIPO: Broche desmontable
TÍTULO: Legado
METALES: Plata 925
GEMÁS: 8 Esmeraldas colombianas, 1 Záfiro Incoloro, 2 Piezas de Nácar y 5 perlas del pacífico.
MEDIDAS: 14 x 6 cm
PESO: 68,9 gramos
TÉCNICA/S: Modelado de cera y joyería tradicional.
INTERPRETACIÓN
He creado una pieza desmontable, la pieza montada guarda relación con la forma del Boche de Tara pero al desmontarla he querido representar en una sola pieza la evolución de los broches en la Historia, pasando por el broche Pseudo-penannular de la cultura celta y vikinga a el Pin Jabot del siglo XVII y haciendo un guiño al Broche Doble Clip de los años 1920.
Con la decoración he querido representa a la mujer, tiene un acabado rugoso con pátina con incrustaciones de esmeraldas con lo que represento la esperanza, fuerza y la capacidad de lucha para seguir adelante que toda mujer poseemos, por otro lado con la flor de nácar quiero expresar la belleza y fuente de vida que emana de la mujer y con la flor de plata que posee pequeños dibujos de runas quiero destacar el lado místico que nos ha acompañado a lo largo de la historia.
Cuando creaba esta pieza me vino a la mente la familia, ya que puede dividirse para ser utilizada por uno o varios miembros pudiendo pasar de padres a hijos como un legado.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Elegí el Broche de Tara porque tenía claro que quería realizar un broche ya que en el momento que conocí el Proyecto Denísova, estaba en medio de mi propio proyecto de una colección de broches de joyería de autor y porque es uno de los más importantes descubiertos con la forma pseudopenanular.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Decidí crear una pieza desmontable, la pieza montada guarda relación con la forma del Boche de Tara pero al desmontarla he querido representar en una sola pieza la evolución de los broches en la Historia, pasando por el broche Pseudo-penannular de la cultura celta y vikinga a el Pin Jabot del siglo XVII y haciendo un guiño al Broche Doble Clip de los años 1920.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
He querido representa a la mujer, tiene un acabado rugoso con incrustaciones de esmeraldas con lo que represento la esperanza, fuerza y la capacidad de lucha para seguir adelante, por otro lado la flor de nácar expresa la belleza y fuente de vida que emana de la mujer y con la flor de runas quiero destacar el lado místico que nos ha acompañado a lo largo de la historia.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Creo que es importante porque gracias a este proyecto podemos contar mediante creaciones del pasado y presente, las inquietudes que nos han acompañado desde el principio de la humanidad.
ENTREVISTA YOUTUBE
La estela está hecha en bajo relieve y podemos ver al rey Kan-Xul, adornado con varias piezas de joyería muy interesantes como el tocado, los pendientes y el pectoral, que además de ser ornamentos, las usaba para aparentar ser un Dios y tomar de ellas la energía celestial para gobernar a su pueblo.
Panel o “estela maya”, que es parte de la colección del Museo Dumbarton Oaks en Washington DC., un Instituto de investigación de Harvard, creado por Robert y Mildred Bliss, coleccionistas de arte principalmente Bizantino y Maya. Se encontró en Palenque, Chiapas, México, y se calcula que es del Año 722, período clásico tardío.
La cultura Maya, fue una civilización muy avanzada culturalmente, que inventó un sistema complejo de escritura, desarrolló conocimiento propio en materia artística, arquitectónica, astronómica y ecológica y hasta se le atribuye la invención del cero. Fueron un conjunto de pueblos precolombinos, que gobernaron Mesoamérica (Sur de Mexico, Belice, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua y Costa Rica), por 18 siglos, desde el Preclásico 2000 a.C. hasta la conquista de América. Sus símbolos son apasionantes y han sido una fuente de inspiración para muchos creadores fortaleciendo y manteniendo la identidad mexicana.
Fuentes:
https://images.app.goo.gl/nctJB3mVqUuoohRv5
https://pueblosoriginarios.com/biografias/palenque_13.html
Libro “The blood of kings, Dinasty and Ritual in Mayan Art” escrito por Linda Schele y Mary Ellen Miller, editado por George Braziller, Inc.,New York en asociación con el Kimbell Art Museum, Fort Worth
Nacida en la Ciudad de Mexico, Gigi Mizrahi inició su trayectoria como diseñadora de joyería y a través de los años se ha desarrollado como docente, ceramista, escultora, creadora de libros de autor, pintora y fotógrafa. Con prestigio y experiencia cuenta con 30 años de presencia en el mercado y sus trabajos has sido expuestos en diferentes Estados de la República mexicana, Estados Unidos, Europa y China. Se caracteriza por mostrar en sus diseños el orgullo que siente por la cultura mexicana y su recorrido por el mundo. Es admiradora fiel de los múltiples contrastes y de la riqueza de su país y al mismo tiempo es una viajera incansable, que se nutre con todo lo que va descubriendo.
Es una artista que ha explorado diversos ámbitos y que se ha destacado por su creatividad, innovación y compromiso dentro de cada uno de los proyectos en los que ha estado involucrada.
Para conocer más de Gigi:
Instagram @ gigimizrahiwork
ARTISTA: Gigi Mizrahi
TIPO : Pectoral
TÍTULO: Divinidad
METALES: Plata 925
GEMÁS: Citrina y amatista
MEDIDAS: 17 de ancho X 7 de alto X 3.5 de profundidad
PESO: 427 grm
TÉCNICA: Semilla de Ceiba encapsulada en resina, cera perdida, montado de piedras y cadena hecha a mano.
INTERPRETACIÓN
Escogí a la cultura Maya, que fue una civilización muy avanzada culturalmente, que inventó un sistema completo de escritura, desarrolló conocimiento propio en materia artística, arquitectónica, astronómica y ecológica y hasta se le atribuye la invención del cero.
Fueron un conjunto de pueblos precolombinos, que gobernaron Mesoamérica (Sur de Mexico, Belice, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua y Costa Rica), por 18 siglos, desde el Preclásico 2000 a.C. hasta la conquista de America.
Sus símbolos me apasionan y han sido una fuente de inspiración en la mayor parte de mis colecciones, me dan identidad como mexicana.
Mi inspiración se encuentra en un panel o “estela maya”, que es parte de la colección del Museo Dumbarton Oaks en Washington DC., un Instituto de investigación de Harvard, creado por Robert y Mildred Bliss, coleccionistas de arte principalmente Bizantino y Maya.
Se encontró en Palenque, Chiapas, México, y se calcula que es del Año 722, período clásico tardío.
Mi referencia también esta en el libro “The blood of kings,
Dinasty and Ritual in Mayan Art” escrito por Linda Schele y Mary Ellen Miller, editado por George Braziller, Inc.,New York en asociación con el Kimbell Art Museum, Fort Worth.
La estela está hecha en bajo relieve y podemos ver al rey Kan-Xul, adornado con varias piezas muy interesantes, que además de ser ornamentos, las usaba para aparentar ser un Dios y tomar de ellas la energía celestial para gobernar a su pueblo.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Me inicie haciendo joyería prehispánica desde 1994. Elegí esta pieza inspirada en los relieves y los glifos que tallaban los mayas. Tengo una especial fascinación por esas representaciones.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Considero que el pectoral le confiere poder al que lo usa, para llegar a ser una divinidad. Yo propongo que la persona que porte esta pieza se convierta en un personaje “divino”.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Busco transmitir el amor que le tengo a la cultura maya y la idea de que al ponerse las joyas, se llenaban con ellas de energía celestial para gobernar a su pueblo.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
El Proyecto Denisova es muy valioso porque nos proporciona a los joyeros la oportunidad de rescatar e interpretar piezas ancestrales y de reconocer la importancia que siempre han tenido para el ser humano al ornamentar su cuerpo con joyas.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
https://youtu.be/vfhTJYiC-U8
El Talismán de Carlomagno
Año 800-814 D.C.
Perteneciente a la Joyería del imperio Carolingio
La Pieza está realizada en oro con 23 perlas, 8 esmeraldas, 8 Granates, 3 amatistas y 5 zafiros. Contiene un trocito de la Santa Espina. Fue encontrado en el cuerpo de Carlomagno en 1166, cuando exhumaron su cuerpo. Esta guardado desde 1919 en el Palacio de Tau, cerca de REIMS.
Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Orfebrer%C3%ADa_carolingia
http://historiadelajoyeria.blogspot.com/2017/10/joyeria-del-imperio-carolingio.html
https://es.qaz.wiki/wiki/Talisman_of_Charlemagne
Nacida en Alemania, reside desde hace más de 23 años en ciudad de México.
Formada en la escuela de orfebres de Pforzheim / Alemania.
Enfocada principalmente a la enseñanza de este oficio. Fue maestra de catedra en el TEC de Monterrey campus Santa Fe y dirige desde hace 15 años la academia de orfebres en Interlomas.
Como orfebre realiza piezas únicas y pequeñas colecciones inspiradas en las diferentes técnicas y especialidades del oficio, dando a sus piezas un giro moderno y contemporáneo.
Trabaja oro, plata y platino siempre con gemas naturales.
Ha participado en diversas exposiciones y concursos, ha sido jurado en concursos de Joyería y ha aparecido en publicaciones de revistas y periódicos.
Para conocer más de Lilo Palma
http://www.lilopalmaatelier.com
Instagram @Lilopalmaatelier
Artista: LILO PALMA
Título: TRASCENDERTALIS
Materiales: Plata 925/- pavonada
2 Cuarzos, 8Agatas, 8Granates, 5 Zafiros, 5 Amatistas, 2rubies 24 perlas, 1 trébol
Medidas:Dije: diametro 6.5 x 7.0 cm
Dije peso: 104.33 gr
Cadena: 87 cm de largo
Cadena peso: 49.17 gr
Total: 153.5 gr
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste el Talismán de Carlo Magno?
Desde un principio quería escoger una pieza de la época medieval temprana. La orfebrería era increíblemente avanzada. Dominaban todas las técnicas a la perfección y pensar que no contaban con nada de lo que tenemos hoy en nuestros talleres, me llena de admiración y respeto.
Por otro lado, el Talismán como tal es un coctel de gemas super poderosas que eleva la frecuencia de su dueño y lo protege. Carlo Magno un emperador guerrero murió a los 72 años, cuando la edad promedio de vida de aquella época no pasaba los 35 años.
Hoy, ante tanta incertidumbre y desinformación buscamos conocimientos ancestrales y confiar más en lo intuitivo, lo cual ante tanta tecnología se ha perdido.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Pensé en lo que quería preservar, pensé en la esencia del Talismán. Para mí fue el conjunto de gemas protectoras, su forma, su vista tridimensional (protección 360°) y la pieza orgánica. Todo esto montado en un marco minimalista.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
La admiración, conocimientos y profundo respeto por los antiguos maestros orfebres.
¿Por qué es importante el Proyecto Denísova?
Creo que en general el público sabe poco de joyería antigua y de cómo se hacen. Encarar el AYER y el AHORA, lo que antiguamente se logró con el mínimo de herramientas y las posibilidades que tenemos hoy, y darnos cuenta que como humanidad buscamos en las joyas los mismos fines… Es sencillamente fantástico.
ENTREVISTA YOUTUBE
Broche Otoniano
Fecha: 970-1030 ac
Lugar: Probablemente del Norte de Italia
Descripción: Broche con la forma de estrella es decorado con formas arquitectónicas en miniatura hecho con oro fino, filigrana y granulación.
Además del oro tiene perlas, cristal y esmalte.
La dinastía sajona u otoniana fue una familia nobiliaria de Alemania (Germania) durante los siglos IX-XI, algunos de cuyos miembros fueron reyes de Alemania y emperadores. Son llamados otónidas por los tres emperadores llamados Otón, y “dinastía sajona” porque sus inicios empiezan en las tierras de Sajonia. También se denominan Liudolfinger, por su origen familiar, al ser descendientes del caudillo sajón Liudolfo.
El arte otoniano es un estilo en el arte prerrománico germano, que abarca también algunas obras de los Países Bajos, el norte de Italia y el este de Francia. Fue nombrado por el historiador de arte Hubert Janitschek por la dinastía otoniana que gobernó Alemania y el norte de Italia entre 919 y 1024, bajo los reyes Enrique I el Pajarero, Otón I, Otón II, Otón III y Enrique II.
Exhibido en el Metropolitan Museum of New York.
Accession Number: 17.191.7
Fuentes:
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/465119
https://es.wikipedia.org/wiki/Dinast%C3%ADa_sajona
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_otoniano
Comienza estudios de Diseño Gráfico en los años 1983-1987 sin concluirlos para después estudiar Antropología en la Universidad Hebraica donde se titula con su tesis “La Migración Judía a México de 1900 a 1950” donde posteriormente realiza un interactivo sobre el mismo tema publicado en el 2005.
Amante de las artes y las manualidades, desde 2011 entra al taller “Academia de Orfebres” de Lilo Palma. Donde ha trabajado la plata y el oro con diversas técnicas.
Para conocer más de Bella:
ARTISTA: Bella Attie Sutton
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Arte Objeto
TÍTULO: Raíces
METALES: Plata 925
GEMÁS: Cuarzo Blanco, Aquamarina, Peridoto, Granate, Amatista, Ágata Azul, Cuarzo Limón.
MEDIDAS: 9.5 cm de Diámetro. 5 cm. De altura.
PESO: Pieza terminada 117 grs. más 44 grs. de la base de cerámica.
TÉCNICA/S: Cerámica con plata. Montado en metal directo todo hecho a mano. Cerámica con esmalte hecha a mano.
INTERPRETACIÓN
La estrella formada por 2 triángulos es la posibilidad de eternización, donde Dios se presenta en el hoy del mundo: Dios, Universo y Hombre que son los puntos de un primer triangulo y se eternizan en la Creación, Revelación y Redención donde encuentran sentido, una en relación a la otra. Y son los puntos del segundo triangulo.
La creación une el mundo a Dios, la revelación permite que el ser humano sea orientado por la palabra divina y la redención le da como tarea la salvación del mundo, esencialmente por medio del amor.
Elegí que fuera redonda para poder interpretar la atemporalidad, la eternidad. El ciclo donde no hay un pasado, un presente, ni un futuro.
La pieza del centro y el soporte formados de cerámica que simboliza la tierra, el mundo y la raíz que lo sostiene. La raíz funciona como sostén o principio, y da soporte al objeto.
Representé a Dios con una piedra Aquamarina, que promueve el contacto con lo Divino.Da pureza y nos permite explorar las profundidades más oscuras de nuestras almas, cara a cara con nosotros mismos, y con los demás.
La Ágata Azul es el Universo simboliza la profundidad es un color que denota fuerza, inteligencia, astucia es el color del infinito, es nuestra añoranza del cielo, de nuestros propios orígenes divinos.
El hombre lo identifique con el rojo, el color de la sangre que da la vida.
¿Por qué elegiste esta pieza?
Me llama mucho la atención el judaísmo, quería encontrar una pieza muy antigua que lo representara., me encontré con esta pieza, la cual llamó mucho mi atención, tanto por la época como por su simbolismo.
ENTREVISTA
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Es muy difícil cambiar la forma de un objeto que ya tiene un significado por lo que es, así que al verla pensé en La Estrella de la Redención de Franz Rosenzweig, un filósofo que habla sobre la temporalidad en las religiones y su significado en cuanto al hombre, Dios y el Universo.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
El presente, pasado y futuro no existen si no es por el tiempo. Todos somos nuestro presente, pasado y futuro, todo es cíclico, todo es atemporal y de alguna forma esta pieza histórica, fue lo que antes fui, lo que soy ahora y lo que seré.
La eternidad, para Rosenzweig, “no es un tiempo larguísimo, sino un mañana que podría perfectamente ser también hoy. La eternidad es un porvenir que, sin dejar de ser porvenir, está sin embargo presente. La eternidad es un hoy que tiene conciencia de ser, no obstante, más que hoy”
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Para mi, significó un retorno a mis raíces, a mi historia, a mi presente, pasado y futuro. Es un proyecto con el que me identifique en el momento, me apasiona la historia por un lado y por el otro la orfebrería. Poder unir estas dos cosas en una me encantó!
ENTREVISTA DE YOUTUBE
El reloj anular es un tipo de reloj de sol fundamentado en la medida del tiempo por la evolución de la altura del sol. Es conocido como reloj «anular» o benedictino y fue creado por un monje de esa orden en el siglo XI. A él se atribuye el primer reloj anular solar. Se trata de un reloj solar portátil por su reducido tamaño, tiene forma externa de anillo con una pequeña argolla que permite ser suspendido y orientarse directamente al sol. Este tipo de instrumentos se construye en metal. La escala horaria de este reloj se encuentra en el intradós del anillo que al orientarse al sol un pequeño orificio permite iluminar un diminuto punto luminoso sobre dicha escala, indicando la hora. Fue un instrumento muy popular en los siglos XVII y XVIII siendo elaborado por muchos constructores de instrumentos científicos. Según cuentan los joyeros actuales, en 1152 Leonor de Aquitania regaló un reloj anular al Rey Enrique II de Inglaterra, el anillo tenía incrustaciones de diamantes y llevaba la inscripción «carpe diem».
Se encuentra en el museo naval de Madrid y otros ejemplares en museos como el Royal Museum Greenwich o el British Museum.
Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Reloj_anular
http://www.noal.es/index244.htm
MANUAL para construir toda especie de RELOJES DE SOL D.J. DE ARFE. EDICIÓN FACSÍMIL Editorial MAXTOR
Diseñadora de joyas, comienza sis estudios en escuela de arte Dionisio Ortiz, Córdoba donde se forma como Técnico Superior de Diseño de Platería y Orfebrería Artística.
Continua con sus estudios en el consorcio escuela de joyería, Córdoba donde se forma en Producción Industrial de Joyería y Desarrollo de Productos de Joyería.
Apasionada de las artes, siempre en búsqueda constante de nuevas ideas, su
inspiración es la naturaleza, combinando las nuevas tecnologías con el trabajo artesanal.
Actualmente se dedica a la gran labor del cuidado de sus hijos y la joyería
para es su zona de escape, su hobby. Muy ilusionada con nuevos retos.
Para conocer más de Dori:
ARTISTA: Dori Fernández Núñez
TIPO: Reloj solar de bolsillo
TÍTULO: Dinorah (de luz)
METALES: Plata de ley 925
GEMÁS: 43 gemas, rubí 1, esmeralda 4, diamante Brown 2, citrino 11, amatista 5, moissanita 4, topacio azul 2, tanzanita 2, granate rojo 2, cuarzo rosa 3, aguamarina 3, zafiro 3, ópalo 1.
MEDIDAS: 57×48
PESO: 74 g.
TÉCNICA/S: Modelado 3D.
INTERPRETACIÓN
La interpretación de mi pieza es un homenaje a mi tierra “Córdoba”, he querido transmitir en ella la influencia de la cultura musulmana, siendo esta una cultura que sigue estando muy presente en cada rincón de la ciudad. Para ello me he inspirado en la mezquita – catedral de Córdoba.
Está compuesta de dos piezas que se entrelazan entre sí con una argolla, para poder suspenderla y orientarla al sol, la escala horaria que lleva grabada en la superficie interior es creada para el uso exclusivo de Córdoba.
Para realizar la pieza interior he elegido un diseño formado por lazos simulando una de las celosías de las ventanas exteriores de la fachada de la mezquita. Y para la realización de la pieza exterior he elegido un diseño con ornamentación vegetal simulando los mosaicos que se encuentran en la fachada del “mirhad” siendo esta parte de la mezquita una de la máxima expresión del arte por todo su esplendor y por todo lo que puede hacerte sentir.
Esta engastada con una gran cantidad de gemas de diferentes colores queriendo transmitir también la alegría y el encanto de los patios cordobeses con todas sus flores y coloridos. La argolla tiene forma de arco lobulado simulando también muchos de los arcos que se pueden ver en la mezquita.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Era una idea que llevaba tiempo en mi cabeza, cuando lo descubrí me sedujo su historia, me pareció muy interesante como con solo orientarlo al sol podíamos saber la hora. En estos tiempos, que cada vez estamos más digitalizados y todo es tan mecánico; el rescatar algo que está en desuso y recuperar esa esencia de lo natural para traerlo de nuevo a la actualidad como un complemento de joyería me fascino. Me imaginaba relojes solares con diferentes diseños y con diferentes usos; como colgante o llavero; unos más elegantes otros más casual…
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
El hacer un diseño original mezclando lo arcaico con las técnicas de modelaje 3D más novedosas pero sin perder su esencia vintage.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Con este proyecto busco transmitir elegancia, belleza, luz, el hacer una pieza única, exclusiva y utilitaria.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
El proyecto Denísova ha sido el impulso para hacer realidad un sueño, este proyecto es para mí una oportunidad para crecer tanto personal como artísticamente, la ocasión de conocer personas con los mismos sueños, aprender de todo el proceso que esto conlleva, me ha hecho enamorarme más aun de mi oficio, del valor que tiene la historia en todos los ámbitos artísticos.
ENTREVISTA YOUTUBE
La palabra astrolabio procede etimológicamente del griego y puede traducirse como «buscador de estrellas»
Este astrolabio pertenece a la colección de los Medici, realizado en cobre dorado y plata, con un diametro de 98 mm. En la actualidad se encuentra en el Museo Galileo.
Es un antiguo instrumento que permite determinar la posición y altura de una estrella y así se deduce la hora y la latitud en la que te encuentras. El astrolabio sólo sirve para una latitud en concreto.
Los orígenes del astrolabio están envueltos en un misterio, se cree según escribió Hiparco en el siglo II a. C. y parece que el instrumento era ya conocido en el siglo I d. C.Se atribuye la invención del instrumento al renombrado astrónomo Ptolomeo (siglo II d.C.) quien, al montar en un burro y meditar sobre su globo celeste, dejó caer el globo. La bestia lo pisó y el resultado fue la esfera celeste en dos dimensiones.
Este pequeño astrolabio se compone de tres tímpanos: dos son para las latitudes 41 ° / 42 ° y 43 ° / 44 ° (correspondientes a las regiones entre Castilla y Provenza); el tercero no está graduado. Hay una rete y una alidade. La rete tiene veintidós tachuelas de plata que representan las estrellas fijas. La extremidad del cuerpo se divide en 360 °. En el punto de conexión que coincide a los 115 ° hay una grieta que se extiende a lo largo de la parte posterior. Los números y las palabras están grabados con caracteres góticos. Aunque no se sabe la fecha de creación del instrumento sugieren que data del siglo XIII.
Partes:
– Alidade ( La pequeña varilla giratoria )-
Espalda ( Lado del astrolabio planisférico opuesto al hueco de la madre, tímpano y rete. En su centro se articula la alidada , cuyo borde se desliza sobre un juego de escalas circulares graduadas grabadas en la materia.)
– Extremidad (Borde elevado de la materia del astrolabio, teniendo una escala dividida en 360 °. La extremidad es la referencia contra la que se gira la rete en el proceso de cálculo para que el astrolabio planisférico simule la apariencia del cielo en un día determinado a una hora específica. A la inversa, la extremidad se puede configurar a partir de la observación de la altitud de un cuerpo celeste en el horizonte. En ese caso, la extremidad indicará un ángulo que, gracias a la escala horaria del dorso, se puede convertir en la hora del día o de la noche.)
– Mater ( Cuerpo del astrolabio planisférico (o astrolabio universal ). Es una placa circular delgada, con un agujero en el centro. Tiene un borde más grueso, elevado y graduado, llamado extremidad . El hueco de la madre sostiene el tímpano y la rete giratoria. La parte superior de la madre lleva un anillo articulado, llamado trono . Al deslizar el pulgar en el anillo, se eleva el instrumento de modo que su peso y diseño simétrico lo mantenga perpendicular al suelo. En el dorso de la mater están grabadas varias escamas circulares, entre las que merecen mención las siguientes:
– Escala graduada. Dividido en 360 ° con una subdivisión en cuatro cuadrantes de 90 °. Indica la distancia cenital o la altitud del cuerpo celeste al que se dirige la alidada;
– Escala de calendario. Dividido en meses y días; a veces combinado con un calendario zodiacal correspondiente, subdividido en 12 signos de 30 ° cada uno. Determina la posición del Sol en la eclíptica en el día seleccionado;
– Escala horaria, dividida en veinticuatro horas iguales (o equinocciales).
En los astrolabios planisféricos utilizados para la agrimensura, la parte posterior del mater también lleva el cuadrado de sombra .)
– Rete ( La rete (del latín aràneam = telaraña) es la parte más característica del astrolabio planisférico )- tímpano ( Placa fina de latón insertada en la materia del astrolabio planisférico. Lleva la cuadrícula de coordenadas altazimutales mostradas en proyección estereográfica polar para la latitud de la localidad de observación específica.).
-Fondo: – Estrellas fijas – latitud
Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Astrolabio
https://catalogue.museogalileo.it/object/PlaneAstrolabe_n04.html
https://www.omnia.ie/index.php?navigation_function=2&navigation_item=2Furn_imss_image_017824&repid=1
https://catalogue.museogalileo.it/gallery/PlaneAstrolabeInv1107.html
Carmela Maellas, nacida en Madrid. Su carrera profesional ha estado centrada en los medios audiovisuales y del espectáculo. El trabajo que ha realizado siempre ha sido como maquilladora y peluquera especializada en caracterización de personajes de época. Ha participado en producciones nacionales e internacionales en las que he podido disfrutar de las celebridades del mundo del cine, teatro, zarzuela, ópera etc….
Por circunstancias de la vida le han llevado a comenzar un nuevo camino. Amante de la orfebrería, comienza a formarse en esta nueva faceta y se decide a estudiar el grado superior de diseño de joyas, algo que siempre había deseado. La admiración que siente por la orfebrería a través de la historia hacen que se sienta más que orgullosa de participar en este proyecto, haciendo de este sueño una realidad.
Para conocer más de Carmela:
https://cmaellas.wixsite.com/makeup
Instagram @carmelamaellas
ARTISTA: Carmela Maellas
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc ): Gargantilla
TÍTULO: Astropal
METALES: Plata
GEMÁS: Ópalos
MEDIDAS: Hilo de plat de 4 mm x 40 mm. Medallón de 6.90 mm. Opalo de Egipto, de 4 mm, en cabujón, de color blanco. Ópalos de 2 mm x 2 mm, azules redondos, planos
PESO:
TÉCNICA/S: Prototipado, fundición, pulido, soldadura, textura.
INTERPRETACIÓN
La gargantilla tiene formas redondeadas como los movimientos de casi todo en el universo.
De uno de los extremos, se suspende el colgante, como un péndulo, elemento tan importante, para medir el tiempo.
Representa a un reloj antiguo, con la bola arriba, haciendo de rosca para darle cuerda, los 12 ópalos, las 12 horas del reloj.
Los círculos, son símbolos de perfección, lo completo, la madre tierra.
La próxima colección que voy a crear, ya tiene nombre, “Péndulos del universo”, y “Astropal”, habrá sido su primera pieza.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Es muy interesante la colección de los Médicci. Entre las piezas, había un astrolabio de bolsillo, una joya que permitía orientarse en los desplazamientos, desde el cielo, con las estrellas. A mí, siempre, me ha llamado mucho la atención el universo y como se suspendían en él, las estrellas y los planetas.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Utilicé los 3 círculos y los arcos arabescos para crear el medallón, donde incluí, en la parte central un ópalo imitando la luna y alrededor, he colocado 12 chatones de color azul, que bien se pueden interpretar por las 12 oras de un reloj, y también puede recordar los planetas oscilando alrededor del Sol.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Me nació la idea, de trasladar el universo a un colgante que fuese contemporáneo, pero que a su vez, recordase la gran creación del astrolabio que desarrolló el ser humano, y que tiene la función tan importante de guiándonos en el camino, a través del cielo y estrellas.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Por que involucra a artistas del mundo, en un proyecto que trae piezas del pasado, al presenten en nuevos diseños. Y además, este proyecto, ha nacido en la pandemia, de la mano de Raquel Lobelos. Un gran esfuerzo.
ENTREVISTA YOUTUBE
https://youtu.be/0NSBpfRbmsE
Parte del tesoro de la tumba #7 del centro ceremonial Monte Alban, Oaxaca MEXICO descubierto en 1932 por el arqueólogo Alfonso Caso.
Fundido en oro con la técnica de cera perdida. Con incrustaciones de teselas de turquesa. Mide 7.7cm de alto, 8.3cm de ancho y pesa 46 gr. Se le atribuye al pueblo viejo de Yanhuitlan, Oaxaca Posclasico tardío (1200-1521 d.C.)
Actualmente en el Museo Nacional de Antropología.
El pectoral muestra al centro la alternancia del oro y la turquesa para formar las grecas del colgante, que representa un escudo militar a escala menor, tenían un alto valor simbólico, el oro el divino desecho del sol y la piedra el cielo y el agua. Del escudo penden once cascabeles en su parte inferior, a los costados se distinguen cuatro flechas atravesadas señalando el carácter bélico de la pieza.
Esta pieza recibió una distinción especial al ser elegida por el presidente de Mexico Miguel Alemán Valdés en 1947 como regalo de bodas a la entonces princesa Isabel II de Inglaterra (una reproducción).
Y también fue una de las más de cien piezas del botín del robo del siglo al Museo Nacional de Antropología en 1985. Siendo recuperada cuatro años después sin daño alguno.
La fotografía es del libro MIXTECOS Nuu Dzahui Señores de la lluvia SHCP 2018 autores varios.
Libro publicado para la exhibición del mismo nombre que se presentó en la Galería de Palacio Nacional de México en 2018.
Fuentes:
https://www.lifeder.com/arte-mixteca/
https://www.laopinion.net/asi-fue-el-robo-al-museo-nacional-de-antropologia/
Mary Anne Underwood, nacida en Estados Unidos y hecha en México, con mis bases en diseño industrial y decoración de interiores. Siempre inmersa en diferentes manualidades desde textiles, cerámica y pintura dando con ello expresión a mi creatividad. Es así como en 2010 llego al mundo de la Orfebrería, y con el privilegio de aprender de varias maestras y maestros en México y Estados Unidos voy desarrollando mi estilo propio que sigue enriqueciéndose con cada nueva técnica, material y proceso. Mi enfoque es en joya de autor, piezas únicas o series limitadas, dándome así la libertad de darle prioridad a mi interés principal que es el diseño de nuevas colecciones.
Llego a esta convocatoria por invitación de Maria Bringas, y sería un honor participar en el proyecto Denisova, interesantísimo descubrimiento que no conocía hasta ahora. Una forma muy innovadora de resaltar piezas importantes de la historia de la joyería mundial y reinterpretarlas hoy.
Instagram: @mary.anne.underwood
ARTISTA: MARY ANNE UNDERWOOD
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): GARGANTILLA/PRENDEDOR
TÍTULO: YAHUI (SERPIENTE DE FUEGO)
METALES: ALEACION BRONCE CON CHAPA DE ORO
GEMÁS: TURQUESA NATURAL
MEDIDAS: ESCUDO 6cm DIAMETRO
PESO: ESCUDO 45 gr.
TÉCNICA/S: IMPRESION 3D Y TEJIDO DE CUENTAS DE VIDRIO EN TELAR.
INTERPRETACIÓN
YAHUI Serpiente de fuego
El pectoral de Yanhuitlán, descubierto en 1932 en la tumba #7 de Monte Alban, Oaxaca Mexico. Es un escudo pequeño, de factura Mixteca. que representa la serpiente de fuego.
En la Mixteca antigua se le conoce como YAHUI, y es a través de los códices y de la iconografía, principalmente, como podemos tener acceso a su significado y profundo simbolismo que aún hoy en día se mantiene en diversas comunidades mixtecas.
Tomando como inspiración este escudo maravilloso, lo reinterprete como una rodela con medios círculos concéntricos en oro y turquesa entrelazados que representan el equilibrio que buscamos hoy. La serpiente de fuego la represente en el perímetro exterior con una celosía que hace alusión a la filigrana falsa de la pieza original. Este elemento es el que representa el poder interior que tiene la mujer guerrera de hoy. Las cadenas que cuelgan de la parte inferior son la representación de los cascabeles originales, y dan la ligereza, fluidez y movimiento. Y por último las cuatro flechas las dirigí al centro de la tierra para darle estabilidad y las raíces que necesita nuestra guerrera.
Hoy no necesitamos un escudo de guerra como los Mixtecos, que luchaban batallas cuerpo a cuerpo. Este escudo es un símbolo, para proteger el corazón de la mujer guerrera que lo porta.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Yo diría que la pieza me eligió a mí. En 2018 asisti a una magna exposición en Palacio Nacional de la ciudad de Mexico del grupo etnico conocido como los Mixtecos (señores de la lluvia). En mi primer paso al recinto me encuentro con este pectoral iluminado y sin saber nada de él me conquista.
Dos años después cuando recibo la invitación para participar en este proyecto que busca reinterpretar una joya de la historia, inmediatamente me viene a la mente el pectoral de Yanhuitlán, y al investigar su historia y simbolismo, no busque más.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
El pectoral de Yanhuitlán es una representación de un escudo de guerra mixteco.
Reinterprete los elementos como simetría, balance, movimiento, protección y magia para crear un talismán de defensa para la mujer guerrera de hoy. El símbolo que me pareció más icónico es la serpiente de fuego que es una figura que aparece continuamente en los códices mixtecos; el nahual por excelencia, y se traduce como hechicero que transmite poderes mágicos.
Represente la serpiente de fuego en el perímetro del escudo como calado escalonado que busca abrazar, contener y velar por el corazón de la mujer que lo lleva. Y en el centro con medios círculos entrelazados de oro y turquesa, expresando el balance entre alma y cuerpo.
El escudo se puede separar y usar como prendedor
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Lo que busco transmitir es el contraste, entre las herramientas y técnicas que tenían los Mixtecos hace más de 500 años, y a lo que tuve acceso hoy en medio de una pandemia. ¡No se diga hace 50,000 años!
Lo interesante es que aunque las máquinas y computadoras logren líneas y curvas perfectas, siempre se agrega el toque personal al terminar y armar la pieza.
Porque al final, lo que hace que una pieza tenga vida es lo que le transmitimos al imaginarla y luego crearla, eso que es único e irrepetible.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
El proyecto Denisova lo entiendo como un homenaje a las piezas de joyería, a las culturas y a las manos que las crearon. El proyecto Denisova fue una pausa para ver hacia atrás y ser testigos de la historia contada a través de manos creativas como las nuestras.
Creo que es una forma hermosa de describir la historia de la humanidad de los últimos 50,000 años.
ENTREVISTA YOUTUBE
https://youtu.be/AWjksxgnzYc
Ichcatiopan, Guerrero, México
Estilo Mixteco o Azteca
Fabricado en Oro y Jade
Medidas generales: 8.0 x 7.2 cms.
Este inusual pectoral comprende una pieza de jade tallado en forma de sección transversal de una concha espiralada (caracol) , enmarcado por un delicado trabajo en oro con pequeños cascabeles colgantes. El símbolo de la caracola cortada y que representa la joya del viento usada como pectoral, fue una joya usada por el Dios Quetzalcóatl (Serpiente emplumada), nombre náhuatl del dios de los vientos y la lluvia y el creador del mundo y la humanidad.
Esta joya pudo haber sido usada por un sacerdote o por algún personaje representante de Quetzalcóatl durante alguna ceremonia.
El pectoral pudo haber sido encontrado junto con un juego de ornamentos de oreja fabricados en obsidiana (1990.191)
Regalo de James C. Gruener en memoria de su esposa, Florence Crowell Gruener 1983.190
Conocidos por su exquisito trabajo manual, este pectoral es un raro ejemplo del trabajo de piezas en oro de la cultura Mixteca, destruidas en su mayoría durante la conquista española a México.
En la actualidad se encuentra expuesto en The Cleveland Museum of Art, Cleveland, OH
HISTORIAL DE EXPOSICIÓN
?-1966 (André Emmerich, Inc., New York, NY, 1966, sold to James C. and Florence C. Gruener)
1966-1983 James C. Gruener [1903-1990], Cleveland, OH, given to the Cleveland Museum of Art
1983- The Cleveland Museum of Art, Cleveland, OH
Fuente: clevelandart.org
Diseñadora Industrial por la Universidad Iberoamericana campus CDMX. Inició su trayectoria en joyería bajo la dirección de Leticia Llera y su gusto por esta disciplina la han llevado a estudiar en otras instituciones como la Universidad Anáhuac del Norte y CNCI de Monterrey.
Su talento artístico y profundo sentido estético, la han llevado a desarrollarse en diferentes disciplinas del diseño como el textil, el de exposiciones, salones y material pop. Su relación con las marcas alemanas asentadas en México, la llevaron a formar parte del equipo de Audi de México como responsable de R.P. y Comunicación.
Actualmente está desarrollando su firma de joyería bajo el nombre de Red Soul, Couture Jewelry MX.
Para conocer más de Claudia:
Instagram: @Redsouljewelrymx
ARTISTA: CLAUDIA ROA
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): PECTORAL
TÍTULO: TACHI (Voz en Mixteco)
METALES: PLATA .925, BAÑO DE ORO 18K
GEMAS: MALAQUITA
MEDIDAS: 9.0 x 13.0 x 2.0 cms.
PESO:60grs (sólo pectoral)
TÉCNICA/S: FILIGRANA
INTERPRETACIÓN
Quetzalcóatl se vistió lujosamente y se adornó con piedras preciosas y oro para arrojarse en la hoguera y morir valerosamente tras reconocer sus errores.
Este acto no representa una huída sino una evolución. El camino que todos debemos recorrer para regresar a la luz. El caracol es el inicio, la vida; las espirales, son el recorrido ascendente de transformación, enfrentando cada uno los retos que nos tocan para crecer y empezar a soltar el mundo material y así, acercarnos a nuestra divinidad, transformados en la estrella que representa la luz.
Esta pieza es un homenaje a la enseñanza de los grandes maestros, un recuerdo de que somos más de lo que podemos ver y tocar… el símbolo que nos invita a escuchar a nuestra voz más profunda, la que sabe, la que no se equivoca, la que nos guía a la luz infinita.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Durante mi búsqueda de piezas para usar como inspiración, recorrí culturas de todo el mundo encontrando piezas extraordinarias, enmarcadas por grandes historias. Sin embargo en mi proceso de reflexión, empecé a escuchar mi voz interior que me decía que debía de buscar en mis raíces y dar voz así, a la riqueza cultural de las culturas de Mesoamérica, particularmente de la zona de México.
Coincidentemente llegó a mi esta pieza, la pieza que representa la voz divina, el soplo del creador Ehecatl o Dios del Viento, que además de hermosa, tiene un profundo simbolismo que nos habla de la evolución de la conciencia humana desde su lado más obscuro hasta el más luminoso.
Para mí esta pieza representa el llamado de mi propia voz.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
“El caracol es el pectoral de Quetzalcoatl porque hace resonar la voz divina cuando pasa el viento por su espiral” es también la espiral de la evolución de la conciencia, el cambio constante, el regreso a la luz como Venus Matutino.
Al final de su reinado en Tollan, Quetzalcóatl se quema en una fogata y se transforma en el planeta Venus para redimir sus pecados tras haber bebido hasta embriagarse y haberse alimentado con carne de hermanos sacrificados.
de la transformación que podemos lograr cada uno de nosotros cuando escuchamos nuestra voz interior y nos permitimos evolucionar, elevando nuestra consciencia, hasta retornar nuevamente a la luz.
Mi pieza habla de este mito. El caracol como inicio de la creación con las piedras de Malaquita y esas hermosas vetas en espiral que nos remiten a la transición del viento. La filigrana en el centro es la representación de la evolución, girando con fuerza, recorriendo el camino hacia la expansión de la conciencia de ese gran ser, Quetzalcoatl, merecedor de los más grande metales preciosos, y al final, la llegada a la morada divina convertida en luz representada con la estrella exterior.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Ser una voz que nos lleve a conocer y aprender más sobre las culturas prehispánicas de México, invitando al espectador a interesarse y a reflexionar sobre los símbolos de las culturas de Mesoamérica y el significado atemporal que estos tienen en la escucha de nuestra propia voz, esa voz acallada por el ruido externo.
Comprender el significado que los objetos de adorno corporal han tenido a lo largo de la historia del ser humano, en algunos casos, de enorme trascendencia.
Este proyecto me ha hecho recordar el libro, La visión de los vencidos donde entendemos que las culturas prehispánicas habían desarrollado una extraordinaria calidad de su arte, contaban con una avanzada y compleja estructura social, su cosmovisión los mantenía en equilibrio entre la dualidad del inframundo y la divina, su profundo conexión con la naturaleza lo había llevado a lograr un elevadísimo desarrollo de sus conocimientos equiparables al de otras culturas, mundialmente admiradas y reconocidas.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
El proyecto DENISOVA tiene varias facetas que lo hacen importante.
Por un lado, nos acerca a la historia del ser humano y de sus necesidad de manifestación a través del arte, teniendo como hilo conductor las joyas.
Tomando como base de información piezas realizadas desde etapas primitivas hasta etapas recientes, el proyecto nos ha invitado a investigar, analizar, comprender, apreciar y admirar el desarrollo de la humanidad, la conexión subyacente entre los pueblos a pesar de la distancia, la implacable voluntad de dominar su entorno y a sí mismo… la imperante necesidad de expresar y darle forma a su voz interior.
Por el otro, nos ha abierto una burbuja de respiro, un espacio en el tiempo tan incierto del presente; recibimos una fuerza heredada de todas estas culturas para retomar nuestra propia fortaleza e, inspirados por nuestros ancestros, dar voz a nuestra creatividad escapando del aparente y perfecto caos que nos rodea.
Es así que con este proyecto, nos convertimos en protagonistas de nuestra propia historia.
ENTREVISTA YOUTUBE
Realizada en oro laminado y repujado, pertenece al periodo postclásico tardío de la cultura azteca.
Esta hermosa pieza fue encontrada a principios del siglo 20 enterrada frente al Templo Mayor de Tenochtitlan. Esta pieza fue hecha de oro laminado y trabajada utilizando la técnica de relieve para representar una decoración en forma de mariposa estilizada con las alas extendidas. Los agujeros probablemente se utilizaron para sujetar esta pieza a alguna imagen sagrada. Ha sido identificada como el “ornamento de la nariz de mariposa” (yacapapálotl), emblema de Xochiquétzal, joven diosa de las flores, sensualidad y patrona de los plateros, pintores, escultores y tejedores de plumas. La mariposa, por sí sola, tuvo diferentes significados simbólicos en el México prehispánico, entre los que destaca la representación de las almas de los guerreros caídos; por lo tanto, Xochiquétzal está relacionada con este concepto ya que fue la primera mujer que murió en la guerra.
Se encuentra en el Museo Nacional de Antropología de México.
Fuentes:
https://mna.inah.gob.mx/colecciones_detalle.php?id=2737&sala=6&pg=23
https://www.facebook.com/MuseoNacionaldeAntropologiaOficial/posts/2200646196636663/
Arqueóloga. Bertina Olmedo Vera
Pionero en Jalisco en el diseño con plata mexicana, fundador de una tradición familiar joyera, apasionado de la cultura mexicana, ganador de innumenrables premios y recomocimientos como el Galardón Jalisco. Ha trabajado para dejar un legado de México al mundo en cada joya. Con casi sesenta años como empresario, creativo y formador de talentos, continúa al día de hoy haciendo joyas contemporáneas, porque su trabajo representa a México en pasado, presente y futuro.
Para conocer más de Francisco:
Instagram https://www.instagram.com/franssanchez01m
ARTISTA: Francisco Sánchez Sahagún
TIPO: Nariguera. Collar
TÍTULO: Fragilidad y poder
METALES: Plata esterlina
GEMAS: no aplica
MEDIDAS: 11 x 11 cm
PESO: 90 gr
TÉCNICA/S: Cincelado, calado
INTERPRETACIÓN
Fragilidad y poder es la paradoja que expresan las mariposas. Esta nariguera me remite a la cultura mexicana en tiempos de los aztecas; fue usada como símbolo de poder por una mujer guerrera. Al estar puesta sobre la boca, me habla del poder de la comunicación y las palabras.
Con esta mariposa quiero comunicar libertad y poder, belleza y fuerza, las características de Xochiquetzal, la mujer guerrera para quien esta pieza fue destinada; las cualidades que yo admiro en una mujer. Lo que parece frágil es poderoso.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Es una pieza que me remite a la cultura mexicana en tiempos de los aztecas y me conmueve el hecho de que fue usada como símbolo de poder por una mujer. Al estar puesta sobre la boca, me habla del poder de las palabras.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Quise plasmar esta mariposa en láminas de plata, el metal que me da identidad y con el que he trabajado por más de 55 años.
Para elaborar esta pieza quería que tuviera volumen y movimiento y pensé en lograrlo dando volumen y geometría cincelando y repujado el metal. Una técnica tan antigua como la usada por el creador anónimo de la mariposa original azteca
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Con esta mariposa quiero comunicar libertad y poder, belleza y fuerza, las características de Xochiquetzal, la mujer guerrera para quien esta pieza fue destinada, esas que son las cualidades que yo admiro en una mujer. Lo que parece frágil es poderoso.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Con este proyecto he tenido la oportunidad de abrir mi mente y despertar mi creatividad tomando como inspiración a una cultura de la que me he nutrido a lo largo de mi carrera y a la que admiro, pero desde la mirada nueva y actual de quien soy en este momento.
Denísova ha sido el motivo que ha detonado este proceso y estoy muy agradecido.
ENTREVISTA YOUTUBE
Periodo posclásico tardío (1250 al 1521 d.c.). Pertenece a la cultura Mexica, ornamento realizado en oro, a la cera perdida, oro laminado y oro repujado.
Fuentes:
Enlace Externo: Instituto Nacional de Antropología e Historia, digitalización de las colecciones Arqueológicas del Museo de Antropología. CONACULTA-CANON-MNA.
Fuente: Carlos H. Aguilar, Beatriz Barba, Román Piña. (1989). Orfebrería Prehispánica. Ciudad de México: Corporación Industrial Sanluis. 145.
http://www.mna.inah.gob.mx
https://mna.inah.gob.mx/colecciones_detalle.php?id=69344&sala=7&pg=18
https://mna.inah.gob.mx/detalle_huella.php?pl=La_Orfebreria_Mixteca
https://museoamparo.com/colecciones/pieza/631/collar-de-craneos
Pensar en una marca de joyería que tome los iconos que representan a México frente al mundo es pensar en Gabriela Sánchez.
Con joyas que emocionan, despiertan alegrías y evocan recuerdos.
La firma encabezada por Gabriela Sánchez y Artemisa Ramírez, madre e hija, se adentra a múltiples historias y momentos. Los corazones de México, el esplendor del paisaje agavero, la belleza de un árbol majestuoso, la alegría de una piñata, la fiesta decorada con papel picado y el misticismo de una calavera.
Y es que hablar de Gabriela Sánchez es hablar de toda clase de joyas que atrapan la mirada gracias a la imponente plata .925, elemento principal de esta empresa cien por ciento mexicana.
Con más de 21 años de trayectoria. se ha posicionado dentro y fuera del país como una de las más representativas de la industria joyera. Esta dupla representan la tercera y cuarta generación, respectivamente, de una familia entregada a la joyería desde hace décadas.
La firma ha participado desarrollando una colección especial para el Palacio de Bellas Artes, en Ciudad de México, también presente en los Juegos Panamericanos Guadalajara 2011, en Fashion Week Shanghai, en China, en Perú Moda, también invitada por la revista Vogue a participar en el The Vogue Talents Corner en Colombia Moda.
1er lugar del Concurso Internacional de Joyería, organizado por Cámara de Joyería Jalisco, Galardón Enart, así como presencia en museos nacionales e internacionales.
Para conocer más de Gabriela y Artemisa:
ARTISTAS: Gabriela Sánchez y Artemisa Ramírez
TIPO: Collar
TÍTULO: Sin Tiempo.
METAL: Plata 9.40
GEMAS: Kianita azul en lajas
MEDIDAS: 30 x 12 cm.
PESO: 480 grs.
TÉCNICA: A la Cera perdida
INTERPRETACIÓN
Con la joya titulada Sin Tiempo, las diseñadoras Mexicanas Gabriela Sánchez y Artemisa Ramírez presentan su propuesta para el proyecto Denisova.
La inspiración proviene de los tesoros encontrados en la tumba 7 en Monte Albán Oaxaca, del periodo posclásico tardío de la cultura Mixteca.
Nos inspiró un cráneo descarnado, del cual hicimos nuestra propia interpretación al día de hoy, esta joya en particular contacta con nuestro propio cráneo, pues todos tenemos uno dentro de nuestro cuerpo.
Soñamos decorarlo, hacerlo festivo, integrarlo, pues aún descarnado tiene su propia personalidad.
Sabemos que la muerte es parte fundamental de la vida y que las calaveras han estado y están presentes en rituales, altares y ceremonias en nuestra cultura.
Para nosotras en el proyecto Denisova llenar el cráneo de flores, corazones y detalles nos conectó con nuestras raíces y con lo que nos apasiona.
ENTREVISTA
¿Por que elegiste esa pieza?
Las calaveras han sido fuente de inspiración, su estructura, su fuerza, su forma y todo lo que representa, la conexión con el cuerpo y con el alma, con la tierra y con el espíritu.
Cuando buscábamos que joya reinterpretar, encontramos esta cráneo descarnado en oro como parte de los tesoros de la tumba 7 de Monte Albán en Oaxaca del periodo posclásico tardío, de inmediato atrapó nuestra atención, todo lo que representaban los cráneos para nuestros antepasados los Mixtecos, nos parece una pieza que habla de un enorme legado cultural.
¿Cómo planeaste la interpretación de la pieza?
Quisimos que fuera modelado en cera, en tercera dimensión, y que reflejara parte de nuestra esencia como diseñadoras, que el cráneo estuviera lleno de detalles, con corazones, flores y palomas, que fuera una joya impactante.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Nos encanta cuando la joya causa sorpresa y asombro,
esta joya en particular contacta con nuestro propio cráneo, pues todos tenemos uno dentro de nuestro cuerpo.
Soñamos decorarlo, hacerlo festivo e integrarlo, pues aún descarnado tiene su propia personalidad.
Sabemos que la muerte es parte fundamental de la vida y que las calaveras han formado parte de rituales, y altares en nuestra cultura y éstos se desmitifican cuando los decoramos, y así seguimos viviendo una tradición que nuestros ancestros comenzaron hace cientos de años y hoy proponemos esta joya con una visión actual.
¿Por que es importante el proyecto Denisova?
Porque te hace consiente del trabajo de nuestros ancestros,
de la interpretación que ellos hicieron de un tema y como nosotros podemos reinterpretar ese tema al día de hoy,
con la participación de tantos artistas y tantas visiones en el arte, te enriqueces, y tu panorama crece.
ENTREVISTA YOUTUBE
Pectoral formado por varias secciones fundidas y unidas entre sí por argollas de oro, une a su belleza y exquisito trabajo de orfebrería, el interés científico que poseen los jeroglíficos que contiene y es una muestra de cómo una concepcion abstracta, cosmogónica y religiosa de los antiguos mixtecos, se puede expresar plásticamente, con el bello lenguaje simbólico de esta pequeña obra maestra.
En la primera sección de este pectoral aparece representado un tlachtli o juego de pelota. En este juego de pelota hay dos dioses. Uno lleva en el tocado la venda de chalchihuites rematada con el pájaro estilizado, que es característica de los dioses solares y del fuego, mientras que el otro lleva una máscara bucal en forma de mandíbula descarnada. Ambos tienen en las manos pelotas de hule, y en medio de ellos se ve un cráneo humano. A ambos lados de las paredes del tlachtli, en el lugar en que generalmente se ven los anillos de piedra por los que se hacía pasar la pelota, encontramos dos cabezas de serpiente. A esta pieza debe interpretársele como la lucha entre el día y la noche, la vida y la muerte, desarrollándose en un cielo en movimiento, entre la deidad Tonacatecuhtli, creador, y Mictlantecuhtli, señor del inframundo y de los muertos.
La segunda sección está constituida por el disco solar rodeado de una corriente de sangre y con un cráneo en el centro. El cráneo y la sangre son el alimento de Tonatiuh, el sol.
La tercera sección está formada por un cuadrado dentro del que aparece un cuchillo de pedernal vivo, con ojos y mandíbulas paea beber la sangre y del que salen llamas. El cuchillo de pedernal es una representación de la luna.
En la cuarta sección del pectoral vemos una figura con la boca muy abierta que representa a Tlaltecuhtli “el señor de la tierra”, que aparece como una figura fantástica, con la boca armada de dientes y las manos y pies de garras.
Debajo de esta sección cuelgan cuatro rosetas terminadas en plumas, y unidas por medio de argollas a cascabeles esféricos que a su vez están unidos a cuatro largos cascabeles que rematan este bellísimo pectoral. El número cuatro es constante pata todo lo religioso en Mesoamérica y, en este caso, probablemente se refiere a los puntos cardinales donde se desarrolla este profundo drama.
Las representaciones que aparecen de arriba abajo, significan, en consecuencia, el cielo y las estrellas, el sol, la luna y la tierra, es decir el orden del universo.
Mide: 21.9 cm de largo x 5 cm de ancho
Pesa: 63.8 gr de oro
Cultura Mixteca. Período posclásico
Tesoro de Monte Albán
La célebre tumba 7 de Monte Albán s. XIV, descubierta por el arqueólogo Alfonso Caso el 9 de enero de 1932.
Museo de las Culturas de Oaxaca/Ex Convento de Santo Domingo de Guzmán
Fuentes:
https://arqueologiamexicana.mx/mexico-antiguo/el-tesoro-de-monte-alban-oro-pequenos-pectorales
https://mediateca.inah.gob.mx/repositorio/islandora/object/objetoprehispanico%3A1564
http://sic.gob.mx/ficha.php?table=museo&table_id=105
Ahuja O., G. (1989). Orfebrería prehispánica. Corporación Industrial Sanluis.
Flora María Sánchez es una diseñadora de joyería apasionada por la vida, la riqueza cultural y el esplendor de la naturaleza.
Con más de 30 años de experiencia en el sector y un ADN de tradición familiar joyera en el corazón, su misión como diseñadora es inspirar la conexión con la tierra.
Se encuentra en un proceso de viajes y aprendizaje constante, usando su talento para crear joyería inspirada en causas e historias con una trascendencia social.
Para Flora María es fundamentar relacionarse con el mundo que habita y que sus creaciones sean una manera de participar y de aportar a su país.
Antes de cada joya hay una historia que la nutre y después de cada joya hay un retorno a la causa que la fundó.
Sus joyas son para mujeres en busca de una propuesta más racional en la compra, aquellas con una mirada minuciosa frente al diseño, manufactura y la herencia.
Con las joyas que crea promueve el comercio justo del AMBAR mexicano. No es moda en grandes cantidades, es consumo responsable en
accesorios de plata que se pueden heredar porque nunca pasarán de moda.
Sus diseños orgánicos están hechos a mano por un equipo de mujeres, verdaderas artesanas cuyo conocimiento y experiencia son tan grandes como su creatividad.
En Flora María hemos empoderado a un equipo de mujeres valientes que hoy son cabeza de sus familias, con un deseo de crecer, emprender y aportar valor a México.
Su joyería está disponible en ocho tiendas propias, y en una red de distribuidores a nivel mundial.
Sus logros más importantes son:
Exposición en el museo Reina Sofía, Madrid España 2012
Venta en las tiendas de los Grandes Museos de París.
Pasarela FONART, 2014.
Fashion Week México, 2015.
Miembro honorario de Talentos por el Triunfo, artistas que donan y promueven la reserva.
Exposición colectiva en el Museo Franz Mayer.
Colección “Orquídeas de México” Marzo 2015
Mención honorí_ca en el Premio Nacional de la plata, Hugo Salinas Price, 2015.
Mención “Empresa Consolidada” dentro del marco del Minerva Fashion presentando la colección
“Sinfonía del Bosque”, Inspirada en la Reserva de la Biósfera El Triunfo. 2015.
Des_le ESCAPARATE en colaboración con Swarovski Elements, 2015.
Nominación “Empresa del año ENDEAVOR” 2015
Museo de Arte Popular, Arte/Sano entre artistas 4.0 2015
Diseñador de Distinción del Savor Silver Institute/Peñoles.
Elaboración de colección XICO para Cristina Pineda.
Des_le ESCAPARATE dentro del marco del Minerva Fashion, presentando el elemento Tierra:
Colaboración con artesano de Barro Canelo de Tonalá Jalisco, 2016.
Exposición en el Museo Tamayo.
Piezas en colaboración con Pablo Pajarito durante el Design Week México. 2016.
Exposición en el Museo Franz Mayer.
Lanzamiento de la colección REETÓRICA, en conjunto con Talavera Uriarte.
en el Abierto Mexicano de Diseño, 2016.
Para conocer más de Flora María:
ARTISTA: Flora María Sánchez Arias
TIPO: Collar
TÍTULO: Pectoral Juego de Pelota
METALES: Plata esterlina
GEMAS: Drusita, ámbar de Chiapas, granate, Cristal de cuarzo, peridote, obsidiana, amatista.
MEDIDAS: 40 X 6,5
PESO: 175
TÉCNICA/S: Calado, vaciado, cartoneado, engastado
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Esta pieza forma parte de mi vida desde que recuerdo mi fascinación por la joyería. Me conmueve que haya una joya que plasma de manera tan clara la cosmovisión del pueblo mixteco y que finalmente es una visión que se comparte con muchas culturas de mundo: las fuerzas de la dualidad masculino y femenina, cielo y de la tierra, en constante interacción para el desarrollo de la vida. El ser humano, con su sangre, vitalidad y enrgía, partícipe de esta danza cósmica.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Quise respetar el orden de presentación de los elementos tal y como están en la pieza original, aludiendo a los elementos:
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
la dialéctica de la dualidad existiendo en un mundo polar: padre y madre, los dioses del cielo y de la tierra, femenino y masculino, día y noche
La vida humana como una ofrenda que co-crea la realidad con los dioses.
la sangre del sol, la vitalidad masculina, yang, que fecunda la tierra
la sangre de la luna, la vitalidad femenina, yin, que contiene la vida
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Porque como dijo Emmanuel Unamuno, “Nada de lo humano me es ajeno” y reconocernos y nutrirnos de lo que otros seres humanos han plasmado en joyas, nos conecta con la historia de la humanidad, de la que formamos parte.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Anillo de oro que representa el águila que cae. dos cascabeles y del pico rematado con plumas con cinco cascabeles pendientes. Primoroso ejemplar del empleo de hilos y bolitas de cera para elaborar la decoración al hacer el modelo. Dentro de la cabeza y el cuerpo del águila todavía hay los pequeños núcleos secundarios.
Los anillos son las piezas que requieren de un mayor conocimiento orfebre debido a que se utilizan diferentes moldes en su manufactura. En esta pieza, el águila, evoca al Sol descendente que sostiene con su pico un escudo con los rumbos del Universo.
Cultura: Mixteca
Contexto: Tumba II, Zaachila, Oaxaca
Periodo: Posclásico Tardío (1200-1521 d. C.)
Alto: 5.8 cm
Ancho: 2.3 cm
Fuentes:
https://mna.inah.gob.mx/detalle_huella.php?pl=La_Orfebreria_Mixteca
Originaria de Oaxaca y con estudios de Diseño de Joyería en la escuela Le Arti Orafe y una especialidad en España, ILeana Rojas, cuarta generación de una familia joyera, es la diseñadora master de la firma oaxaqueña Oro de Monte Albán.
Orgullosa de sus raíces y consciente del valor y la trascendencia
de promover y preservar el trabajo artesanal, en constante colaboración con artesanos y talleres de su estado para dar vida a sublimes joyas que hablan de México y su cultura.
Crea joyas contemporáneas y cosmopolitas. Clásicas y tradicionales. Innovadoras y sofisticadas.
Abraza el tiempo y lo traduce en emociones.
Para conocer más de Ileana:
Instagram.com/orodemontealban
Facebook.com/orodemontealban
ARTISTA: ILEANA ROJAS
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Anillos y pulsera
TÍTULO: CENIT Cuando son las 12 hrs y el sol no proyecta, sombra es el cenit, el águila descendiendo o ascendiendo es la representación del sol cuando se mete o cuando sale y está representación es justo en el medio!!!
METALES: PLATA CHAPEADA
GEMÁS: Turquesa y cuarzos
MEDIDAS: Anillo 4.1 de alto 2 de ancho, Cuerpo del águila (plumas) 4.2 x 4 parte más ancha, Y de la parte de abajo 2.9
PESO:35.4 grms
TÉCNICA/S: filigrana, cera perdida, la cadena es una cadena oaxaqueña que se llama soguilla es toda realizada a mano
En donde se hace argolla por argolla
INTERPRETACIÓN
Para nuestros viejos abuelos, pertenecientes a las culturas Mixteca y Zapoteca, los elementos de la naturaleza (Tierra, Agua, Viento y Fuego) tenían una gran importancia; los cuidaban, veneraban y respetaban como los ejes centrales del universo .
Tomando como modelo esa visión holística, decidí participar con este diseño que incorpora los 4 elementos inspirada en el anillo Uñero encontrado en Zaachila.
Una cabeza de Aguila decorada con un cuarzo rojo (el Sol ),en posición de descenso surcando los vientos con las alas desplegadas y las garras hacia atrás en su viaje del Sol hacia la Tierra (representado en el Uñero) llevando consigo Agua (representado por los cascabeles) para nutrirla y que vuelva a generar vida (representado por la Turquesa), todos ellos unidos en un ciclo continuo (por la cadena) en donde no hay principio ni final.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
En primer lugar porque soy oaxaqueña y amo mi tierra se me hace increíble
Cómo nuestros antepasados trabajaban elegí esta pieza por los momentos tan difíciles que estamos viviendo por este virus ,que mejor representar la libertad con una águila en donde eres libre abres tus alas y llegas al sol
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Para mi esta pieza interpreta libertad y con las cadenas que le pongo llegas al sol abriendo grande tus alas los cascabeles represento las gotas de lluvia que alimentan la tierra
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Enseñar la cultura oaxaqueña esta pieza tiene todas las técnicas que nuestros antepasados útilizaban al hacer sus joyas y quiero enseñarlas al mundo entero .
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Me encanta que este proyecto esté enfocado a rescatar el trabajo que quedó perdido , se me hace súper interesante crear piezas modernas sin perder la tradición el trabajo y la cultura
ENTREVISTA YOUTUBE
https://youtu.be/_PTpZoa4OpE
Esta espléndida pieza de oro 1250 – 1521 d.C fue encontrada en la antigua ciudad de Monte Albán, en la actual Oaxaca, México, y sería la representación de un alto dignatario mixteco que realizó una reforma calendárica
Según los investigadores, el pectoral podría representar al Señor Lagarto. Se sabe que este personaje realizó una reforma calendárica con la que guarda relación esta joya, también conocida con el nombre de Pectoral de los Años. En los hombros hay dos cuadrados con símbolos que corresponden a dos calendarios distintos.
El tesoro de la Tumba 7 fue descubierto por el arqueólogo Alfonso Caso, en 1932, y han sido restaurados en tres oportunidades: en su hallazgo hace casi 90 años, en 1994 y actualmente, en un estudio que «engloba el estudio, registro, restauración y conservación preventiva del acervo», dice el INAH.
Estos tesoros actualmente están expuestos en la sala III, conocida como Tumba 7, del Museo de las Culturas de Oaxaca.
Fuentes:
FOTO: Oliver Santana / Raíces
Jansen, Maarten, “El oro en la Tumba 7 de Monte Albán. Contexto y significado”, Arqueología Mexicana núm. 144, pp. 51-57. https://arqueologiamexicana.mx/mexico-antiguo/comunicacion-con-los-muertos-en-la-tumba-7-de-monte-alban-oaxaca
Isabel Bueno “Pectoral del Monte Alban” , 24 de diciembre de 2018 , Revista National Geographic https://historia.nationalgeographic.com.es/a/pectoral-monte-alban_13635
https://www.mexicodesconocido.com.mx/el-descubrimiento-de-la-tumba-7-en-monte-alban.html
https://www.nialoko.org/museumofoaxaca/sala-iii-tesoro-la-tumba-7-monte-alban-1250-1521-d-c/
Creativa oaxaqueña que diseña todas sus colecciones con elementos naturales como el barro negro, jícara y madera de copal, logrando piezas únicas de gran valor artesanal.
Ha sido reconocida a nivel nacional con el Mejor Proyecto en Diseño de Joyería por el Premio Nacional de Diseño, México Diseña 2020, y la Estrella Fashion Group en 2018.
Sus creaciones hablan de México y sus raíces oaxaqueñas conservando siempre el valor por lo artesanal y con un sentido social en todo momento.
Para conocer más de Mariana:
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ARTISTA: Mariana Barranco
TIPO: pectoral
TÍTULO: Señor 12
METALES: plata .925 con chapa de oro de 18k.
GEMAS: ámbar en tono amarillo y naranja
MEDIDAS: el pectoral mide 12.8 cm de alto (incluyendo el paso de cadena ). X 8.7 cm. De largo. Con una profundidad de .5 mm. La cadena mide 80 cm.
PESO: 83.10 kg.
TÉCNICA/s: toda la pieza esta trabajada a mano. Toda la pieza fue trabajada en una chapa de plata de 7.0 mm.se dibujo la imagen para calar con segueta los biceles y el marco central de la pieza, asi como la tapa del relicario y las figuras laterales de las hombreras. Todo el detalle del penacho se realizo en filigrana.
INTERPRETACIÓN
El PECTORAL DE LOS AÑOS, pieza que sirvió de inspiración para mi pectoral SEÑOR 12, se caracteriza por tener una correspondencia muy especial en cuanto a fecha, lugar y contexto que conmemora la ceremonia funeraria del señor 12 Movimiento. De ahí que mi pieza SEÑOR 12, este formada de 12 piezas que envuelven la historia de esta increíble persona, que se encuentra en el centro del pectoral, dentro del relicario en forma rectangular que simboliza la forma tradicional de una tumba o sepulcro sagrado.
La parte superior del relicario está formado por 10 rectángulos en forma de penacho, con detalles realizados en filigrana y en la parte inferior, 10 cascabeles que dan movimiento a la pieza y que complementan las figuras utilizadas en las joyas prehispánicas y de esa manera guardar una correlación con la falsa filigrana de la pieza original y sus colgantes en forma de cascabeles.
La parte inferior hace relación del lado izquierdo, a la Máscara del Dios del Viento,( 10 viento) y al signo del portador del año (muy parecida a una A y una O entrelazadas) que simbolizan un rayo de sol entrelazado.
Y del lado derecho se encuentra el signo del portador del año 11 Casa. Dos fechas (días o años) consecutivos que en términos de fechas nos hablan de una correlación, que pueden ser de lenguaje, de etnias, de política.
Esta correlación en la pieza original habla de la posible unión de dos etnias, la Zapoteca y la Mixteca.
Y tomando estas dos cuentas calendáricas para hablar de una nueva historia… ahí empieza la historia del SEÑOR 12.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
La pieza me eligió a mí. Esta pieza me conquistó el corazón por su fuerza, su simbolismo y sobretodo porque es la pieza más importante encontrada en la tumba 7 de monte albán, y yo sabia que en algún momento iba a trabajar en ella.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
No es un proceso fácil analizar y reinterpretar una pieza con demasiados elementos como la gran cabeza adornada con un hermoso e imponente tocado con la serpiente emplumada, la mandíbula descarnada, las orejeras en forma de cabeza de serpiente, el collar de ave, por mencionar solo algunos. Sin embargo, y después de casi 8 bocetos, me di cuenta que lo más importante de este pectoral, era precisamente sus grandes hombreras grabadas con las representaciones del dios viento (año 10) y el dios casa (año 11). De ahí el nombre que se le da a este pectoral conocido como pectoral de los años.
Tomé los elementos de los hombros como las dos primeras partes del año calendario, el viento como el movimiento de la vida, y la casa como el lugar a donde todos queremos llegar.
Para cerrar el calendario, necesitaba 10 piezas mas, por lo que el gran penacho se realizó en 10 partes, cada una adornada con detalles en filigrana que le dan una belleza muy especial, y rematada por 10 cascabeles como adornos en lugar de las cabezas de serpiente.
Este pectoral tiene una correspondencia muy especial en cuanto a fecha, lugar y contexto que conmemora la ceremonia funeraria del señor 12 Movimiento. De Ahí la razón que el relicario central de la pieza, este rodeada de 12 piezas que envuelven la historia de este increíble pectoral.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Al ser oaxaqueña y trabajar con artesanos, aprendes a valorar el tiempo que lleva realizar cada pieza y lo complejo que es darle valor a una pieza que no lleva piedras o metales preciosos, que le otorguen este valor adicional.
Es por eso que desarrollé una pieza elaborada totalmente a mano, y con un proceso artesanal en filigrana para darle ese valor a las más de 200 horas horas invertidas de trabajo en metal, y casi 3 meses de desarrollo.
Mi objetivo siempre es el impulsar joyas elaboradas a mano y que transmitan una historia.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Las joyas no solo transmiten emociones; tienen un lenguaje único para hacerte ver el momento en el que fueron desarrolladas, y sobre todo, el porqué fueron desarrolladas de esa forma, o para quien.
Cuando descubres toda esta información la joya adquiere un valor único.
El proyecto Denisova te invita a conocer la historia detrás de cada pieza, y la manera en como otro artista la puede interpretar y la presenta en un contexto y época distinta.
Es una forma increíble de seguir haciendo historia a través de las joyas.
ENTREVISTA YOUTUBE
Anillo ceremonial judío realizado en oro y esmalte con la inscripción “Mazel Tov” que significa Buena Suerte en hebreo.
Fueron los judíos en sus ceremonias matrimoniales los primeros en utilizar estos anillos arquitectónicos que representaban el templo de Salomon, que además podían incluir mensajes o incluso miniaturas de la Torá. Este tipo de anillos fueron adoptados después por los Merovingios, incluyendo por tanto dentro de la tradición cristiana el uso de estos anillos arquitectónicos para representar el lugar donde se tomaba bautismo o la boda. En el caso de los merovingios si incluyeron gemas en estos anillos siendo sobre todo granates ya que habían elegido a esta gema como representante de su reinado.
Este tipo de piezas ceremoniales se transmitían de generación en generación. Se usaban solo en la ceremonia para luego utilizar otro tipo de anillos más sencillos en la vida diaria.
De los más antiguos que se tiene constancia son los encontrados en el llamado Tesoro de Colmar (Francia), al que pertenece este anillo, y en el Tesoro de Erfurt (Alemania) que se encontraron con monedas acuñadas pertenecientes a la época donde en Europa asolaba la epidemia de peste negra que se inició en Sicilia en 1347. Se acusó a los judíos de provocar esta peste obligándolos a huir de sus casas, en esta huida enterraron sus objetos de valor pensando que pronto volverían, sin embargo no fué así, permaneciendo en este caso oculto más de 500 años en una casa de Colmar hasta que en 1867 en una renovación de la vivienda el propietario descubre entonces el ahora conocido como Tesoro de Colmar. El Museo de Cluny de Paris estuvo encargado del Tesoro hasta la segunda Guerra Mundial luego se cedieron hasta enero del 2020 al MET de Nueva York donde se presentó la colección en un espacio “The Cloister” dedicado a la Edad Media donde se han concentrado piezas de gran interés de este periodo histórico.
Fuentes:
https://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2019/colmar-treasure-medieval-jewish-legacy
Samuel Burstein es Licenciado en Diseño Gráfico por la Universidad del Nuevo Mundo (UNUM), cuenta con una amplia experiencia con mas de 28 años en el diseño de joyería fina. Da vida a un nuevo concepto en el que utiliza una selección de piedras preciosas y semipreciosas combinadas con oro, plata y platino, en sus creaciones emplea materiales de la más alta calidad como las amatistas, los citrinos, turmalinas y las perlas tahitianas; piedras y perlas naturales que emplea, que son únicas en el mundo por su color y belleza, provenientes de las entrañas de la tierra y en el diseño, se traduce en líneas elegantes y formas estéticas son por sí solos un prodigio de la naturaleza; sus diseños tienen un estilo propio que se define como “exótico, vanguardista y elegante” que buscan satisfacer los gustos más refinados. Sus creaciones exaltan los elementos naturales.
Ha trabajado como Diseñador Creativo y Director Adjunto de la marca SB Collection, y como
Diseñador Creativo y Director Adjunto de la marca Expresiones
Entre sus estudios destaca la Licenciatura en Diseño Gráfico. el Curso de Restauro de Pintura en el Instituto de Arte, Ciudad de Florencia, Italia (Julio 1992) así como seminarios muy interesantes como el Simposium Área Gris – Ciudad de México (Abril 2010), Seminario Fotográfico UNUM Campus La Herradura – Kodak Mexicana (Abril 1992), 1er. Simposum de Diseño Gráfico, Ciudad de Sallas Texas (Verano 1993)
Curso de Pintura al Óleo – Hacienda Santa Mónica (1999)
Participación en Eventos
Asociación Gilberto – destacando Tendencias de Joyería 2007 – Peñoles (Septiembre 2006)
Miami Fashion Week Of The Americas (Mayo 2006)
Fashion Week México – Hotel Camino Real (Octubre 2005)
Fashion Week México – Expo Reforma (Marzo 2005)
Exposición Las Vegas – Pabellón Mexicano (Junio 2002)
Participa en numerosas Exposiciones Colectivas y tiene en su haber importantes Reconocimientos como
Ganador 1er. Lugar Categoría Set – Tahitian Pearl Trophy México 2003
Ganador 1er. Lugar en las
Categorías Anillo, Aretes, Brazalete (Octubre 2005)
Ganador 2º Lugar Categoría Collar (Octubre 2005)
Ganador 3er Lugar Categoría Set (Octubre 2005)
Para conocer más de Samuel:
Instagram : https://instagram.com/samuelburstein
ARTISTA: Samuel Burstein Uziel
TIPO Anillo Pirinola, Dreidel juego de la infancia
TÍTULO: “Los giros, las vueltas y el azar de la VIda”
METALES: Plata .950 y Oro 14K
GEMÁS: Perla 12mm color forma de Gota Silver de Tahití
MEDIDAS: Medidas 3cm de diámetro por 3,5 por 4,5 de alto
PESO: 44,8 gramos de Plata .950, 1,8 gramos oro amarillo 14k total con la Perla 48 gramos
TÉCNICA/S: La manufactura de la pieza es realizada a mano pieza por pieza en México se conoce como orfebrería en plata.
El anillo se elaboró completamente a mano pieza por pieza, técnica de laminado y forjado.
También se utilizó la Técnica de cartoneado con alambre en la parte de la Caja, y las letras fueron caladas en oro amarillo colocando esmalte aplicado al Horno, el mecanismo realizado a mano consiste en 4 piezas con resorte de acero.
INTERPRETACIÓN
Anillo de Boda Judío actual somos el reflejo de lo que fuimos de niños y en mi caso la creatividad nació en este tipo de juegos mecánicos los cuales al azar del destino obtenías un beneficio o perderías en el intento
Lo considere como un homenaje a la cultura Judía cargada de símbolos y aspectos espirituales para que se puedas continuar en las siguientes generaciones, también como un homenaje a la gran sinagoga judía de Berlín la cual quedó destrozada en la Segunda Guerra Mundial y permanece la cúpula exterior y la fachada y a todos los niños que dejaron de jugar y que ocupaban el tiempo y asar trazando el juego como un destino y leyendo la Torah
El verdadero reto fue crear el mecanismo que lograra separar el Dreidel de la base para poder hacerlo girar y jugar con el regresándolo a su lugar de origen sin perder su valor como Joya Ocupando metales preciosos y gemas auténticas dignificando su originalidad y uso manteniendo la costumbre y tradición Judía por generaciones futuras.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Por el significado histórico de buscar y encontrar mis raíces y ese magnetismo que sentí al verlo que me recordó mi infancia
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Definitivamente tenía que jugar como un dreidel (creación del mecanismo interno) hacer un homenaje a la sinagoga de la cúpula de Berlín (Perla)
Esmalte de colores que recuerdan esos Vitrales en las sinagogas y la letras en oro del Dreidl son los principales elementos que busque para reinterpretar la base y la cúspide en una forma arquitectónica
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Que la vida continúa a pesar de los pesares el destino que nos toca vivir, hay que seguir jugando el juego que nos toco jugar.
No sabemos que nos puede suceder en nuestro camino pero debemos de girar hasta encontrarlo !!!
En en la elaboración Siempre he buscado también tratar de hacer mis propias invenciones y en este caso como otros en el pasado fue montar la Perla de cabeza donde la punta de la gota quedó por debajo dando su mejor cara y vista como siempre lo he pensado creo que me gusta trasmitir que debemos buscar las ideas fuera de los cánones y lo común para dar un nuevo dar un nuevo giro y un sentido diferente a las piezas y diseños.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Por la reinterpretacion de la historia misma y traerla al prénsente en otro significado recordando las etapas que hemos vivido
Por la búsqueda y descubrimiento que en mi caso desconocía la historia misma de esta pieza y poderla retransmitir a las nuevas generaciones en un nuevo sentido visual y artístico.
ENTREVISTA YOUTUBE
Brazalete perteneciente al Tesoro de Bentarique (Almería), compuesto en total por dos ajorcas ó brazaletes repujados, Las ajorcas o brazaletes, de gran volumen, no son de oro macizo: están formadas por dos láminas que envuelven un núcleo de pasta ligera. A finales del siglo XIX, en 1896, fue encontrado este tesoro de procedencia nazarita en un campo de cultivo de Bentarique, muy cerca de Laujar de Andarax dentro de una vasija de barro, a dónde fue a parar la corte de Boabdil tras la entrega de Granada, se considera la clásica, se trata de una clásica ocultación de bienes en la huida de Granada ante la inminente llegada del ejercito cristiano en 1492. Su posterior propietaria lo vendió al Estado en 1922 por 35.000 pesetas. Se puede ver en el Museo Arqueológico de Madrid.
Este tipo de joyas de gran valor eran utilizadas para las pedidas de mano entre princesas o mujeres de la nobleza del último reino de Granada. Para su fabricación, el anónimo orfebre utilizó el procedimiento que se empleaba para acuñar moneda. Está formado por dos finísimas láminas de oro; la pestaña de la interior se halla rebatida y sin indicios de soldadura sobre la exterior, la única adornada. Los dos revisten la pasta resinosa o mastic, que va en medio y es de cal o almizteca, según sabemos por las Ordenanzas de Orfebrería de Granada de 1538. Sobre ella fue moldeado el brazalete para conferirle la forma circular y de convexidad pronunciada. En la decoración, repujada, alternan una especie de medallones y nudos de ocho lazos entre vástagos enroscados y curvas, con hojas tangentes en los ápices.
A los lados se disponen varias líneas paralelas e incisas de distinta anchura, las interiores con curvas de puntos.
Fuentes:
http://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?Museo=MAN&txtSimpleSearch=Bentarique&simpleSearch=0&hipertextSearch=1&search=simple&MuseumsSearch=MAN%7C&MuseumsRolSearch=9&listaMuseos=%5BMuseo%20Arqueol%F3gico%20Nacional%5D
http://www.adurcal.com/enlaces/mancomunidad/guia/lecrin/mondujar/paseo/tesoro/bentarique.htm
http://legadonazari.blogspot.com/2019/08/museo-arqueologico-nacional-madrid-el.html
Alvaro Larrosa Furest (Barcelona 27/11/1976)
Nieto de Maestro Artesano Orfebre Nacional Barcelonés, inició su incursión en el mundo de la Joyería en talleres de Córdoba en 1992. Su inquietud por formarse a la vez de trabajar, lo llevó al Instituto de Diseño y Moda Andaluz (Idima) Cursando durante tres años Diseño de Joyería. Continuó su formación en la escuela de Joyería de Córdoba en el año 1997, durante tres años, Diseño de Joyería y Modelado en Cera/Metal.
En 1998 trabajó de Diseñador becado en Londres, gana la Competicíón de Diseño International Design 2000 de la feria de Londres.
En el año 2000 asistió a la escuela Goldschmiedeschule de Pforzheim, a la vez que trabajaba en una firma de Joyería.
En 1998 prueba el Diseño 3D y no se lo puede quitar de la cabeza. Años mas tarde en 2001 consigue sus primeros prototipos con fresadoras industriales y apuesta por el Diseño 3D combinándolo con la “astillera” en el banco de trabajo.
Veinte años después de empezar con el Diseño 3D aplicado a joyería, decide abandonar la empresa dónde tanto aprendió durante 17 años, (siendo finalista en varias Competiciones en Ferias de Joyería Internacionales y ganar en Las Vegas) para comenzar con su propio Estudio de Diseño de Joyería y dedicarse también a la Docencia para compartir lo aprendido con las nuevas Generaciones Joyeras. Para conocer más de Alvaro:
ARTISTA: Alvaro Larrosa Furest
TIPO: Brazalete Reversible
TÍTULO:¨Renacimiento de Wallada¨
METALES: Plata chapada en oro de 24K
MEDIDAS: Diámetro exterior: 10,5 cm.; diámetro interior: 7,5 cm.; grosor: 1,5 cm
PESO: 150 g
TÉCNICA/S: Diseño 3D con Rhino7 y Zbrush, impresion 3D de 7 piezas en Resina, Fundición a la cera perdida, Soldadura a gas.
INTERPRETACIÓN
Me he imaginado en la piel de la rica mujer musulmana, que tuvo que desprenderse de sus joyas de dotes del matrimonio, en la huida de Granada antes de que la tomasen Tropas Cristianas en 1492, enterrando una vasija con sus joyas en cualquier sitio recordado, pensando que volvería algún día a casa y recuperaría sus preciadas joyas.
La he bautizado como “Renacimiento de Wallada”, inspirándome en la Poetisa conocida como la mujer más culta, famosa y escandalosa de Córdoba.
Con una belleza de cabello rubio-pelirrojo, piel clara y ojos azules, además de ser inteligente, culta y orgullosa. El andar por la calle sin velo y sus versos bordados en los hombros de sus vestidos son ejemplos que atestiguan su personalidad altiva. Se la describe como coqueta y libertina.
“Por Alá, que merezco cualquier grandeza
y sigo con orgullo mi camino
Doy gustosa a mi amante mi mejilla
y doy mis besos para quien los quiera”
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
¡Elegí esta pieza por que buscaba alguna pieza que me encajara de Al-Andalus, fue amor a primera vista!
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
La planteé Diseñarla en 3 piezas, que posterior soldaría después de fundir, después de varias pruebas y errores, decidí imprimirla en 7 partes, que encajaron y se soldaron con éxito.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Llevo tiempo preparándome y estudiando para interpretar alguna colección con temática sobre Al-Andalus, que me fascina. Quiero trasmitir el avance de la joyería hacia las nuevas técnicas, y como lo más artesanal como una filigrana realizada en Córdoba desde hace cientos de años. hecha a mano se puede crear en 3D y el público final no notará la diferencia. Aunque haya tenido que abollar la pulsera con martillo y cincel para conseguir imperfecciones dentro de la perfección del diseño e impresión 3D.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Un lazo de unión entre joyeros de todo el mundo. Para los que trabajamos con joyería comercial, es un desahogo y una oportunidad para crear espléndida. A parte de dar a conocer joyas del pasado que no todo el mundo conoce.
Mi Wallada imaginaria nacida (renacida/reencarnada) en el siglo XXI, no tendrá que esconder su brazalete ni abandonar su hogar.
No me he podido resistir en replicar la pulsera original, me encantaba, mi reinterpretación esta en media pulsera con filigrana y en el interior he interpretado los cuatro patrones del alicatado de la Alhambra.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
https://youtu.be/QLBk6R6op7I
Data del siglo XVI y fue hecho por los habilidosos artesanos amantecas mexicas que se dedicaban a confeccionar espléndidos ornamentos y atavíos con plumas preciosas. Pieza capital del arte plumaria se encuentra actualmente en el Museo etnográfico de Viena, Austria, donde ha sido cuidadosamente restaurado y conservado. El llamado Penacho de Moctezuma, en recientes investigaciones se le ha señalado como el tocado del Dios Quetzalcóatl a partir de representaciones en el códice Magliabecchi. Tiene una altura de 116 cm y un diámetro de 175 cm. La base del penacho está constituida por plumas azules de “xiuhtototl” (cotinga), ornamentadas con tejuelos de oro en dos hiladas dispuestas en media luna y encima de éstos otros veinte en forma de torrecillas. Inmediatamente después viene una franja de plumas de cuclillo marrón todas estas enmarcadas con tejuelos de oro. Finalmente, el penacho ostenta una hilada de plumas verdes de quetzal de las cuales las más largas miden 55 cm.
Fuentes:
El Arte Plumaria en México, Cándida Fernández de Calderón, Alberto Sarmiento, Fomento Cultural Banamex, 1993
https://es.wikipedia.org/wiki/Penacho_de_Moctezuma
https://www.bbc.com/mundo/noticias-54534222
https://www.milenio.com/cultura/penacho-de-moctezuma-historia-datos-y-linea-del-tiempo
Carolina es originaria del Estado de México, vivió desde niña en la Ciudad de México y desde hace 19 años reside en la ciudad de Torreón, Coahuila, maestra de inglés con certificaciones de la Universidad de Cambridge, instructora de yoga, Diseñadora de joyería egresada de la Escuela de Plata Laguna del Tecnológico de Monterrey Campus Laguna. Amante de la historia de su país y de las diferentes culturas que han dado historia a la humanidad. Ha participado en diferentes eventos y exposiciones como: Pueblos Mágicos de México en Barcelona, España en octubre de 2014, en la Galería Ismos de la Ciudad de México en 2015, en el Museo de los Metales de Met Mex Peñoles en Torreón, Coahuila, México de Julio a Noviembre de 2015, en el Museo de Arte Popular de la Ciudad de México en la Exposición del Concurso de Plata “Hugo Salinas Price”, así como participado en los concursos de diseño de la Cámara de Joyería de Jalisco en los años: 2013, 2014 y 2018 y en la Exposición “La Galería” del Tecnológico de Monterrey Campus Laguna en noviembre de 2017. Fue una de las 10 marcas seleccionadas a nivel nacional por la Cámara de Joyería de Jalisco para el programa “Joya Emprende 2019” y participado en Expo Joya Abril y Octubre 2019, así como Enero 2020 en WTC
Para conocer más a Carolina:
ARTISTA: | Carolina Castelán Arellano |
TIPO: | Collar |
TÍTULO: | “Protección” |
METALES: | Plata .925 y Liga Blanda Amarilla |
GEMÁS: | Obsidiana y Jade |
MEDIDAS: | 23×16 cm |
PESO: | 108 grs |
TÉCNICA/S: | Grabado al Buril, Embutido, Hechura de Biseles y Montado, Hechura de Cadena y Pulido Acabado Espejo. |
INTERPRETACIÓN
Está basada en el arte Plumaria, el hermoso Penacho de Moctezuma, símbolo de Poder, Protección y Deidad. En la gran Tenochtitlan los Amantecas eran los grandes maestros del Arte Plumaria, para ellos y para la población tenían un gran valor las ¨Plumas¨, incluso mayor al Oro y la Plata, por ejemplo, el Ave Quetzal era un ave sagrada, la conexión del mundo terrenal con el mundo sublime y espiritual. Por otro lado, la cultura mexica o azteca se guiaba por el Cosmos, los Planetas, el Sol, la Luna, así como los elementos de la naturaleza. El Penacho representa el Poder, la Protección y la Divinidad.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta Pieza?
Porque el arte plumaria es una técnica antigua maravillosa y tiene un gran significado y valor.
¿Cómo planteaste la Interpretación de la Pieza?
Es un símbolo de protección y de poder y desde el principio lo imaginé con los elementos que tienen un gran significado. Para los mexicas el arte plumaria era sagrado y siempre se guiaban por los planetas y su gran conexión con el cosmos.
¿Qué buscas Transmitir con tu Trabajo?
Que lo más importante y valioso es lo intangible, lo sublime.
¿Por qué es importante el Proyecto Denisova?
Es grandioso como nuestros antepasados lograron plasmar a través de las piezas de joyería toda una época, formas de vida y nosotros ahora también podemos hacerlo, contar cómo es nuestra época para también formar parte de esa historia para generaciones venideras.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
“Hombre desconocido sobre un fondo en llamas”
Obra de Nicholas Hilliard
1588, Victoria and Albert Museum, Londres
Obra del Orfebre y retratista inglés Nicholas Hilliard, conocido sobre todo por sus retratos en miniatura.
Cómo miniatura nos referimos a un retrato pequeño, transportable. Ocuparon un lugar fundamental en la sociedad tanto por ostentación y expresión de riqueza y lujo y también como símbolo de cercanía
Los retratos en miniatura se desarrollaron a partir de las técnicas de las miniaturas en manuscritos iluminados y fueron populares entre las elites del siglo XVI, principalmente en Inglaterra y Francia.
Estos retratos a veces estaban lujosamente enmarcados dentro de medallones y colgantes, con frecuencia en un medallón ovalado
Estos delicados retratos se realizaban a la témpera con finísimos pinceles, en pergamino encolado. También se usaban diversas técnicas pictóricas como óleo sobre cobre, estaño, esmalte o marfil, aguadas sobre pergamino.
Fuentes
Sobre miniaturas
https://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_en_miniatura#Per%C3%ADodo_temprano
Nicholas Hilliard :
https://es.wikipedia.org/wiki/Nicholas_Hilliar
Artista multidisciplinar. Pintora, grabadora, fotógrafa, joyera en proceso. Con una larga trayectoria artística, vive entre España y EEUU.
Como artista se encuentra en formación constante y ahora buscando otra manera de acercar la pintura de una forma más asequible al público a través de objetos más cotidianos. Combinando pintura, grabado y joyería aportando mi particular forma de mirar, analizar y entender el mundo en el que vivimos. Siempre me han apasionado las gemas y las joyas, pero no me veía creando joyas en el concepto clásico sino algo más contemporáneo relacionado más con el arte que con el objeto. Agradecer a mi amiga Raquel Lobelos este maravilloso viaje por la historia y ayudarme en esta incursión, un viaje que una vez iniciado espero me lleve a nuevos descubrimientos y posibilidades artísticas.
Para conocer más a Asun:
https://www.facebook.com/asun.torras/
Instagram @asun.torras
ARTISTA: Asun Torras
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Medallon
TÍTULO: “Uno y el Universo”
METALES: Cobre y Plata
GEMÁS: Piedra volcánica
MEDIDAS: 12×10 cms
PESO: 220 g
TÉCNICA/S: Grabado al ácido, soldadura, pintura y enfilado
INTERPRETACIÓN
En la obra, que está inspirada en una miniatura de N. Hilliard, quiero representar al hombre y su entorno, que incluye la naturaleza con otros animales y plantas y el planeta, formando parte de un todo. Lo mismo que el Universo se rige por leyes, ya sean las de Newton, las de Einstein u otras todavía más recientes, sabemos que nuestro planeta también se rige por leyes en las que es fundamental el equilibrio para que el conjunto no se destruya. Por eso los hombres somos una pieza del engranaje y solo si lo entendemos, lo aceptamos y actuamos en consecuencia, podremos sobrevivir.
Estas cosas no se plasman en un solo cuadro (¡Quién pudiera!) sino a lo largo de una trayectoria. Pero tampoco pretendo una mirada única sino que exploro muchas perspectivas, a veces enfatizando la naturaleza humana, otras la dimensión social y a veces, su relación con la naturaleza. Y utilizo la figura como herramienta de expresión en imágenes que van desde lo realista hasta lo onírico, siempre con mucha atención a los elementos pictóricos, es decir, los colores, las texturas, la composición, los equilibrios en un equilibrio que varía con el tiempo y con el medio. En este sentido, he utilizado muchas veces el papel y a menudo el lienzo que me proporcionan diferentes posibilidades.
Ahora estoy explorando un nuevo medio como es el de la joyería en el que en vez de jugar con los materiales clásicos de la profesión, empleo la pintura sobre un soporte sencillo.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Porque me da la posibilidad de adaptar mi mundo pictórico y mis preocupaciones recogidas en la serie “Uno y el Universo” a un medio muy especial como es la joyería, es una forma de traspasar mi trabajo al metal además del papel, el lienzo o la madera.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Realmente me costó trabajo encontrar una pieza en la que inspirarme. Los retratos miniatura llamaron mi atención pues en ellas podría plasmar o continuar mi mundo que, por otra parte, lo tengo bastante claro. Y esta imagen me intereso por lo conceptual: el hombre y las emociones y me gusto la idea de trabajar por un lado la linea pura en un grabado y por otro el color, la pintura.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Mis emociones, mis sentimientos, mi visión del mundo que nos rodea y de lo que hacemos los hombres, como nos relacionamos con nuestros semejantes y con el universo. Intento que mi mirada no solo se quede en la superficie
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Porque nos permite disfrutar y reinterpretar la historia de la joyería a través del tiempo. Es un proyecto que une a artistas del mundo y nos da una visión cultura diferente y única y a pesar de esas diferencias nos une en un proyecto común
ENTREVISTA DE YOUTUBE
“Dije en forma de una mano” – Creada durante la primera mitad del siglo XVII, probablemente de origen español. Se trata de cuarzo hialino tallado en forma de puño cerrado con oro esmaltado y esmeraldas. Esta pieza formó parte de la colección de “Jack and Belle Linksy (1982)”.
Esta pieza se estima haber sido creada en la península Ibérica entre 1600 y 1800, periodo que marca un giro significativo en la marea de fortunas para la Península Ibérica. La derrota inglesa de la Armada Española en 1588 es el primero de varios golpes debilitantes a la autoridad española sufridos por el país en la guerra en la que abunda en este periodo. Sin embargo, la vida artística de España florece, y los siglos XVII y XVIII producen los mayores maestros de la escuela española.
Fotografía y texto de:
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/207270.
https://elblogdelcoleccionistaeclectico.com/2015/11/16/higa-un-dije-cargado-de-magia-y-simbolismo/
Esta pieza actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Nueva York, EUA.
Nacida en 1992, Bárbara es una joyera mexicana “tapatía” graduada en Diseño Industrial por la Universidad Autónoma de Guadalajara y obtuvo una maestría en Publicidad y Comunicación Corporativa. Termina su especialización en Hard to Find, escuela de joyería de bellas artes aplicadas. Emprende en joyería a través de su marca LIMERE en temas sobre el amor y la sexualidad.
Ha participado en exposiciones pro LGBT y feminismo, su trabajo busca promover el diálogo entorno al reconocimiento de las libertades y derechos sexuales de las personas. Bárbara también es ilustradora. Ha expuesto piezas de joyería en Milán durante la semana de la joyería (2019), y en Rusia (2020).
Para conocer más de Bárbara:
https://barbaratutifruti.myportfolio.com/
Instagram: @barbaratutifruti/
Facebook: https://www.facebook.com/rainbowish
ARTISTA: Bárbara Tutifruti
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Collar
TÍTULO: Ni perdón ni olvido
METALES: Plata 925
GEMÁS: –
MEDIDAS: 3.8 x 2.2 x 1.4 cms
PESO: 15gms
TÉCNICA/S: Modelado y esmaltado cerámico; Modelado e impresión 3D, esmaltado vidriado.
INTERPRETACIÓN
¿Qué son los monumentos de paz para la gente si el estado está en guerra con su propio pueblo? La propuesta de las “antimonumentas” se ha convertido en un recurso para que no olvidemos las injusticias, crímenes y tragedias que atentan contra la dignidad humana; son un reclamo y un recuerdo de las deudas que tiene el estado, y la sociedad con nosotras.
Esta pieza es un retrato del monumento al Ángel de Independencia, que se encuentra en la Ciudad de México, el cual en 2019 fue intervenido por grupos feministas con pintas y grafitis cuyos textos hacen frente a la opresión de un país feminicida, clasista, racista, transfóbico, y homofóbico.
Mediante el esmaltado no he buscado embellecer la pieza sino plasmar la importancia de voltear a ver y cuestionar.
El arte como ejercicio de empatía.
La protesta como exigencia de derechos.
Las redes para la supervivencia.
La resistencia para la existencia.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
En cuanto la vi inmediatamente supe qué es lo que quería hacer; las manos en la joyería siempre cuentan una historia además de ser un recurso muy presente en los discursos sociales.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Estoy vinculada con otras activistas y artistas. Para mí el feminismo forma parte de mi trabajo, redes, y círculos sociales.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Siempre está en mi mente el de qué manera puedo abonar a la conversación de la justicia social mediante mis creaciones. Que sirva como un medio más, de una manera que resulte interesante, y llamativa.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Creo necesario el compartir la situación social de mi país, siendo yo una embajadora como joyera y artista encontré un refugio en este proyecto que busca trascender y hablar de la historia de nuestro trabajo en otros contextos sociales.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
La corona tejida en hilo de oro muestra dos dragones formados con alambre de oro dorado que se oponen entre sí y se enfrentan a una perla llameante del conocimiento. La perla consiste en una cuenta de vidrio fundido de color verde esmeralda que emula al jade. También hay dos alas que consisten en una malla de alambre de oro dorado unida a la parte posterior de la corona.
La época histórica a la que pertenece es la
dinastía Ming, penúltima dinastía de China, que gobernó entre los años 1368 y 1644, tras la caída de la dinastía mongol Yuan.
El año de realización de la corona dorada del Emperador Wanli está datada en el 1600 D.C. Fabricada por maestros orfebres chinos se localiza en 1960 en el Mausoleo Dingling del Emperador Wanli cerca de Beijing, proviene del ataúd del emperador Wanli.
Realizado en Alambre de malla de oro dorado, sus medidas son Alto: 16,5 pulgadas (41,74 cm)
Ancho: 8 pulgadas (20,24 cm)
En la actualidad la Corona del emperador Wanli, se ecuentra en el Museo Dingling está ubicado en el condado de Changping, al pie de las montañas Yanshan, en las afueras de Beijing.
Fuentes:
<http://www.mingtombs.com/jqyl/dl/ >
visita virtual del museo: < http://www.mingtombs.com/sslx/3g/changl/ >
Fuente de la fotografía:
<https://bernsteinjadeart.com/works-of-art/imperial-gilt-gold-mesh-crown-of-the-ming-dynasty >
Garrett, Valery M. (1994) Chinese Clothing: An Illustrated Guide. Published by Oxford University Press, New York
Licenciado en Arte por la Pontificia Universidad Católica del Perú; investigador de medios, técnicas y distintas modalidades del lenguaje escultórico. En 1992 creó la técnica de tejido a crochet con alambre. Técnica a la que denominó punto peruano y, desde entonces su obra se teje en alambres de cobre, plata, oro, fibras naturales y sintéticas, complementado con talla, labra, fundición o modelado e impresión 3D; mármoles, granitos, cristales, maderas, hierro, bronce, vidrio, entre otros tantos materiales. Asimismo, desarrolló diseños y patrones aplicados a la enseñanza y producción de joyería de autor y joyería comercial tejidas de punto peruano.
En 1998 recibió el primer premio de la Primera Bienal Nacional de Lima con la obra, Damero Reflexivo.
Más o menos el año 2006, retomó la teoría del eterno retorno; principio de repetición eterna que le dio datos e insumos con los que desarrolló y creó el movimiento neoancestral, motivado por el objetivo de actualizar a formato de uso actual hallazgos identificados entre la edad antigua, IV milenio a.C. y el surgimiento de la edad moderna, hacia finales del siglo XVI d.C. Para conocer más de Juan Pacheco:
ARTISTA: Juan Pacheco
TIPO: sombrero de moda
TÍTULO: sombrero flor dragón
METALES: plata fina de ley 999,9
MEDIDAS: 31 cm x 27 cm x 18 cm
PESO: 580 gr
TÉCNICA: tejido de punto peruano
INTERPRETACIÓN
Para interpretar la pieza seleccionada, recurro a las características de la corona de oro dorado del Emperador Wanli:
Sobre la base de la caracterización de la corona de oro dorado del Emperador Wanli, planteo la interpretación en:
Sombrero flor dragón:
Es la re-interpretación del bonete ancestral, componente del vestuario masculino durante el periodo de la Dinastía Ming; un bonete que por su característica es un símbolo, un signo que podemos interpretar desde el metal, los dragones, la perla.
En ese contexto se plantea la actualización al uso de tendencias de moda actual, acorde al espíritu de nuestra época, siglo XXI y, para ello se des-contextualiza el bonete, para re-contextualizar el símbolo, el signo como sombrero de pescador, componente del vestuario femenino. En épocas en que lo femenino marca la humanidad.
La narrativa del sombrero flor de dragón contiene:
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
La corona de oro del Emperador Wanli, de la dinastía Ming penúltima dinastía de China, coincide con la propuesta de los Gorros Neoancestrales que, inicié el año 2011.
Gorros Neoancestrales, es una propuesta para actualizar a formato de uso actual, un gorro identificado por la arqueología en los restos arqueológicos de la cultura Moche en Perú. Para el proyecto planteé la hipótesis de trabajo; “los gorros con asa que artistas de la cultura Moche colocaron a personas que fueron retratadas en el pasad, plantea infinitas posibilidades para que artistas de nuestro presente, siglo XXI, diseñen gorros con asa en base a las tendencias de moda más actual”.
En ese contexto, resulta un reto, actualizar al uso de hoy una corona que en su época fue utilizado dentro de un contexto de la vida cotidiana durante la Dinastía Ming, en la sociedad China ancestral. Un complemento de moda de la vestimenta, acorde a las funciones del emperador y de las tendencias de vestuarios de hombres de esa época.
La propuesta neoancestral se desarrolla a partir de un método que sitúa el periodo de análisis en la antigüedad; más o menos entre el milenio IV antes de Cristo y fines del Siglo XVI,
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Sombrero flor dragón, es la re-interpretación del bonete ancestral, componente del vestuario masculino durante el periodo de la Dinastía Ming; un bonete que por su característica es un símbolo, un signo que podemos interpretar desde el metal oro dorado, los dragones, la perla.
En ese contexto se plantea la actualización al uso de tendencias de moda actual, acorde al espíritu de nuestra época, siglo XXI y, para ello se des-contextualiza el bonete, para re-contextualizar el símbolo, el signo como sombrero de pescador, componente del vestuario femenino, elaborado en plata. En épocas en que lo femenino marca la humanidad. La narrativa del sombrero flor de dragón contiene:
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Espíritu de época
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Es un escenario en el que lo ancestral se manifiesta en contextos tecnológicos que que desafían toda posibilidad de explicación. Es un reto, una propuesta para desafiar la imaginación para traer al presente restos arqueológicos que rompen paradigmas.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
https://youtu.be/SoYjryVmZWA
La Corona Lombarda es un accesorio femenino utilizado en la historia italiana para adornar la cabeza. Su característica forma de abanico conformaba una aureola sobre la joven que la llevaba, similar a la de las Vírgenes.
Es un accesorio muy utilizado en Lombardía, Italia que sigue formando parte del traje regional de las zonas de Lecco, Varese y Brianza. Durante mucho tiempo sólo se conoció en Italia como peinado popular y de ahí viene su nombre oficial de “guazza”, que en el dialecto original significaba “entramado”.
Este tipo de corona corona entró en uso común alrededor del siglo XVII, permaneciendo hasta principios del siglo XX.
La versión del siglo XVII es la más famosa, gracias a Alessandro Manzoni, que la inmortalizó en una prosa de su obra literaria “Los Novios”.
La corona Lombarda tiene configuración muy especial. Está compuesta por muchas horquillas de longitud variable entre 10 y 20 cm, dispuestas en abanico o semicírculo. Además de estas horquillas, las mujeres llevaban hasta seis horquillas decoradas en la parte inferior del peinado, que se obtenían vaciando plata u otro metal fundido en moldes de hueso de sepia, notoriamente resistente al calor. Estas se decoraban de forma refinada se y diferenciaban de las otras, que tenían forma plana o de cuchara.
Fuentes:
http://www.museocuggiono.it/
FABRIZIO RIVA
Milán, la capital del diseño y el punto de inicio de Fabrizio Riva, diseñador desde hace mucho tiempo con sede en Gallarate (Varese) y no sólo de joyas. De hecho, ha trabajado tanto para estilistas como para proyectos artísticos e incluso ha supervisado la inserción de joyas en un complejo turístico de Dubai. En definitiva, un italiano ecléctico, quizás con esa creatividad renacentista que caracterizó al Humanismo. En su largo currículum figuran colaboraciones con Giancarlo Montebello y Niki de Saint Phalle para una colección de joyas, con Gabriele De Vecchi para accesorios de plata, con el Grupo Redwall para joyas como accesorio para bolsos y con Eleonora Fiorani para un proyecto sobre antropología y semiótica a través del lenguaje de la joyería. También ha diseñado joyas y relojes con Nina Ricci, participó en la realización el Cuaderno de Tendencias de Arabia para el Consejo Mundial del Oro, coordinó la línea de joyas Bliss para Casa Damiani, creó una colección de joyas para trajes de novia para la diseñadora Elisabetta Polignano, ha rediseñado joyas basadas en la artesanía africana…
Varias tiendas y galerías acogen actualmente sus colecciones.
Para conocer más de Fabrizio:
www. fabriziorivagiojelli.it
www. estrostudio.it
@fabriziorivagiojelli
ARTISTA: Fabrizio Riva
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Anillo
TÍTULO: Rayos de Sol
METALES: Oro rosso a 9kt.
GEMÁS: Diamantes Brown talla antigua y talla moderna
MEDIDAS: 42X38 mm
PESO: 11,80 gr
TÉCNICA/S: Elaboración natural y soporte 3D
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Por el vínculo con mi territorio – por el significado y la preparación que llevó a su realización
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Primero, escogiendo un anillo por importancia y significado para interpretar la corona, respetando la historia, pero interpretando según mi forma de verlo actualizado con finas y delicadas líneas en oro y diamantes de Brown combinadas en tallas antiguas y modernas.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Respeto por los orígenes de la joyería, la interpretación moderna y técnica en la producción.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Por una excelente comparación internacional y por la atención que presta al trabajo del diseñador y artista joyero.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
https://youtu.be/NqNO18yA5p4
MEDALLON COLGANTE DE MARIA ANTONIETA, REINA DE FRANCIA Y NAVARRA
Finales del siglo XVIII- principios del XIX
Pertenece a la época de la Revolución Francesa.
Actualmente se encuentra en The British Museum , Londres.
DESCRIPCION:
Medallón colgante en forma de corazón con un mechón de pelo ( de Maria Antonieta), engastado bajo vidrio o cristal de roca con una tarjeta inscrita y montado en un engaste de filigrana de oro. Un pequeño candado dorado está suspendido de la base con una llave en una cadena unida al lazo de suspensión, a menudo representaban pequeñas joyas sentimentales que funcionaban como relicarios. María Antonieta vivió entre 1755 y 1793 cuando murió decapitada. Ella misma le dió un mechón de pelo a Lady Abercorn, está a su vez se lo dió a su hermana Lady Julia Lockwood y se lo pasa a su hija Lady Napier quien encarga hacer la joya y se lo da a W.S. en 1853 esto es el mensaje que pone en el colgante.
Fuente:
https://www.britishmuseum.org/collection/object/H_1978-1002-1202
SOFIA NOUSAIRI BUCAY
Diseñadora Orfebre, inicia su aprendizaje con la profesora Lilo Palma en Academia de Orfebres; crea su firma de joyas artísticas únicas inspiradas en la vida y su pasión, vivencias y los sentimientos que brotan del alma.
Ilusionada siempre con nuevos retos, proyectos y aprendizaje constante…
Para conocer más de Sofía:
ARTISTA: SOFIA NOUSAIRI BUCAY
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): COLLAR
TÍTULO: MARIA ANTONIETA Y EL ENIGMA DEL TIEMPO
METALES: PLATA .925
GEMÁS: Perlas cultivadas de agua dulce, redondas color blanco con sobre tono color crema y cuarzo rutilado en forma de gota.
MEDIDAS: Medida únicamente dije: 11.00 cm largo x 7.00 cm ancho; collar completo: 35.00 cm largo x 13.5 cm ancho; Cadena con llave del reverso de la obra que cae desde el broche: 19.5 cm
PESO: 122 gr.
TÉCNICA/S: METAL DIRECTO, CALADO Y SOLDADO.
INTERPRETACIÓN
El protagonista principal dentro de mi obra es EL TIEMPO, como el misterio y enigma mas grande de la historia, tan poderoso ya que lo gobierna todo…
A través de él y su medida vivimos los eventos, sus cambios, recuerdos en nuestros pensamientos; vivimos nuestra historia personal.
Los relicarios son utilizados para guardar objetos que nos brindan protección y buena fortuna; pertenecían a esos personajes tan importantes que destacarían en la historia de la humanidad. Así sucede con el tiempo y su enigma, que permanece tan mortal o inmortal, a veces libre o cautivo dependiendo de como lo utilicemos; sus cerrojos y ataduras se podrán abrir únicamente con la llave personal que llevamos cada uno, ya que el tiempo es relativo, vuela con la felicidad y se detiene con la tristeza. Al rededor del relicario se encuentran las figuras que simbolizan los cambios y el cuarzo rutilado que cae como la incontenible gota del tiempo al cabello de María Antonieta. Así interpreto mi obra, comparándola con la vida de María Antonieta y su paso en la historia, su vida tan segura y lujosa… tan poderosa como el cabello en su relicario y tan insegura e incierta por el temor y la humillación de su terrible final, la muerte en la guillotina.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Fue amor a primera vista, ademas de su belleza física me cautivo su historia y su trascendencia, pues lleva el testimonio de quienes la portaron y heredaron a través del tiempo.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
La interpretación se resume en tres palabras: María Antonieta, relicario y TIEMPO.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
El apreciar más al TIEMPO y agradecer los buenos momentos, a abrazarlos con toda el alma, a superar las épocas malas y aprender de ellas como buenos maestros de vida, a mejorar nuestra vida, ya que el TIEMPO ES LIMITADO.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Considero que el mundo necesita un impuso de arte, inspiración y amor. Estamos pasando por tiempos muy difíciles y el arte puede ser una forma de expresión y transmisión de sentimientos que nunca muere, ya que la creación de un artista trasciende en el tiempo, sensibiliza y enseña. En este caso como lo es el portar una joya única y artística como ARTE PORTABLE, que trasciende en el tiempo como herencia de generación en generación transmitiendo sentimientos tan profundos y únicos a través de la historia.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Broche de forma ovalada con pintura de un ojo en miniatura y diamantes, enmarcado con 20 perlas.
Autor: Anónimo.
Fecha: Principios del s. XIX.1790-1820.
Lugar de origen: Inglaterra.
Colección del Museo Victoria and Albert, Londres.
En 1784, el Príncipe de Gales se enamoró perdidamente de Maria Fitzherbert, pero la corte real no aprobó su unión. Cuando el futuro Rey Jorge IV le pidió su mano en matrimonio, María lo rechazó.
Ella solo aceptó después de su segunda propuesta donde, en lugar de un anillo, el Príncipe le regaló un broche en el que aparecía una pintura en miniatura de su ojo.
Poco después de su matrimonio, María correspondió al presente con otra pieza, el retrato de su propio ojo.
Esta prueba de amor que el príncipe solía esconder bajo su solapa inspiró a la nobleza inglesa de finales del siglo XVIII y principios del XIX.
Las parejas intercambiaban discretas acuarelas pintadas sobre marfil que mostraban solo un ojo para ocultar la identidad y preservar el decoro del amante. La mayoría eran pequeños broches.
Las miniaturas de ojos fueron una anomalía curiosa pero breve en la pintura en miniatura que se puso de moda en toda Europa a finales del siglo XVIII. Eran una manifestación extremadamente intensa de un arte ya cargado de emociones, un intento de capturar “la ventana del alma”.
No solo se regalaban entre amantes, también se ofrecían como prenda de amistad o entre madre e hija.
También formaron parte de la joyería de luto, siendo considerados un objeto para recordar al difunto.
La simbología de las perlas y los diamantes tan enlazada a las lágrimas hizo que estos retratos se adornaran comúnmente con ellos.
Fuentes:
SANTAVANITAS es una colección de joyería inspirada en antiguas piezas de joyería religiosa y pagana, desde la Antigua Roma hasta la Corte Inglesa del siglo XIX, una fusión entre cultura popular, arte, mitología y fetichismo.
El nombre de la marca se construye con dos palabras latinas: SANTA, que significa santo o sagrado, y VANITAS, vanidad, una alusión a la cualidad humana que inspira la cultura tal como la conocemos hoy.
Pilar Cano Romero, vive en Hong Kong, estudió Bellas Artes en la Universidad de Sevilla. Tras graduarse en 2007, continuó su interés por el panorama artístico y el diseño y obtuvo un Máster en Espacio Expositivo y Museografía en la Universidad Politécnica de Cataluña y un Máster en Diseño Gráfico.
Pasó cuatro años haciendo branding para diferentes marcas y colaborando con artistas, con proyectos que le dieron la oportunidad de trabajar en otros países como Perú o Portugal.
Pilar llegó a Hong Kong en febrero de 2013. A través del difícil proceso de adaptación a una nueva vida, en otro país y con una cultura totalmente diferente, sus joyas -todas piezas heredadas de alto valor sentimental- se convirtieron en poderosos objetos con la propiedad de conectarla con sus raíces, eran tótems que actuaban como una armadura simbólica, cargada de fuerza y protección. Entonces supo que quería crear piezas que inspiraran a otros en su viaje.
Desde su llegada a Hong Kong trabajó como diseñadora gráfica y comisaria de arte, mientras soñaba con su colección y la creaba de noche. Con una obsesión por el arte, la iconografía y los recuerdos, SANTAVANITAS se lanzó oficialmente en Madrid en diciembre de 2018.
La tradición, el patrimonio y la artesanía son una parte muy importante de la marca, por lo que aunque hubiera sido más fácil producir en Asia, Pilar decidió hacer sus joyas en España, más concretamente en Córdoba, una ciudad con siglos de experiencia en joyería. Mezclando pasado y futuro, cada pieza está diseñada a partir de las últimas técnicas 3D y elaborada por artesanos locales a través del antiguo proceso de fundición a la cera perdida.
Para conocer más de Pilar:
https://www.santavanitas.com/
Instagram https://www.instagram.com/santavanitas/
Facebookhttps://www.facebook.com/santavanitas/
ARTISTA: Pilar Cano Romero
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Pendiente / Broche.
TÍTULO: Lover’s Eye
METALES: Plata chapada en oro.
GEMÁS: 1 perla blanca cultivada
MEDIDAS: 50mm x 25mm
PESO:15gms
TÉCNICA/S: Impresión 3D de resina y fundición de la plata con la técnica de la cera perdida, montaje y acabado artesanal.
INTERPRETACIÓN
Regalar este retrato engarzado en pequeñas joyas significaba otorgar una parte muy íntima, los ojos se consideran el espejo del alma y retratar sólo uno era preservar la identidad y el decoro del amante, era decirle que lo observabas y lo velabas en todo momento. Esta simbología es lo que quería representar en mi Lover’s Eye. Crear una pieza que fuera más allá de la identidad de género, un objeto que representara a cualquier amante del planeta pero que a su vez fuera una pieza única e íntima. Para lograr esa fluidez en su forma y uso opté por diseñar la joya para que fuera llevada como pendiente o como broche, sin limitar los deseos del portador. Formalmente está planteada como una escultura, un ojo en su representación más sencilla, evitando características de género, edad o raza. Realzando así el concepto del amor como sentimiento universal. Las perlas portan una simbología anclada al mar y al sufrimiento. La perla engarzada en el broche habla del dolor y las lágrimas comúnmente asociadas al amor, y la necesidad de sacarlas para desprenderse de él. Por esto la perla se encuentra engarzada en el cierre y no en otro lugar de la joya.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Creo que, de toda la joyería histórica, las piezas dedicadas al amor y al luto son las que han tenido un alcance y uso más universal, más allá del estatus social o político, han sido y siguen siendo una herramienta para materializar un sentimiento y mantenerlo perpetuo a través de un objeto, un símbolo que aporta más al concepto de mero ornamento. En mi opinión, El ojo de amante sigue sirviendo a su propósito original y lejos de morir con la moda, su significado es más relevante que nunca.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Me interesa sobre todo la simbología que este tipo de piezas representan, quería interpretar el sentimiento y la intención más que la joya en sí misma. Las miniaturas de ojos son en realidad retratos que muestran una pequeña parte del rostro de la persona representada. Algo tan personal e inimitable era muy complicado de interpretar, por lo que decidí que las características formales de la pieza deberían ser universales y que, aunque comunes a cualquiera, no tuviera ningún rasgo representativo de género o raza. Esto me llevó a usar el metal como base única y a plantear la joya como una escultura/prótesis que mostrara un ojo humano sin resaltar ningún rasgo descriptivo. Lo impersonal como su característica más íntima.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Con mis diseños en general busco reintroducir e interpretar la joyería. Hablar de cultura popular, de mitología, antropología e historia más allá del ornamento. Intentar otorgar a la joyería contemporánea ese carácter místico que encierran las reliquias religiosas. Con mi Lover’s Eye en concreto, hablar del amor en todas sus formas y que pueda servir como herramienta a los que quieran contar su historia de una manera diferente.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Creo que el Proyecto Denisova hace una labor de difusión histórica de valor incalculable, además del apoyo y promoción de artistas y artesanos. El ser capaz de aunar historia y diseño contemporáneo implicando a más de 40 creativos nacionales e internacionales, además de crear un interés en prensa y público, es una labor que debería ser apoyada y protegida por las instituciones para permitir su evolución y ampliación en el futuro. No es sólo el valor didáctico de la exposición en sí misma, sino el apoyo, difusión y reconocimiento al trabajo de creativos, contribuyendo así al crecimiento y la economía del sector del diseño y la artesanía en el ámbito de la joyería contemporánea.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
La primera emperatriz de Brasil murió a los 30 años, (Viena, 22 de enero de 1797 – Río de Janeiro, 11 de diciembre de 1826), fue una archiduquesa de Austria, regente del Reino de Brasil, primera emperatriz consorte de Brasil y durante poco más de dos meses en 1826, reina de Portugal. Ella era austriaca y en su educación estudió minerales, cuando exhumaron su cuerpo en 2012 solo encontraron aretes en oro y resina.
Los pendientes los trajo la emperatriz de Austria porque son hechos de oro y una resina como un tipo de ámbar, y en Brasil no existe ámbar, detrás de los pendientes tiene la letra L. (Leopoldina).
La colección estaba en el Museo Nacional de la ciudad de Río de Janeiro, que lamentablemente se incendió.
En mi investigación encontré material periodístico que habían realizado la exhumación por obra maestra de la arqueóloga y historiadora Valdirene do Carmo Ambiel, una exhumación con la autorización de descendientes de la familia real brasileña.
En esta exhumación, además de la primera emperatriz María Leopoldina, también actuaron Don Pedro I (en Brasil) Don Pedro IV (en Portugal), y la segunda emperatriz Amélia de Leuchtenberg.
Sin embargo, fue algo sorprendente que la emperatriz María Leopoldina fuera enterrada solo con estos aretes, por lo que se cree eran sus favoritos.
Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Leopoldina_de_Austria
https://cosasdehistoriayarte.blogspot.com/2019/10/maria-leopoldina-de-austria-primera.html
Raquel de Queiroz, joyera, su marca es Raquel de Queiroz.
Diseñadora de joyas, siempre le gustó crear y las piedras son de una belleza y atracción muy grande, es por ello que se interesa especialmente en el conocimiento y uso de las gemas brasileñas. Trabaja con materias-primas que son referentes nativos de Brasil rescatando y valorando la originalidad, fuerza y alegría de la cultura brasileña. Para conocer más de Raquel
Instagram @raqueldequeirozjoias
www.raqueldequeirozjoias.com
ARTISTA: Raquel de Queiroz
TIPO: Pendientes
TÍTULO: Pendientes desconocidos de la Emperatriz Leopoldina
METALES: Oro 18k
GEMAS: Esmeralda e diamante
MEDIDAS: Altura 16.87 mm Anchura 13.64 mm
PESO: 2.88 gr. los dos
TÉCNICA: Hecho a mano en todos los procesos (artesanele)
INTERPRETACIÓN
Hice un pendiente usando el mismo metale que el original, pero modifiqué como se cierra el pendiente para que sea más práctico usarlo, reemplacé el ámbar por esmeralda y usé diamantes que no existen en el original las medidas son próximas de lo pendiente original.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Ya estaba investigando sobre la colección de minerales de la emperatriz Leopoldina para desarrollar joyas com los mismos minerales pero com lo incendio se perdió y no hay nada catalogado. Entonces es una oportunidad de hacer una homenaje a la emperatriz.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
La emperatriz era una persona muy querida por los brasileños de esa época, y ella aprendió amar a Brasil como su tierra, ella había estudiado ciencias naturales y siempre estaba interesada en minerales. Utilicé oro como metal y elegí la esmeralda para representar la bandera brasileña los diamantes se usaba mucho y se exploraba ampliamente em Brasil.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Hice una joya artística y artesanal, leí varias biografías sobre la vida de la emperatriz y espero haber pasado ese sentimiento.
¿Por qué es importante el Proyecto Denísova?
Creo que es importante rescatar la historia de la joyería, recreando piezas com una visión moderna y contando así nuevas historias.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
María Antonieta era una amante de las perlas con las que era retratada en muchos de sus cuadros. sus joyas fueron custodiadas por su familia cuando fue condenada a prisión y luego a la guillotina. Algunas de estas piezas como este collar de tres hilos que perteneció a ella fue subastado en Ginebra en el año 2018 por Sothebys junto con otras hermosas piezas de ella. Arrancó la subasta con un precio de salida de 1.6-2.9 millones francos suizos y cerrando con 43.1 millones de francos suizos. Entre las estrellas de esa noche de subasta estuvo este collar de perlas de tres hilos con un broche de diamantes subastado en $2,278,499 de dólares. Sus nuevos dueños fueron la familia Bourbon Parma.
Fuentes:
https://www.sothebys.com/en/articles/marie-antoinettes-pearls-break-auction-records-in-geneva
https://www.nytimes.com/2016/02/12/arts/design/review-vigee-le-brun-metropolitan-museum.html
https://en.chateauversailles.fr/discover/collections
Lola Ramos escultora, diseñadora de joyas así como profesional de la comunicación, ha llevado su inquietud por el camino del arte y la joyería.
Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas de escultura y joyería así como en pasarelas, ferias y concursos en diferentes países tanto en México, Estados Unidos, Alemania, Francia y Perú y en importantes museos y centros culturales recibiendo reconocimientos ganando importantes premios tanto en escultura como en joyería, obteniendo el primer lugar en categoría Joyería de Plata por su colección inspirada en la obra de Luis Barragán Iconos del Diseño 2009 de la revista Architectural Digest Conde Nast.
Lola Ramos® ya es un nombre registrado trabaja sus colecciones en plata, oro, piedras preciosas y plata además de diferentes materiales como madera, cerámica, textiles etc.
Se lanzó en el 2008 como marca, desde ese año hasta la fecha vende en El Palacio de Hierro, así como en Amazon.com y Amazon.mx.
Para conocer más de Lola:
Instagram. lolaramos.mx
Facebook. lolaramos.mx
ARTISTA: Lola Ramos
TIPO: Collar
TITULO: La Ilusion De Mis Perlas
METALES: Plata
OTROS MATERIALES: Arcilla Cerámica
GEMAS: Granate
MEDIDAS: 30 CMS
PESO: 350 gramos
TECNICAS: Modelado Y Laminado En Plata
INTERPRETACIÓN
Me inspiré en un collar de perlas que perteneció a María Antonieta. Realicé un collar de perlas en arcilla que evocan la tierra donde nací, el desierto junto al mar en el norte de México. Tomé las perlas como un símbolo de la naturaleza femenina.
De niña por accidente rompí un collar de perlas de mi madre en un momento en que la belleza que me rodeaba en el Palacio de Bellas Artes me tenía extasiada, este episodio hizo que seleccionara ese collar de María Antonieta.
Este proyecto significa para mí una forma de reconciliarme con mis orígenes, el amor a mi madre y mi pasión por mi oficio joyero.
¿Por que elegiste esta pieza?
Tal vez tiene que ver con un evento de mi infancia, estando en el Palacio de Bellas Artes en la ciudad de México, hechizada por el ballet y la magia del ambiente durante el intermedio me llamó la atención por primera vez el collar de perlas que mi madre portaba y al intentar tocarlo las perlas saltaron justo al obscurecerse la sala para dar inicio al segundo acto.
María Antonieta amaba sus perlas tuvo un trágico final, pero ella salvo sus perlas antes de ser prisionera por la revolución francesa, enviándolas a su sobrino emperador de Austria para que se las resguardara. Doscientos años después surgieron a la luz en la gran subasta de Sotheby´s en Ginebra en el 2018, entre ellas un collar de perlas de tres hilos ; esta fue la pieza que yo elegí reinterpretar. En los dos siglos que estuvo oculto le incorporaron un espléndido broche de oro con diamantes formando una estrella de ocho puntas.
¿Que buscas transmitir con tu trabajo?
Siempre he pensado que la joyería es una manifestación artística exquisita.
Pienso que el arte es un camino donde está la libertad del creador de expresar en mil formas su visión del mundo y en mil formas de reinterpretarlo. En este proyecto trato de transmitir admiración por todas aquellas mujeres de apariencia frágil, pero con férrea determinación y gran fortaleza que han sido figuras centrales en grandes cambios en sus entornos y en el mundo. Muchas de estas mujeres han tenido al collar de perlas como su favorito.
¿Por que es importante el proyecto Denisova?
Siempre he pensado que la joyería ha sido la primera expresión del hombre y mientras haya hombre habrá joyería por la necesidad que este tiene siempre de expresarse; este proyecto es un reconocimiento tácito a esta idea.
El proyecto Denisova fue para mí como una gran experiencia; considero que podría convertirse en un proyecto de gran riqueza cultural.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Diadema (pa’e kaha) hecha con tejido plano (fibra de palma de coco), caparazón de tortuga y concha de almeja. Alternando las placas de concha de tortuga con las de almeja y atados la diadema del tejido de fibras. Cada placa rectangular en forma, y curvas en una sola dirección y talladas en alto relieve sobre la superficie cóncava.
Accesorio para ornamentar la cabeza de las Islas Marquesas en la Polinesia Francesa. Con las placas de conchas inclinadas hacia abajo sobre la frente. Las siete placas de conchas muestran una figura central en bajo relieve flanqueados por dos figuras de perfil mas pequeñas. Algunos otros ejemplos tienen numerosas pequeños discos de concha nácar sobre la banda tejida de fibras naturales.
Comprado por: Paul Isaac Nordmann en 1934
Exhibicion: Museo Metropolitano de Nueva York
Historial de Exhibiciones:
2006 21 de Mayo- 13 de Agosto, Norwich, Sainsbury Centre for Visual Arts, Pacific Encounters.
2006-2007 28 de septiembre al 7 de enero, Londres, BM, Power and Taboo
2008 16 de junio al 14 de septiembre, Paris, Musée du quai Branly, Pacific Encounters
2011 24 de septiembre al 31 de diciembre, Dinamarca, Copenague, Ny Carlsberg Glyptotek, Gauguin and Polynesia: South Pacific Encounters
2012 9 de febrero al 29 de abril USA.
Fuentes
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/313672
https://www.britishmuseum.org/collection/object/E_Oc1934-3
Creativa de nacimiento, joyera por decisión. Mis primeros pasos en el mundo de la joyería empiezan en las aulas de la Universidad Panamericana de Texas para luego involucrarme de lleno en ella con los cursos de fabricación y producción a la cera perdida con Raúl Ibarra y José Manuel Calvo.
Buscando siempre el crecimiento, abro mi taller que con el paso de unos años se consolida y me permite lanzar mi propia marca: Joyería Cristina Fernández.
En mis diseños se refleja el ambiente que me rodea: Grandes árboles, caudalosos ríos y bastas lagunas, hermosas flores tropicales y una tradición indígena de talladores de hueso.
Para conocer más de Ana Cristina:
www.joyeriacristinafernandez.com
https://www.instagram.com/cristinafernandezmx/
https://www.facebook.com/JoyeriaCristinaFernandez/
ARTISTA: Ana Cristina Fernández Priego
TIPO: Collar
TÍTULO: Gran T’ (Gran Selva) En lengua Chontal.
METALES: Plata 9.50
GEMAS: Madera de Pimienta y Hueso de bovino
MEDIDAS: 18 x 19 cm
PESO: 149 gr
TÉCNICA/S: Cera Perdida, Talla en madera y hueso y armado de la pieza
INTERPRETACIÓN
Vivo en una zona donde el verde es el color predominante y se conjuga con el transparente del agua. Con esta pieza quise dar a conocer este maravilloso lugar que me vio nacer.
El collar representa la biodiversidad de mi zona. Grandes extensiones cubiertas por agua, una selva tropical que permite la proliferación de una gran fauna terrestre y acuática como los lagartos, manatíes y entre las aves la garza, los colibríes y más.
Los materiales con el que fue realizado fueron extraídos de la naturaleza que me rodea, majestuosas Ceibas y otros pequeños como el de pimienta que tiene un tronco que nos permite tallar en ellos y darnos un brillo natural con solo friccionarlo.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Por los sentimientos tan bellos que me proporciona el ver el trabajo que lleva esta pieza combinando materiales como el caparazón de tortuga, la madre perla, hueso de bovino y fibras naturales. Y que en ellas relatan las victorias del personaje que las posee.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Imaginé la pieza como un collar que a través del grabado hablara del orgullo que le tengo a la zona donde nací y dejarlo como legado para futuras sociedades ya que día a día voy viendo que este maravillo lugar se va deteriorando con la contaminación del planeta.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Belleza y admiración por los materiales naturales Belleza y admiración por los trabajos artesanales. Y que con el mensaje que lleva grabado sea una razón para conservar nuestro planeta.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Por la motivación a la investigación de un tema tan interesante como ha sido para mí la evolución humana y la joyería en conjunto.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Boton de Perno, elaborado en Noruega, Gudbrandsdal entre 1800-1870
Exhibido en el Victoria & Albert Museum de Londres, Sala de exhibicion 91-93 mezzanine. Galeria de William y Judith Bollinger
El broche era la pieza mas importante de joyería en la vestimenta tradicional de Noruega. Hay mas de 50 nombres para los broches en Noruega. Botones y anillos complementaban los broches.
Hombres y mujeres en todo Noruega utilizaban un botón en el cuello, llamados halsknapper, para mantener el cuello de sus camisas cerrado y muchas veces era decorado con largos y elegantes pendientes.
Categoria: Joyeria/
Material: Filigrana de plata
Dimensiones: ancho 5.0 cm, largo 14.9cm, espesor 2.4 cm
Numero de acceso: 656-1872
Fuentes:
Ángeles Loaiza es Diseñadora Textil por la Universidad Iberoamericana con 20 años de experiencia en el ramo de la moda trabajando para compañías trasnacionales, que al tomar el diplomado de diseño de Joyería descubre su pasión por las joyas y crea su propia marca marca llamada Trimori Joyería de Autor hace 5 años.
Trimori Joyería de Autor expresa el amor a la cultura mexicana a través del rescate de técnicas ancestrales como lo es la Talavera típica del estado de Puebla considerada como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad combinándola con plata .925 mexicana, cristales y piedras semi preciosas para crear piezas únicas.
La diseñadora, Ángeles Loaiza, comparte con los portadores de sus piezas historias únicas que transmiten elegancia, sensiibilidad y a la vez fuerza y carácter.
Trimori Joyería de Autor apoya a instituciones de beneficio social mediante colecciones especiales diseñadas para cada una de ellas.
Para conocer más de Ángeles:
Instagram: https://trimorijoyeria.com.mx
Facebook: https://trimorijoyeria.com.mx
ARTISTA: Ángeles Loaiza
TIPO: Prendedor
TÍTULO: “Herencia, Historia y Vida”
METALES: Plata .925
GEMÁS: rubies estrella, rubies, amatistas facetadas, ópalos, granates
MEDIDAS: 20cm x 9cm
PESO: 44.5 gr
TÉCNICA/S: filigrana, calado, embutido, engaste de canasta
INTERPRETACIÓN
Como primer elemento utilice unas manos con semillas que representan el dar vida a una historia.
Se utilizó la técnica de la filigrana como el hilo conductor entre el origen de las semillas hacia las flores y la vida.
La primera planta que elegí es la NOA, planta endémica de la región en la que vivo actualmente y que se encuentra en peligro de extinción y quiero expresar el respeto a la vida.
2-Flor de Talavera, típica de la ciudad de Puebla donde nací, un tipo de cerámica artesanal que tiene denominación de origen y es reconocida como patrimonio cultural inmaterial de la humanidad por la UNESCO ya que es considerada una de las más distinguidas tradiciones artesanales. La técnica de la elaboración de la talavera data desde la época Virreinal y llegó a Mexico desde España hace casi cinco siglos – Herencia de España para México.
La séptima flor representada con ópalos con sus bellas tonalidades y brillos esa flor eres TU, tú y tu historia de vida, la historia que vas a heredar a este mundo.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Por varias razones, la primera es porque a la hora de verla en la galería del museo Victoria & Albert, me atrajo en el momento que vi que utilizaba tres elementos, y en mis piezas utilizo frecuentemente tres elementos que van con el nombre de la marca “Trimori”, el nombre que le dio mi hija a sus 10 años de edad y cuyo significado es “Tres Amores”, ella, su hermano y yo.
Soy diseñadora textil y me gustó la idea de ver un botón tan elaborado y elegante.
Otra de las razones fue porque quería conocer otra cultura, su historia y sus tradiciones que me hicieran salir de mi zona de confort.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Al hacer investigación sobre este tipo de piezas de la cultura noruega, vi que se siguen utilizando en la actualidad en el traje típico de Noruega llamado Bunad y para el cual la joyería es de gran importancia además de que se va heredando de generación en generación.
La pieza que elegí es de un autor desconocido y data del s. XIX, está elaborada en filigrana de plata y es de la región de Gudbrandsdal, por lo general en Noruega utilizan el Bunad de acuerdo a la región en la que nacieron o de la región en la que viven. No hay mucha información sobre esta pieza así que lo que hice fue ponerme a pensar en que se habrá inspirado el artista creador de la obra, la observe por varios días hasta que un día pensé que tal vez el autor se habría inspirado en flores, ese día contacté a una amiga en Noruega y le solicité que me platicara acerca del tipo de flores que había en Noruega y ella me comentó que en Noruega hay un día en el que las mujeres jóvenes salían a buscar 7 flores o plantas, las ponen debajo de la almohada y sueñan con el hombre que se van a casar, le pregunte cuándo era ese día y me dijo, ese día es “HOY” así que conectada completamente con las flores decidí que mi pieza estaría inspirada en flores y plantas y que tuvieran historia ya que esta pieza por tradición es parte de la herencia y de la historia.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Que es importante encontrar lo que más nos apasiona en la vida, sin importar la edad sin importar las circunstancias, que no hay límite para la imaginación y que además de hacer lo que nos apasiona podemos ayudar a personas necesitadas. Trimori Joyería es una marca con compromiso social que apoya a mujeres con cáncer de la Fundación Fuerza Rosa Laguna.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Para mí el Proyecto Denísova, me inspiró porque la historia hecha joya documentada desde hace más de 50 mil años nos viene a recordar en esta época, en la que una pandemia nos ha azotado en todo el mundo, que el ser humano tiene la capacidad resiliente y superar cualquier enfermedad y obstáculos que nos presenten, de salud, económicos, o de cualquier índole. Proyectos como éste son los que nos unen como ser humanos rebasando fronteras demostrándonos que uniendo nuestros talentos individuales es como saldremos adelante.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
La reina Victoria perdió al amor de su vida, el príncipe Alberto, a causa de la fiebre tifoidea después de 21 años de felicidad conyugal. Esta trágica pérdida sumió a su majestad en un profundo estado de duelo por el resto de su vida, casi cuarenta años. Para saciar su corazón roto, la reina Victoria usó prendas negras, joyas negras y accesorios para el cabello negros. Como ejemplo del luto y por el resto de su vida, el anillo que uso en honor a su amado. A lo largo del costado del anillo, las iniciales de ambos ‘V’ y ‘A’ unidas en esmalte blanco. “Anillo fotográfico de duelo de Victoria para Albert, 1861” Arte del duelo.
Las joyas de luto trajeron consuelo a los sobrevivientes que tuvieron que hacer frente a pérdidas frecuentes. Al final, tal vez las joyas de duelo puedan considerarse más una expresión de amor que de dolor. Su propósito era mantener al amado fallecido cerca del corazón. Y ese es un sentimiento que trasciende la cultura y el tiempo.
Los amantes del Siglo XIX ven en ella un referente a casi todos los niveles. La reina Victoria va a dar nombre a toda esa maravillosa época, la victoriana. Donde el estilismo, las joyas y el luto se van a dar la mano en una combinación extraordinaria. Además de todos los acontecimientos políticos e históricos que marcan su trayectoria, es innegable su influencia en la moda y en la joyería. También en la del luto. La reina se queda viuda en el año de 1861 y a partir de ese momento va a vestir de luto riguroso hasta el día de su muerte. . La tradición de crear joyería para el duelo nació en el siglo XVII, pero la verdadera popularización fue durante el reinado de Victoria. Ella puso esta joyería en moda después de la muerte de su querido esposo, el príncipe Alberto. En ese momento se consideraban verdaderas obras de arte. La joyería victoriana de luto cumplía tres propósitos:
– Memoria del ser querido
– Un recuerdo de la muerte y fragilidad de los seres vivos
– Símbolo del estatus social
Es digno de mención que Victoria llevaba un anillo de luto en memoria de su amado hasta su muerte. Este anillo con su retrato y las iniciales de ambos.
También usó un brazalete de chams hasta su muerte en 1901, y fué parte de un grupo de joyas que fue colocada el la “habitación de Albert” en el Castillo Windsor. El Principe Albert falleció en esa habitación y la Reina dejó instrucciones de una lista de joyería personal específica que debia permanecer ahi y no ser heredada a la familia. Por lo que ahí es donde se localizan actualmente.
Fuentes:
Graff, Michelle. “The History Behind … Victorian luto jewelry” National Jeweler , 3 de noviembre de 2014, http://www.nationaljeweler.com/independents/2058-the-history-behind-victorian-mourning-jewelry .
Picard, Liza. Biblioteca británica “Health and Hygiene in the 19th Century” , 14 de octubre de 2009, https://www.bl.uk/victorian-britain/articles/health-and-hygiene-in-the-19th-century
Steele, Meredith. “Victorian Mourning Jewelry: Morbid, Macabre, and Magnificent” Interwave, 31 de octubre de 2018, https://www.interweave.com/article/beading/victorian-mourning-jewelry-morbid-macabre-and-magnificent/
“Joyería antigua: joyería de luto de la época victoriana” GIA. https://4cs.gia.edu/en-us/blog/antique-victorian-era-mourning-jewelry/
“Anillo fotográfico de duelo de Victoria para Albert, 1861” Arte del duelo. https://artofmourning.com/2015/03/02/victorias-photographic-mourning-ring-for-albert-1861/?doing_wp_cron=1564494993.1637020111083984375000
Victorian jewelry: era of eternal mourning, rebirth of the past and nature worship
https://artofmourning.com/2015/03/02/victorias-photographic-mourning-ring-for-albert-1861
Diseñador, artista, empresario y amante de la plata. Vivo en Taxco, Mèxico, mi ciudad natal. La cultura y Tradiciones son mi inspiración y mi pasión.
Soy Administrador de empresas Turisticas, con espíritu inquieto y emprendedor que me llevo a formarme con grande maestros mexicanos y europeos en arte, diseño, procesos, y marketing de joyas.
En 1988 emprendo D’escorcia marca de joyerìa en plata hoy en dìa una de las más reconocidas de la industria joyera mexicana.
En el 2007 me adentro al mercado de lujo, con mi marca homónima. Perfecta unión entre tradicionales técnicas de joyería y un lenguaje cosmopolita. Joyas de edición limitada.
He sido reconocido con primeros lugares en diseño de joyerìa: 5º.y 6º. Bienal Nacional de Diseño de Bellas Artes, 5º. Premio Nacional de la Plata Hugo Salinas Price. Mi trabajo presentando en museos como Franz Mayer, Palacio de Iturbide, Museo de la Plata en Bruselas Bèlgica.
Miembro de FGI Mèxico , Joyeros MX ,y The Silver Institute of New York.
Colaboraciones en desfiles en Pasarela Cibeles Madrid con Fernando Lemoniez. MFG Mèxico con Pineda Covalin
Para conocer más de Oscar:
Instagram https://www.instagram.com/of_joyas/
Facebook https://www.facebook.com/OFjewels/
ARTISTA: Oscar Figueroa Escorcia.
TIPO : Pulsera
TÍTULO: DEAREST
METALES: Plata 0.950 con baño de oro rosa en 18k
GEMÁS: Brillantes de 3.5 puntos
MEDIDA: 20 cm
PESO: 100 grs.
TÉCNICA/S: vaciado en cera, engastado, baño de oro rosa de 18k, terminado bruñido con toques de pavonado bruñido.
INTERPRETACIÓN
Para la creación de esta pulsera, he usado la tecnología y crear los prototipos en 3D para obtener una pieza perfecta en detalles orgánicos (característicos de la época victoriana , vigentes hoy en día en la joyería). Para después trabajarla manualmente y darle los acabados bruñidos combinados con toques brillantes. Es una pieza moderna y actual en plata con baño de oro rosa (en la época victoriana se creó el bermail) combinado con toques antiguos en pavonado y un toque de lujo con brillantes de 3.5 puntos (en la época victoriana se popularizó el emplear s brillantes en las joyas, entre otras gemas). Es una pulsera de charms con un mensaje lleno de detalles de amor, sentimentalismo y romanticismo, característicos del anillo de luto de la Reina Victoria a su amado esposo el Príncipe Albert. Mismos sentimientos que expresamos a nuestros seres queridos que han pasado a otra dimensión y que vivirán por siempre en nuestro corazón.
“ D E A R E S T ” que significa “El más” o “La más Querida. Es un tributo a la reina Victoria y al príncipe Alberto por inspirar el arte, la joyería, el diseño y las tendencias de moda.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Elegí esta joya porque es la muestra de amor, por amor y con todo amor incondicional que puede existir entre los seres humanos. Amar, ser amado y recordado.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Mi interpretación se origina y se sitúa en lo que estamos experimentando en estos tiempos, recordar y honrar con amor a quienes han partido aun sin poder habernos despedido de ellos.
¿Que buscas transmitir con tu trabajo?
Principalmente vivir en conciencia, ser plenos buscar la felicidad y el amor en todo momento. Vivir ligeros, mirar a nuestro interior y darnos lo mejor de nosotros mismos. Gozar de los que tenemos cerca y vivir en armonía con la naturaleza y tener paz en nuestros corazones.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Es importante porque me permite conocer parte de la historia de la joyería, analizarla, reinterpretar y comparar momentos tan importantes a través de sucesos históricos que han perfilado nuestra vida hoy en día. Expresar a través de mi trabajo mi manera de percibir el mundo actual
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Se llamaba así a un broche usado por hombres y mujeres generalmente atado a la correa o en el bolsillo del que colgaban unos ganchos para poner pequeños objetos como relojes, llaves, sellos, tablas de escritura, tijeras, dedales, alfileteros, cinta métrica, veneno, perfume, gafas y bolsas.
La palabra chatelaine (castellana) deriva de la palabra que significa “señora del castillo” ya que por lo general era la persona encargada de las llaves.
Durante el siglo XVIII fueron especialmente populares, los mejores ejemplares eran fabricados en oro.
Fueron populares desde el medioevo hasta principios del siglo XX
La practica de llevar artículos necesarios en la cintura, existió en diferentes culturas. Por ejemplo los japoneses usaban el Netsuke en el cinturón (cajas para llevar pequeños artículos).
Había dos tipos de Chatelaine. La mayoría lucia como un medallón al extremo, en el que se encontraba un gancho de metal pegado al cinturón. También había un chatelaine al estilo americano: un broche alargado 9con un pin en la parte trasera.
En la era victoriana los vestidos no tenían bolsillos, y las bolsas grandes no eran comunes en ese entonces. Las mujeres solo usaban bolsas pequeñas, en consecuencia el Chatelaine se volvió un accesorio indispensable para cualquier mujer.
Este es un Chatelaine (La Señora del Castillo). Está fechado cerca de 1860 y fue adquirido por el museo Cooper Hewitt en 1993. Está realizado en plata, baño de oro, marfil, esmalte, vidrio. Es parte del departamento de Diseño de Producto y Artes Decorativas. Este objeto fue donado por la Sra. Owen E. Robison y la Sra. John B. Hendry.
Fuentes:
https://cenefasdeflores.com/2010/01/24/que-es-una-chatelaine/
https://nammu.com/esp/moda-chatelaine/
https://en.wikipedia.org/wiki/Chatelaine
https://www.collinsdictionary.com/es/diccionario/ingles/chatelaine
La arquitectura, la poesía, la danza y la música, mucha pero mucha música, dan forma a las creaciones de Paula Guzmán. Se trata de un mundo aparte, que tiene su base en el saber comprobado acerca del diseño (por ejemplo, la forma sigue a la función) y en las verdades evidentes acerca del oficio (cuando de moda se trata, la belleza es la función). Esta búsqueda personal y profesional de la belleza ha llevado a Paula a viajar alrededor del mundo y hacia adentro del espíritu. Paisajes, funciones de circo, caballos, leyendas… las grandes maravillas del mundo son una fuente de inspiración para crear piezas que son juguetonas e impresionantes, prótesis para el alma, con los más altos estándares de calidad y manufactura.
Paula Guzmán estudió diseño en México, Italia, Paris y en el GIA. Sus creaciones han sido expuestas en Buenos Aires, Santiago, Berlín, Helsinki, Shanghai, Roma y México, entre otros lugares. Sus diseños han aparecido en publicaciones en México, Hong Kong, Tokio y otros países de Europa. Ha ganado premios de moda y joyería en México, Europa, Tahiti, Hong Kong y Shanghai.
Para conocer más de Paula:
www.paulaguzman.com
Instagram @pgjewelry
ARTISTA: Paula Guzmán
TIPO (collar, pendientes, brazalete, etc): Broche
TÍTULO: Chatelaine S. XXI
METALES: Plata 0.925
GEMAS: ninguna
MEDIDAS: 23 cm de largo por 6 cm de ancho
PESO: 97 gramos
TÉCNICA/S: Fundición, trefilado, engaste con garras, modelado 3d, impresión 3d en cera, vaciado a la cera perdida, esmaltado a fuego (esmalte vítreo) con las técnicas de cloisone y limoge, baño de rodio.
INTERPRETACIÓN
Tengo una fascinación por las piezas de joyería que además de ser bellas, contar historias, crear vínculos, también son un objeto utilitario, entre las joyas utilitarias que he conocido, para mi el Chatelaine es la mas bella, me encanta no solo por su belleza y versatilidad de herramientas variadas sino que también admiro cómo logró permear en diferentes niveles socioeconómicos desde reinas hasta campesinas.
Hoy presento mi Chatelaine del siglo XXI cargado con las nuevas herramientas que todos debemos traer a la mano y que son indispensables para nuestra vida cotidiana, los cubrebocas, los geles antibacteriales, las vacunas y nuestra casa. Todas estas herramientas que la pandemia más grave de la historia moderna nos dejó y que creo que usaremos por varios años más. Toda esta tragedia la representé por pequeñas piezas emaltadas llenas de color, que hacen visualmente un Chatelaine divertido y colorido.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Son pocas las piezas de joyería utilitaria y me encantan las piezas que además de ser bellas y contar una historia, tienen una función práctica y el Chatelaine es por excelencia la pieza utilitaria más bella que en mi opinión se ha usado. Usados por reinas, doncellas y campesinas, el chatelaine es también una de las joyas más democráticas que han existido.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Mi interpretación del broche Chatelaine es un broche del que penden lo que hoy son nuestros nuevos objetos de subsistencia diaria, cubrebocas, gel antibacterial, vacunas y por supuesto el que fuera el refugio de cada uno, nuestra casa.
Una pieza lúdica que intenta de una manera colorida plasmar lo que fue la más grande pesadilla de la historia moderna. Este moderno Chatelaine igual que su antecesor muestra cómo en esta pandemia, reyes, civiles, ricos y pobres todos sucumbimos al covid-19 y todos debimos usar las mismas máscaras y vacunas.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
A través de mis piezas, busco que la gente sea feliz, espero una sonrisa en su cara apenas se acercan a mis piezas, no importa si, como en este caso, hablo de un tema que marcará la historia moderna con millones de pérdidas humanas, siempre mi vision es desde un punto de vista lúdico, colorido y con un poco de ese humor negro que caracteriza a los mexicanos.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Este proyecto me parece muy importante porque dará a conocer muchísimas piezas históricas que están en el olvido y sobre todo me parece enriquecedor cómo se reinterpretan con nuevas técnicas y visiones de personas de diferentes partes del mundo.
ENTREVISTA YOUTUBE
Broche Art Nouveau en forma circular con estrellas simulando copos de nieve con un rubí cabuchón al centro, rodeado de diamantes rose-cut, montado en platino.
Fue creado durante la Belle Époque por la firma rusa Fabergé. Su fundador, Peter Carl Fabergé fue abriéndose camino creando trabajos extraordinarios para la corte imperial. Su serie más famosa son los Huevos de Pascua, realizados uno por año de 1885 a 1917. Tiempo en el cual, la marca se convirtió en la más grande del mundo. En los talleres de Fabergé se seleccionaron a importantes orfebres expertos en diferentes áreas, como el joyero Albert Holmstrom, autor de esta pieza, sus hijos siguieron sus pasos en la firma y es su nieta Alma Pihl quien diseña dos de los famosos huevos de Fabergé Winter Easter Egg y el Mosaic Easter Egg
La fotografía donde aparece esta pieza, se muestra junto a un dibujo de una pieza muy similar en un cuaderno de dibujo de August Holstrom, datado en Enero 1914. Holstrom y sus hijos fueron parte de la fuerza laboral de Fabergé durante esa época.
Esta pieza forma parte de una colección de joyería de la marca que formaba patrones de copos de nueve y cristales de hielo en reminicsencia a los largos inviernos rusos. Y no está preciso, pero se cree que perteneció a la colección de joyería de la familia Orlov, actualmente pertenece a la compañía londinense Wartski Ltd.
Fuentes:
Luz Elena M. Rivas Gómez originaria de Guadalajara, Jal., México.
Nació dentro de una familia que se dedica a la comercialización y fabricación de joyería desde 1950, por lo que desde niña se vio inmersa en el mundo joyero.
Al terminar la Licenciatura en Administración de Empresas por el ITESM en el 2009, comenzó a trabajar en el negocio familiar y junto con sus papás, se dedicó desde entonces a la venta minorista de joyería.
Está certificada en Gemología por el Gemological Institute of America, en Carlsbad, CA. desde el 2018. En el año 2019 realizó además algunos cursos en el tema de Valuación de Joyería por parte del ASA y de Ilustración de Joyería con Barbara Brocchi.
Recientemente, se reencontró con su gusto por las artes manuales y en el 2020 comenzó un diplomado en Diseño de Joyería en Hard to Find, escuela de artes situada en Guadalajara.
Actualmente, su tiempo lo dedica al negocio familiar, a la creación de piezas para su línea propia Luzelen y a cuidar de sus dos hijos.
Para conocer mas de Luz:
@luzelen.studio
@luzelenarivas
ARTISTA: Luz Elena M. Rivas Gómez
TIPO: Broche
TÍTULO: Escena Invernal
METALES: Plata .999, oro amarillo 14k y oro amarillo 24k
GEMÁS: Zafiro estrella natural en corte cabuchón, zafiros naturales en distintos azules corte redondo brillante y diamantes redondos brillante.
MEDIDAS: 4.7 x 4.5 x .75 cm
PESO: 35.21 gr.
TÉCNICA/S: Keum Boo. Montado bisel. Laminado con textura.
INTERPRETACIÓN
Mi idea fue hacer esta pieza sobre un fondo que luciera frío y blanco como la nieve y darle luminosidad con la técnica de keum-boo, aplicando oro laminado para crear figuras de oro que simularan los patrones del broche Fabergé. La idea del zafiro estrella en una orilla me pareció adecuada para darle un toque similar al original, pero adicionándole una fenomenal estrella de 6 rayos haciendo juego con los patrones de oro y de este modo, completar perfectamente la representación de una escena fría.
Además de las contrastantes texturas de la base mate y el oro pulido, se montaron a nivel, diamantes y zafiros en distintas tonalidades de azules para dar mayor juego de reflejos, creando en conjunto una bella escena invernal, donde copos dorados y destellos azules y plateados se funden con la blanca nieve,
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Hojeando el libro de “Jewelry, From Antiquity to the Present” me topé con esta pieza que de alguna manera me enganchó.
Se me hizo una pieza seria, sin mucho del encanto de otras piezas famosas de Fabergé, pero me enganchó los patrones que formaba, además de que siempre he tenido un gusto particular por esa firma.
Cualquiera de las piezas de Fabergé de aquella época, alberga un halo de lujo y misterio sin igual, y esta pieza no es la excepción.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Buscaba una pieza que pudiera reinterpretar de alguna manera con la técnica de Keum boo. Desarrollarla y que además formaran estas figuras de líneas entrelazadas, con un toque moderno, pero sin dejar de ser una pieza elegante era mi objetivo.
Estoy enamorada de la belleza que crea el contraste entre el oro y la plata y lograrlo bien hecho fue algo que jugó con mi paciencia, con mi tiempo y con mi corta experiencia en la elaboración de joyas. Aterrizar el diseño, realizar la pieza y poder entregar a tiempo algo bello finalmente, fue un verdadero reto y hasta un poco terapéutico en un momento de mi vida muy ajetreado.
¿Que buscas transmitir con tu trabajo?
Toda la vida he estado empapada de joyería más comercial, fácil de gustar y de vender.
Tener la oportunidad de crear piezas con técnicas que no estoy acostumbrada a trabajar en ningún sentido, me llama mucho la atención y me emociona.
Lograr algo bello con una pieza que no van dirigidas a una venta sino a un museo, es algo que además me sacó totalmente de mi zona de confort.
Transmitir esa emoción y sensación de admiración por la belleza de piezas únicas y hechas a mano con una elaboración que conlleva tiempo y técnica, es algo que me encanta en medio de tanta fast-jewelry.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Aquella frase que dice que cada joya cuenta una historia es muy real. Y eso es lo que interesa. Proyecto Denisova está permitiendo que estas historias resurjan y retomen importancia. Es una gran oportunidad para no perder de vista que la joyería marca épocas al igual que marca personas.
La autora de estos diseños fue una mujer que durante muchos años ocultó su verdadera identidad por temor a ser reconocida como participe de la firma que brilló gracias al Imperio Ruso, recién derrocado en aquella época. Imaginar que una mujer de ese entonces creó cientos de diseños y piezas que ahora son valuados en una fortuna, es algo digno de recordar.
Revivirlas y darles significado a nuestra manera, es un tributo a todos aquellos diseñadores y orfebres que su vida entera fue dedicada a crear piezas excepcionales que, a pesar del tiempo, permanecen y que han trascendido de sus creadores. Un escalón más en esto de trascender, son las reinterpretaciones del Proyecto Denisova.
Poner una pequeña parte de mí al reinterpretar una pieza del pasado, es ya un regalo que definitivamente me hará recordar la pieza elegida, su historia y este proyecto por siempre.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Pertenece a la época del Art Nouveau, escuela de París.
La pieza tiene unas dimensiones de 23 x 26.5 cm y se exhibe en el Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa, Portugal.
Es una de las piezas más nombradas de René Lalique y muestra de su virtuosismo técnico, realizado entre 1897-1898 fue la que presentó en la Exposición Universal de Paris el 1900. Su famosa «Libélula» con cuerpo de mujer, que fue una autentica atracción en la Exposición y que tres años más tarde adquirió Calouste Gulbenkian, el mayor coleccionista del mundo de sus obras.
Esta joya está realizada en oro y con esmaltes opalescentes (irisados) de color azul y verde, piedras semipreciosas tales como: crisoprasa (variedad de calcedonia, piedra de luna) y diamantes.
La cabeza de la libélula termina en un torso de mujer, cuya cabeza aparece rematada por un casco y alas de vidrio a modo de delicado mosaico y sus pies en forma de garras.
Los materiales se funden y cincelan lo que demuestra que la joya adquiere un valor artístico y pierde el valor intrínseco que tenía hasta entonces. Consecuencia de ello, es el poco uso de los diamantes, sólo se usan alguna piedras de color y perlas periformes.
A pesar de que al principio la gente opinaba que sus joyas eran dignas de ser admiradas, pero no aptas para comercializar o portar en la vida cotidiana, poco a poco los novedosos colores y formas que fue introduciendo en su joyería, se ganaron al público, y durante más de una década sería la figura referente para la joyería francesa.
Las joyas de Lalique no tenían en cuenta las convenciones sociales y rompieron con las tradicionales reglas del diseño. El resultado dio piezas que fueron concebidas como trabajos independientes de arte más que meros ornamentos, y a Lalique le gustaba usar distintos materiales para conseguir el efecto deseado.
Él usaba piedras semipreciosas, no como sustitutos baratos, sino por sus colores, vetas o superficies. Como siempre en el trabajo de Lalique las piedras eran solamente una parte de la composición. Usó todo los tipos de metales, ónix, cristal, esmalte, vidrio, madreperlas, ámbar y marfil.
Con esta gran cantidad de materiales, era capaz de producir trabajos de enorme variedad de formas y colores, ideas que le sugerían su fantasía. Aunque el coste de los materiales variaba extraordinariamente de los costes habituales de la artesanía, esto no supuso que se perdiera el interés por sus creaciones, extremadamente complicadas, debido a su ingenio, originalidad e imaginación.
Fuentes:
https://prezi.com/x8adanljrmim/mujer-libelula-rene-lalique-c-1899-oro-esmalte-piedras/
manifiestodearte.com/rene-lalique-el-joyero-del-art-nouveau
http://mundodelmuseo.com/ficha.php?id=1200
https://gulbenkian.pt/museu/en/artist/rene-lalique-2/
Karen Marrun Matuk, empezó su trayectoria de artes en Montreux, Suiza donde tomó cursos de artes plásticas, fotografía e historia del arte en la escuela Surval Montfleuri.
A su regreso a la Ciudad de México, Karen estudió la carrera de Diseño industrial en la universidad Iberoamericana donde se recibió con mención honorífica por su tesis de investigación: “El papel del diseñador industrial en la industria joyera de plata en México”. Antes de concluir sus estudios, Karen empezó a estudiar las técnicas básicas de confección de joyería en el taller de Adriana Lieberman. Estableciendo su taller propio con venta exclusiva por cita.
Más tarde Karen vivió en Chicago, donde tuvo la oportunidad de ser directora de escaparatismo para el museo de arquitectura y diseño, el Chicago Athenaeum y su gerente de tienda de diseño, incluyendo sus líneas de joyería (piezas únicas confeccionadas a mano por ella misma); trabajó como aprendiz y asistente en el estudio de la artista Christine Simpson; estudió en la Galería Lill Street donde cursó varios talleres de joyería y otros materiales como vidrio y cerámica y fue maestra de joyería para los talleres infantiles Gallery 54. Formó parte de la exposición Good Design Awards con piezas de su colección Natura.
En Barcelona, Karen tuvo la oportunidad de trabajar como directora de diseño y del cambio de imagen para la empresa de perlas Majorica y participó dando clases en la Escola Massana junto con Ricardo Domingo; así mismo, tomó clases de engastado de piedras, gemología y esmaltes en la Escola de Artes y Oficis y fue ganadora del premio FAD.
A su regreso, Karen empezó a diseñar joyería y abrió su consultora para asesorar empresas mexicanas en la apuesta por el diseño y caminos alternativos a sus modos de generar joyería; impartió clases de Materiales artesanales en la universidad Iberoamericana. Actualmente Karen Marrun trabaja como diseñadora de colecciones de joyería (propias y para empresas) asesoría de imagen y dirección creativa para varias empresas reconocidas; da cursos de calidad, diseño y comercialización de joyería y hace proyectos de investigación y conferencias. Ha ganado premios de diseño nacionales e internacionales, participado en numerosas ferias de joyería, exposiciones colectivas y pasarelas. Es miembro activo de Fashion Group México y de Joyeros MX
Para conocer más de Karen:
Instagram @karen.marrun
Facebook karenmarrun@gmail.com
ARTISTA: Karen Marrun Matuk
TIPO: Collar
TÍTULO: ELLA
METALES: Plata 925, cuchara en plata 916
GEMÁS: Ópalos etíopes. (otros materiales: fieltro)
MEDIDAS: 31cms * 19 cms
PESO:78gr
TÉCNICAS: Fundición de cera perdida, corte laser, engastado, pulido, soldado.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Desde pequeña me he sentido atraída por los seres fantásticos y la mitología. Soy apasionada de la naturaleza, su perfección, vastedad y nivel de detalle siempre me han sobrecogido.
Cuando ví la mujer libélula de Lalique, con esa perfección técnica y estética, me pareció una pieza alucinante, seductora, fuerte, mágica y hasta perturbadora.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Quería romper lo establecido e incursionar en materiales no convencionales al igual que Lalique.
En esta época de incertidumbre y miedo, deseé para mi mujer libélula una energía femenina madura y fuerte pero más sutil, con una expresión etérea y extasiada, representando su fuerza interior logrando un estado de paz y calma.
Bocetando, recordé que tenía unos cubiertos de plata heredados y decidí que sobre la cuchara trabajaría su cuerpo. Para las alas, necesitaba un material suave y firme, que pudiera soportar un calado que quedara perfecto. Elegí el fieltro. Lalique usó vidrio y esmaltes cuando nadie los consideraba valiosos. En mi caso, con el fieltro reitero que el valor del material usado, es el que permite lograr el diseño.
En cuanto a técnicas. Para el rostro, la cera permitía la suavidad, sensualidad y expresión que necesitaba. En las alas decidí utilizar corte laser que logra gran precisión y calidad.
Elegí ópalos, piedras impregnadas de fantasía. El cierre de la pieza, requería tener un final igual de bello que el frente. Continué con la estética de las alas e hice que una de éstas abrazara el cuello en su parte trasera.
¿Que buscas transmitir con tu trabajo?
Lo que busco transmitir con mi trabajo es Innovación. No me gusta ser convencional, la vida es muy corta para hacer lo mismo que los demás. Apuesto por la vanguardia, la sofisticación y la elegancia. Me guío por “less is more” y busco diseñar joyas refinadas y cómodas. Me interesa provocar diversión, sorpresa, interés e inspiración con mis joyas. Me considero una diseñadora original y libre que siempre busca contar historias y seducir a los portadores con ellas.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Este proyecto evidencía el valor histórico de la joyería. Será una experiencia interesantísima ver todas esas piezas antiguas, reinterpretadas desde la mirada de diseñadores actuales de todas partes del mundo.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Colgante “Buste Feminin” Art Nouveau de Lluís Masriera S.XX
Joya realizada a principios del siglo XX, 1908, realizada en oro, esmalte, perlas y diamantes, cuando florece el Art Nouveau, arte que nace en Europa y se extiende a USA y parte de Rusia.
El artista es Lluis Masriera, nace en barcelona España(1872-1958), heredero de una estirpe de orfebres plateros y joyeros. Se enamora de el esmalte y el plique-a-jour que destacan en este arte, practica y saca sus propios diseños y llega a ser un destacado y reconocido joyero tanto como Rene Lalique en Paris y C.Tiffany, en USA..
Hizo muchos colgantes de perfiles de mujeres, ninfas,libelulas etc sus diseños
Esta pieza está realizada en oro con perlas,diamantes y esmalte. El título es “Buste Feminin”
Muy apreciados, este en especial ha sido muy fotografiado(Arnin Shultz)
Publicado también por Laurent Fonquernie (agosto 2012 Pieza Art Nouveau
Se encuentra en el Depósito de la Colección Bagues Masriera y disponible para su compra en cellinijewelers.com
Fuentes:
https://www.museunacional.cat/es/la-joyeria https://www.cellinijewelers.com/jewelry/designer/masriera/woman-in-profile-brooch-pendant
https://cronicaglobal.elespanol.com/pensamiento/historias-cataluna/coleccion-bagues-masriera-joyas-queridas-monjas_320360_102.html
http://www.goldandtime.org/noticia/43644/Nexogold/La-mas-completa-exposicion-de-joyas-modernistas-del-maestro-Lluis-Masriera-puede-visitarse-en-Barcelona.html
https://www.hotelbagues.com/es
https://www.derbyhotels.com/coleccion-de-arte/coleccion-de-arte-del-hotel-bagues/
María Laura Muguiro Álvarez es una artista multidisciplinar, hace 25 años el esmalte la atrapa y unos años después es la pintura, el óleo, acrílico, pastel, que luego experimenta también sobre la porcelana. sus inquietudes artísticas la llevan a experimentar con la joyería, comienza en la escuela de Eduardo Gudiño y luego con Tania Maria Benoit para luego seguir 14 años en la escuela de Lilo Palma.
En búsqueda constante de conocimiento sigue formándose y especializándose en técnicas nuevas y ancestrales de joyería.
Participa en concursos:
Creatividad Brillante, competencia de Cristal Joyas
XVll concurso Nacional de Joyería en Guadalajara
XVll Concurso Nacional de Joyería Cámara de joyería de Jalisco
Concurso Nacional de Taxco
Para conocer más de María Laura:
Instagram @laumuguiro
Facebook Laura.Muguiro
ARTISTA: María Laura Muguiro Alvarez
TIPO DE JOYA: Collar (Dije)
TITULO: “El Jardín del Edén”
METALES: Oro 14k
GEMAS: Perlas
MEDIDAS: Aprox. 6.5cm x 3.5cm
PESO: Dije 14.3g + Cadena con Perlas 4.5g
TÉCNICA: Oro Calado, Esmalte al Fuego, Bisel de Aire, Perlas engarzadas
INTERPRETACIÓN
El Jardín del Edén, fue un lugar perfecto lleno de vida y de alegría, en el que la mujer tiene un papel preponderante.
Rodeada de flores, vive su presencia, llena de sensualidad, de naturalidad y de belleza, mira hacia el futuro sabiendo que es protagonista de la propia historia.
Han pasado muchos siglos para que la mujer sea considerada, no solo una pieza de arte, no solo una compañera, no solo una madre; la mujer es la copartícipe de la historia, no solo del arte y la belleza, si no del verdadero cambio que a través de los siglos hemos vivido. Mi interpretación es un homenaje a la mujer de ayer y de hoy a través de la joyería y del arte.
ENTREVISTA
¿Por qué elegí esta pieza?
Porque me siento atraída por este momento del arte en el mundo, que sobre todo nació y se expandió en Europa y en E.U. Representó el Art Nouveau, un arte moderno ligero y fresco; a principios del siglo XX.
¿Cómo planeé la interpretación de la pieza?
Siempre he tenido claro que la mujer, y lo orgánico en esta etapa del arte, fue fundamental para desarrollarse y en ello basé mi interpretación, conjuntando el conocimiento del esmalte, la imaginación y el manejo de los metales.
¿Qué busco transmitir con mi trabajo?
Primero, transmitir lo que la mujer del siglo XX empezó a comunicar. Sensualidad, frescura, modernidad y presencia, también transmitir lo que el artista original quiso expresar en su pieza. (Lluis Masriera)
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Porqué es único en su tipo, por qué nos da la oportunidad de participar y vivir una experiencia que a través de la historia nos habla, de que el hombre ha vivido el arte como algo imprescindible en su vida. El arte comunica la belleza, las ideas, los materiales, el ingenio y la capacidad de transformar lo que estaba viviendo.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
Collar decorativo con un gran colgante de plata rectangular hirz (caja del Corán) con nueve juegos de colgantes en forma de media luna que cuelgan de las cadenas. El hirz está enhebrado en una cuerda de hilos de algodón densamente retorcida de tres cuentas de plata en forma de barril con granulación y un elemento granulado en forma de mora en la parte superior del barril central. La caja está densamente decorada en el frente con diseños estampados de círculos, apuntes en relieve, formas de diamantes y motivos florales incisos, estos últimos resaltados con pan de oro. Los dos lados del collar están diseñados geométricamente, cada uno con siete cuentas de plata en forma de barril, una Maria Theresa Thaler y un rial de plata de Arabia Saudíta con fecha de 1367 . Es posible que el collar se haya vuelto a ensartar, ya que normalmente el anverso de las monedas se coloca boca abajo contra el cuerpo, mientras que este collar tiene un Thaler con el anverso hacia arriba. El lado derecho del colgante hirz se puede abrir y la página del Corán deteriorada es visible en el interior. Omán septentrional y central.
Fecha de elaboración 1950
Actualmente la pieza se encuentra en el Museo Británico.
Fuente:
https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_2009-6023-238
Regina Reyes es una artista mexicana con una carrera de 20 años en el cine maquillando y creando arte sobre cuerpos humanos.Desde 2007 empezó a incursionar de forma autodidacta en el mundo de la joyería realizando a mano series limitadas de piezas de plata y materiales alternativos (sedas naturales) .Recientemente vivió en Barcelona en donde cursó estudios de joyería en la escuela JORGC con el objetivo de perfeccionar sus técnicas. En el 2003 fue galardonada con un Premio BAFTA (British Academy Award) por su participación en la película Frida.
Silvia Hegewisch es una empresaria mexicana que ha incursionado en el mundo de la decoración. Descubrió su pasión por la orfebrería hace más de 15 años gracias a su amistad con la profesora Lilo Palma, realizando y creando piezas únicas con diferentes técnicas ininterrumpidamente.
Durante la pandemia, Silvia y Regina decidieron unir sus esfuerzos creativos resultando una línea de joyería que combina el talento, las ideas y la técnica de ambas. Las piezas que han resultado de esta unión han sido muy bien recibidas en México y actualmente se encuentran preparando una colección de mayores alcances.
Para conocer mejor a Regina y Silvia:
ARTISTA: Silvia Hegewisch Y Regina Reyes
TIPO (Collar, Pendientes, Brazalete, Etc): Collar
TÍTULO: Ixchel
METALES: Plata Con Baño De Oro
GEMAS: Cuarzos Rosa Y Verde
MEDIDAS:59 Cm De Largo Y 15 De Ancho
PESO:156 Gr
TÉCNICA/S: Cera Y Tejido En Seda Tipo Telar
INTERPRETACIÓN
Este collar es un amuleto protector originalmente y quisimos mantenerlo como tal y enfocarnos en la protección del corazón y los sentimientos de las mujeres asi como en la solidaridad que debemos tener entre nosotras, creemos profundamente que si colaboramos juntas y no nos vemos como competencia podemos llegar mucho más lejos. La pieza se llama “ixchel”, nos gustó porque es el nombre de una diosa maya del amor, la gestación, la medicina y trabajos textiles. La pieza lleva un trabajo textil en seda.
Este collar representa feminidad y el poder que tenemos todas las mujeres para dar amor y ser capaces de lograr lo que nos proponemos.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Porqué representa no solo a una mujer en particular sino a todas.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Nos identificamos de inmediato con la pieza ya que nos dimos cuenta que podíamos realizar algo parecido con las técnicas que nosotras usamos.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Con este trabajo queremos transmitir el amor y protección por una misma.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Es importante porque permite al artista que su creatividad aflore reinterpretando una pieza que ya existe, además es una oportunidad para dar a conocer el trabajo propio y conocer el de otros artistas.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
https://youtu.be/W4cQxUdRe40
Collar de plata con representaciones de palomas, caracoles marinos y el símbolo del yin yang en esmalte. Presenta incrustaciones de turquesa y coral rojo. El relicario central tiene una ventana de vidrio con la representación de un personaje masculino. Al interior alberga una almohadilla de terciopelo rojo.
Pieza diseñada en 1950 por Matilde Poulat quien estudió en Bellas Artes al lado de Diego Rivera y era amiga de la familia. Realizó la pieza en su taller fundado en 1934 con técnicas de cartoneado y cincelado, mezclando el estilo barroco con figuras prehispánicas que evocan una identidad nacional y resaltan la esencia de lo mexicano.
El collar fue diseñado para Frida Khalo, artista mexicana símbolo del feminismo y la lucha social, que se distinguía por el especial cuidado que tenía al elegir cada una de sus prendas, creando su propio y particular estilo, de la cabeza a los pies, con las más bellas joyas, sedas, encajes, rebozos y faldas.
La pieza se exhibe en el Museo Frida Khalo en la Ciudad de México y ha participado en numerosas exhibiciones de la artista cuando se incluyen objetos personales.
Fuentes:
https://www.museofridakahlo.org.mx/wp-content/uploads/2018/06/Las-apariencias-engan%CC%83an-Cedulas-compressed.pdf
https://www.20minutos.es/fotos/cultura/los-objetos-mas-intimos-de-frida-kahlo-14229/5/
https://nation.com.mx/arte/pertenencias-frida-kahlo-van-a-londres/
Rosana Sánchez Arias nació en Guadalajara, México, en el seno de una familia con cuatro generaciones de tradición joyera.
En su trabajo, aprovecha la energía femenina de la plata para expresar en piezas hechas a mano su original sensibilidad creativa y su talento para el diseño.
A lo largo de su carrera ha sabido convocar a un equipo de hombres y mujeres que, además de colaborar en los procesos de producción, están interesados en su desarrollo como personas. Su marca, Citlali, con más de 50 años en el mercado refleja valores estéticos y humanos profundos.
En la naturaleza ha encontrado inspiración y causa. Los habitantes del Bosque de la Primavera – área de conservación cercana a su ciudad natal- inspiran sus diseños y ella, en correspondencia, colabora con la organización corazondelbosque.org, que trabaja para preservar el bosque.
En su última colección, Diosa Venus, habla de su proceso de autodescubrimiento. Invita a utilizar sus joyas como talismanes de la femineidad sagrada, de la belleza, la valentía y la fortaleza.
Para conocer más del trabajo de Rosana
www.joyascitlali.com
Instagram @jojascitlali
Facebook CitlaliJoyas
ARTISTA: Rosana Sánchez Arias
TIPO: Collar
TÍTULO: 9 versiones de Frida
METALES: Plata .935
GEMÁS: Turquesas, ámbares y corales
MEDIDAS: 18 x 25
PESO: 316 g
TÉCNICA/S: Vaciado a la cera perdida
INTERPRETACIÓN
Todo parte del número 9; como 9 son los meses de la gestación humana. Representa lo nuevo, el porvenir, la fuerza y la sabiduría interior.
9 turquesas abrazan la pasión de los amantes que se miran a los ojos y se besan con ternura. Son azules porque equilibran la energía masculina y femenina, favorecen la comunicación y exacerban la empatía.
Un par de dragones, seres cósmicos cuya presencia implica la muerte –o el nacimiento– de un nuevo orden universal con el que Frida soñaba, los cuidan. Protectores de lo sagrado, simbolizan el poder espiritual supremo, el poder terrenal y celestial, el conocimiento y la fuerza. Son valientes, capaces de destruirlo todo para que lo nuevo pueda nacer.
Los caracoles son el fundamento de la creación, vienen del mar, fluyen con las mareas. Los ancestros han dicho que representan el movimiento, lo que cambia, lo que se reinventa en ciclos sucesivos de vida y muerte. Ciclos que bien pudieron ser la inspiración de la obra de Frida Khalo.
Hay también un relicario, donde se guarda lo más valioso. Los que lo descubren encuentran un verdadero tesoro que muchas veces nos olvidamos de apreciar.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Elegí esa pieza porque fue una joya de Frida Khalo que es una mujer que admiro por su fortaleza y autenticidad. Enamorada de la cultura mexicana, amiga de la transformación, transgresora de sus orígenes, amante apasionada, artista innovadora, fortaleza indomable, luchadora social, defensora de los pobres.
El estilo de Matilde Poulat, la diseñadora, va con el estilo de mi marca que es lleno de decorados y contenido simbólico, por lo que encontré dos motivos que me atrajeron e inspiraron a crear algo nuevo.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Me gusta diseñar a partir de las emociones por las que atravieso y en este momento los mundos (el interno y el que compartimos todos) se encuentran en transformación total. Quise una pieza que estuviera cargada de ese simbolismo.
¿Que buscas transmitir con tu trabajo?
Quiero transmitir emociones que lleven a la reflexión, a la apertura de nuevas posibilidades. El símbolo principal es la transformación y para ello se requiere de mucha valentía y armonía, donde la autovaloración es el pilar principal para lograrlo.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Es un proyecto importante porque invita a explorar nuestras capacidades como diseñadores y orfebres de una forma casi lúdica. Reconocemos el trabajo de nuestros colegas en otros tiempos y lo honramos con nuevas interpretaciones. Esto fomenta el concepto de unión entre las personas y las generaciones. He visto cómo mis colegas mexicanos estamos tan felices de participar y nos apoyamos. Todos sacando lo mejor de cada uno.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
La joya fue ideada por salvador dalí en el año 1949 aunque fue en 1951, cuando se realizó finalmente de la mano de los joyeros alemany y ertman. La época de creación de el ojo del tiempo coincide con el periodo en el que la pareja vuelve de estados unidos después de permanecer 8 años en el exilio. En el periodo comprendido entre 1941 y 1970, dalí realizó un total de 39 joyas y el ojo del tiempo es sin duda una de las más famosas y preciadas. En ella, el artista incorpora dos elementos que resultarán muy identificativos de sus pensamientos y carrera artística: el ojo y el reloj. Entre las piedras que conforman la totalidad de esta joya, encontramos una fila de diamantes, un rubí o tres tipos de esmalte azul que componen la pupila del ojo. Fundación gala-salvador en dalí en figueras, españa
Fuentes:
https://www.tinsa.es/blog/arte/el-ojo-del-tiempo-y-otras-joyas-de-dali/https://www.salvador-dali.org/es/museos/dali-joyas/coleccion/54/el-ojo-del-tiempo
Regina Castillo es una mujer, creativa, fuerte, versátil y emprendedora que lleva tatuado el amor por el diseño, el cual la conecta con su parte más humana.
Tras una reconocida carrera de 20 años como diseñadora de interiores, Regina Castillo dio un giro y siguió sus sueños, lanzando en 2010 su propia marca de joyería con el claro objetivo de revolucionar el mundo de la orfebrería a través de nuevos colores, brillos, y texturas de metales.
Regina encontró su inspiración en la belleza que existe en la naturaleza, lo que le dio vida la “ABEJA”, ícono y sello que hoy la representa, el cual es símbolo de trabajo detallado, comunidad y pasión.
Con el paso de los años, Regina ha realizado importantes colaboraciones, con artistas como Daniel Espinosa, consolidado ya como uno de los joyeros/emprendedores más exitosos y reconocidos a nivel mundial.
Por su trayectoria, la revista Quién galardonó a Regina Castillo como una de las 31 mujeres que con su talento y entrega en diferentes sectores, han generado importantes acciones de cambio en beneficio de la equidad.
Y en 2019 Fashion Group International le otorga el premio a Mejor Joyera del Año”.
Para conocer más a Regina:
www.reginacastillo.mx
Instagram @reginacastilloficial
ARTISTA: REGINA CASTILLO
TIPO: Broche
TÍTULO: RENACER 11
METALES: Plata 925 con baño de oro de 14 kt
GEMÁS: pirita, aguamarina, cuarzo musgoso, labradorita, cristales azules
MEDIDAS: 67mm / Ancho 85mm / Espesor 5mm
PESO: 114.4 gr
TÉCNICA/S: Modelado 3D / Vaciado por cera perdida / Pulido a mano.
INTERPRETACIÓN
La vida a través del ojo de Regina Castillo
Esta pieza en la parte de arriba tiene 7 piedras azules que representan los 7 días de la semana la cual, para mi representa la fuerza de la gente con la que trabajo, el cuarzo que va en el centro del ojo simboliza toda la colmena de las abejas trabajadoras, la cual reflejan nuestra esencia, la lágrima que cuelga en el lagrimal que es más grande que las otras simboliza el crecimiento personal de las mujeres que entran con nosotros en chiquito y van creciendo hasta volverse más grandes, el particular color de la piedra paraiba representa la felicidad para mi, todas son piedras facetadas con artesanos que labran todo a la antigua, de forma artesanal al 100%. La pirita es la piedra principal con la que hemos estado trabajando y siempre está en todas nuestras obras.. representa lo que soy y lo que quiero transmitir a todas las mujeres , para que también todas las mujeres que vean a través de este ojo se construyan a sí mismas a través de este renacer.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Esta pieza es muy especial, tuve la oportunidad de verla en persona en el 2011 cuando visité el museo de Dalí, al verla la conexión fue inmediata, me sentí tan identificada, fue un despertar total en mi; por otro lado, este año es un año clave para mi por que celebramos 10 años de la marca y que mejor manera de hacerlo que con una interpretación de esta pieza que es tan especial para mi y para mi marca.
El ojo humano es la ventana al alma, lo que es importante y refleja la forma de ver la vida de cada persona.
Por eso mismo, ver a través de mi ojo es ver colaboración y el trabajo y esfuerzo como en la naturaleza lo harían las abejas y el arduo trabajo que realizan en equipo para el bien común.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Esta pieza representa el renacer de Regina Castillo.
En el 2011, fui al museo de Figueres donde vi “El ojo del tiempo” de Dalí y me sentí inmediatamente identificada, sentí un despertar de mi tercer ojo. Esta pieza tiene una colmena en el centro del ojo, con un cuarzo transparente arriba para que se refleje la colmena, símbolo emblemático de la marca Regina Castillo.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Yo busco que toda mujer logre visualizarse a través de su tercer ojo, que se sepan hermosas y que recuerden que pueden renacer si creen en si mismas.
La atención a los detalles en la vida, s una pieza que a través del iris te hace pensar en lo que cada persona puede transmitir con su mirada, busco transmitir la unión pero a la vez la individualidad de cada persona.
¿Por qué es importante el proyecto Denisova?
Es un honor poder participar en un proyecto de esta índole donde puedo compartir mi visión, mi creatividad y al mismo tiempo que demostramos el talento que hay en México, y el grandioso trabajo artesanal, de calidad y vanguardista que se realiza en el país.
ENTREVISTA DE YOUTUBE
https://youtu.be/RXYDCCRk0xE
Dalí diseñó las joyas sobre papel en 1953 y el orfebre argentino Carlos Alemany, ejecutó la obra. Realizado en oro amarillo de 18 kt; las gemas del corazón son rubíes, talla mixta (redonda y oval), de 3.0 a 5.0 mm, las gemas de la corona son rubies, esmeraldas, zafiros, aguamarinas, peridotos, amatistas, diamantes y perlas. Aproximadamente. El más espectacular atavío de la colección de joyas de dalí es dedicado a la coronación de la reina de gran bretaña isabel ii. Según el pintor, los rubíes en el centro del artículo personifican a la reina “cuyo corazón late y sufre por el bien de su pueblo” y el oro simboliza el pueblo que “guarda y protege a su reina querida”. El artículo hecho con mecanismo a motor con reductor que actúa moviendo el corazón. Esto produce un efecto fascinante en el espectador.
Fundación gala-salvador en dalí en figueras, españa
Fuentes:
https://www.salvador-dali.org/es/obra/coleccion/45/el-corazon-real
https://www.globalintergold.info/es/trabajos-de-artifice-de-salvador-dali-zo70/
Diseñadora de joyas ítalo-argentina. Creció en el campo bonaerense, entre la arquitectura de Francesco Salamone y paisajes creados por Thays que influenciaron su creatividad. Su formación es mayormente autodidacta. Tomó clases en el Complejo Educativo de Joyería CEJ y talleres con J. Ivanoff, donde aprendió técnicas de orfebrería tradicional. El gusto por la joyería antigua y el diseño moderno la lleva a proyectar joyas únicas, contemporáneas, inspiradas en la naturaleza y la infancia. Sus diseños han recibido premios nacionales e internacionales
Fondo Nacional de las Artes FNA Argentina, Cirio Museum (Turín IT) y han integrado muestras prestigiosas en el Museo del Gioiello (Vicenza IT) entre otros de Italia, España, Gran Bretaña y Argentina.
La pieza premiada Juguemos Polo integra el Patrimonio del Fondo Nacional de las Artes FNA.
Actualmente diseña para clientes privados.
Para conocer más de Patricia:
https://www.instagram.com/patriciaposadamacniles/
@patriciaposadamacniles
ARTISTA: Patricia Posada Mac Niles
TIPO: Colgante
TÍTULO: Corazón Sagrado Argentina
METALES: Plata
GEMAS: Rodocrosita Ortiz, diamantes.
MEDIDAS: 8cm x 8cm
PESO: 120 gm
TÉCNICA/S: gemas: lapidación, tallado de flor, engarce/ Calado del metal, reportado en los rizos de plata, pulido, rodinado y empavonado.
INTERPRETACIÓN
Corazón Sagrado Argentina
El hilo conductor entre el maravilloso Corazón Real de Dalí y mi Corazón Sagrado Argentina es el concepto de amor, esperanza, futuro, patria.
Creado para celebrar la coronación de Isabel, Dalí confía su diseño lleno de simbolismos al orfebre argentino Alemany. Un corazón de oro que representa al pueblo británico cuidando a un corazón de rubíes que late. El corazón de su joven reina.
El Corazón Sagrado Argentina está realizado con una gran rodocrosita Ortiz, diamantes y plata. Vista a trasluz tiene una transparencia color rosa sanguíneo fabulosa.
Vino a mis manos en bruto, la lapidé personalmente.
Ella fue quien decidió ser un corazón, ni simétrico, ni perfecto. El corazón es Argentina
No hay espadas, ni gotas de sangre ni fuegos en mi corazón.
Hay rizos de aire tibio, hay dos gotas de rocío del alba. Hay un lazo de penas inolvidables y espinas que lo han herido.
No oculta sus cicatrices, pero no las destaca. Empeñado en vivir florece otra vez en forma de frágil rosa. Es, tal vez como yo percibo la vida. Renacer
La rodocrosita, gema de la Argentina, también es llamada rosa del Inca. Guarda una hermosa leyenda de amor.
ENTREVISTA
¿Por qué elegiste esta pieza?
Por la fascinación que me provoca obras tan inmensamente creativas y llenas de simbolismo como las de Dalí.
¿Cómo planteaste la interpretación de la pieza?
Del resultado de la lapidación de una Ortiz en bruto surgió algo que yo interpreté era un corazón. No quería realizar un corazón doliente y trágico.
El maravilloso Corazón Real de Dalí me provocó fascinación y alegría, es amor, esperanza, patria. Era ese concepto que deseaba aplicar a mi diseño.
La rodocrosita, representa a la Argentina y la esperanza de su gente trabajando por verla florecer. El Corazón Real es amor, es celebración y esperanza de un pueblo a su joven reina.
Fue una asociación de pensamientos y emociones.
¿Qué buscas transmitir con tu trabajo?
Me conmueve cuando mis trabajos despiertan sentimientos en quien los ve. Algunos leerán un mensaje entre líneas y otros simplemente sentirán alegría solo por observarlas.
¿Por qué es importante el proyecto Denísova?
Encuentro muy valioso el hecho de nutrirse de información del pasado para crear piezas totalmente modernas, creativas y únicas.
ENTREVISTA DE YOUTUBE